Spanish (Español) translation by Naudys Angulo (you can also view the original English article)
Muy probablemente los principios del diseño (y los elementos del arte) son la piedra angular de nuestro trabajo como artistas y diseñadores. Son las herramientas que usamos para comunicarnos efectivamente con nuestra audiencia. Usándolos podemos tomar un concepto y transformarlo en algo memorable, atrayente e incluso hermoso.
Los libros de teoría y las autoridades en la materia los explican, usan y definen en formas que pueden variar, pero en el fondo, esos principios del diseño son nuestra herramienta principal.
Ahora bien, ¿qué pasaría si pudiéramos aplicar esas herramientas en otros ámbitos, como nuestras vidas profesionales como diseñadores, por ejemplo?
¿Te sientes abrumado? ¿Una ola de incertidumbre sobre tu carrera profesional se avecina sobre ti y le pone un freno a tu flujo creativo? ¿Sientes el temido "bloqueo artístico" y no puedes superarlo?
Entonces, tratemos de aplicar los principios del diseño a tu vida profesional.
La jerarquía en el diseño
Un diseño consistente tiene una jerarquía bien establecida. Los elementos de la composición se ubican en una manera que guía a los ojos del espectador a lo largo de la composición. En este simple ejemplo, puedes notar como tus ojos inician por el título, que es grande y está en negrita, y contrasta notablemente con el color de fondo.
Luego tus ojos se trasladan hacia abajo, hacia el subtítulo, y finalmente, se fijan en el cuerpo del texto. En la parte inferior, el número de página termina la página. Imagina, por ejemplo, que el número de página fuera tan grande y prominente como el encabezado. Ambos elementos pelearían por nuestra atención. Eso sería visualmente conflictivo.
Para establecer la jerarquía debemos saber lo más importante, ¿qué debe verse primer, y cómo puedo lograr que sea note así visualmente? ¿qué debe ser complementario en la imagen?
La jerarquía para diseñadores
Los artistas y diseñadores acostumbran a ponerse muchos sombreros a la vez. Es mucho más que crear un magnífico trabajo. Muchos de nosotros también tenemos que darnos a conocer. Esto significa a menudo que tenemos que tener un portafolio sólido. Tenemos que establecer una red de contactos. Hay componentes empresariales, reuniones, organización, formación continua y mucho más cuando se trata de gestionar tu carrera, especialmente si quieres volar en solitario. Puede resultar muy abrumador gestionar todo eso al mismo tiempo.
Imagina todas estas tareas como un revoltijo de "cosas que quiero o necesito hacer". ¿Por dónde empiezas? ¿Dónde hay que parar? ¿Cómo se mide el progreso? ¿Qué pasa si te enfrascas tanto en una tarea que empiezas a descuidar las demás?
Nosotros no podríamos diseñar de esa manera.
En lugar de eso, plantéate abordar estas tareas como lo harías con un pliego de dos páginas o el diseño de un póster. ¿Cuál es el título de la lista de tareas de hoy? ¿Cuáles son las tareas complementarias que respaldan tus objetivos creativos y profesionales generales?
Por ejemplo, puede que hoy tenga que terminar un trabajo para un cliente. Ahí es donde me gustaría poner el énfasis. Sin embargo, quiero dedicar tiempo a mis esfuerzos de marketing y a mantener mi espacio de trabajo limpio, despejado y acogedor. También me gusta empezar el día con algunos bocetos de calentamiento. Todas estas tareas son importantes, pero quiero que haya una jerarquía de importancia en cuanto a la distribución de mi tiempo.
El ritmo y repetición en el diseño
Podemos utilizar elementos repetitivos para conseguir varias cosas diferentes en nuestro trabajo de diseño; podríamos, por ejemplo, dar a entender movimiento, o podríamos utilizarlo como complemento para ayudar a promover el punto focal en nuestra composición. Yo podría emplear un estampado sutil en el fondo de mi sitio web. Podría dar a la estética general un poco de textura y personalidad, pero la naturaleza repetitiva ayuda a mantener este aspecto complementario.
Fíjate en el ejemplo anterior, que ninguno de los puntos destaca especialmente. Se repiten. Esto ayuda a que sean complementarios. El tipo de letra, por otro lado, actúa como punto focal, porque es donde las cosas varían visualmente.
Como otro ejemplo, podemos utilizar colores o formas repetidas en un pliego de varias páginas para crear una sensación de armonía entre ellas. O podemos tener un ritmo visual constante y repetido, como un estampado unificado.
El ritmo y la repetición para diseñadores
"Repetitivo" no suele ser una palabra que me guste asociar con mi vida profesional o mi trabajo de diseño. Sin embargo, hay algo que decir sobre la repetición, especialmente desde la perspectiva del desarrollo de habilidades, el avance y nuestros hábitos.
Por ejemplo, digamos que te gustaría mejorar tus habilidades de dibujo. No hay mejor manera de mejorar que sentarse a dibujar. Sin embargo, una sesión de práctica no va a ser comparable a varios meses de dedicación regular para progresar. Lo mismo ocurre con el aprendizaje de un software, de un nuevo lenguaje de programación o también de nuestras habilidades de diseño.
En el diseño, los elementos complementarios son a menudo los "coristas" de nuestra composición. Las partes complementarias de tu día no son tan diferentes.
Mi "temporizador de descanso", por ejemplo, es una parte complementaria de mi jornada laboral. Me recuerda que debo estirar las manos, levantarme y hacer un pequeño descanso. Antes, me pasaba horas en mi escritorio, sin interrupción. Esto me preocupó, cuando empecé a experimentar rigidez y dolor.
Piensa en los complementos de tu jornada y en tus hábitos de trabajo. ¿Apoyan tus objetivos generales y promueven un progreso positivo? ¿O te estorban en el camino?
La variedad en el diseño
La variedad es una de las muchas maneras en que nosotros, como diseñadores, podemos crear interés. Cuando, por ejemplo, los elementos visuales comparten rasgos en común, pueden "mezclarse". Por el contrario, cuando un elemento visual varía del resto del contenido, va a destacar y llamar nuestra atención. Fíjate en que las formas moradas, arriba, realmente destacan. Es porque son diferentes de los elementos que los rodean, más complementarios.
Personalmente, suelo ver la variedad como la compañera de la repetición y/o el ritmo. Por lo general parecen opuestos, pero hacen maravillas cuando se emplean juntos.
Si, por ejemplo, una composición tiene demasiada variedad, corre el riesgo de ser visualmente caótica. Si, por el contrario, los elementos visuales son demasiado repetitivos, podría resultar aburrida o carente de enfoque. Utilizarlos juntos es una buena manera de promover tanto la jerarquía como el movimiento.
La variedad para los diseñadores
Por eso, si no presentamos algo de variedad en una composición, se pierde potencialmente el interés. Puede parecer aburrida o "monótonas". No hay nada que llame la atención del espectador. También podríamos observar lo mismo a mayor escala. Imagina que todas las piezas de tu portafolio fueran idénticas. Puede ser que la consistencia te favorezca... pero ¿cuál destacaría? ¿Cuál sería memorable?
Imagínate lo mismo para tu vida profesional: tareas rutinarias, el estancamiento y el aburrimiento. No hay nada malo en la repetición; de hecho, puede ser útil e importante, tanto en el trabajo de diseño como en nuestra vida profesional. Sin embargo, hay que tener en cuenta que no hay por qué dejarse llevar por el aburrimiento, o peor aún, por el fastidio.
Personalmente, me encanta que me desafíen. Me encanta experimentar, aprender y amo crear. Estas son las razones por las que me dediqué al arte y al diseño. Hay una cierta satisfacción cuando se crea algo visualmente interesante y nuevo. Si esa sensación falta en mi vida creativa, me doy cuenta de que ya no me siento tan involucrado o apasionado.
La variedad no siempre tiene que venir de un cliente o de un informe de diseño. Toma una clase. Inicia un reto artístico o de diseño por tu cuenta. Invierte algo de tiempo en un proyecto personal que te apasione. Adquiere un nuevo software. Lleva un cuaderno de bocetos y llénalo de ideas.
Considera la posibilidad de invertir tiempo en mantener tu lado creativo estimulado, comprometido e interesado.
El contraste en el diseño
Una de las formas más sencillas de explicar el contraste suele ser "claro vs. oscuro" o "negro vs. blanco, porque estos dos ejemplos son un contraste muy marcado: son opuestos. Así, por ejemplo, un texto negro sobre un fondo blanco tendría más contraste que un texto gris claro sobre un fondo blanco. Fíjate en que los dos puntos grises claros, arriba, tienen menos contraste que el texto.
El contraste, como principio de diseño, no se limita necesariamente al valor o al color. Podemos, por ejemplo, tener un contraste de tamaño, textura o forma. Como diseñadores, podemos utilizar el contraste para crear interés, incorporar variedad y/o reforzar el énfasis en nuestras composiciones. También podemos alterar el contraste de los elementos visuales para afectar a la legibilidad y al tono general.
El contraste para los diseñadores
Creo que todos estamos de acuerdo en lo importante que es establecer objetivos realistas, concentrarse y trabajar duro. Hay mucho que aprender, y mucho que crear, en esta vida creativa. Puede ser fácil verse envuelto en todo lo que uno quiere hacer, creativa y profesionalmente.
También es importante alejarse y poner eso en pausa.
Sí, es un contraste bastante marcado. Para mí es difícil; cuando estoy en la zona, es fácil que trabaje en exceso. Mentiría si dijera que no tengo recuerdos de jornadas de trabajo excepcionalmente largas. También he asumido proyectos que han reducido el tiempo que dije que me iba a tomar.
Sin embargo, al igual que mi lienzo, solo tengo un tiempo para trabajar; tengo 24 horas. Probablemente no vas a crear tu mejor trabajo si estás sobrecargado o agotado.
Experimentar con el contraste visual ayuda a crear (o disminuir) la focalización. Yo diría lo mismo para nuestra vida profesional. Tener tiempo fuera de tu trabajo, invertir tiempo en el descanso, mantendrá tu mente y tu cuerpo fuertes y alerta. No sé tú, pero a veces, volver a un proyecto con "ojos frescos" marca la diferencia.
El equilibrio en el diseño
Todos los componentes visuales de una composición tienen algún tipo de peso. Aspectos como el tamaño, el valor y el contraste de un elemento pueden influir en ello. Luego, al posicionar dicho elemento con otras partes de tu composición, podemos establecer y manipular cómo se equilibran las cosas. En el ejemplo anterior, el equilibrio es asimétrico; fíjate en lo "pesado" que es el lado derecho.
Generalmente hablando, el equilibrio tiende a ser simétrico (donde el equilibrio parece distribuido uniformemente) o asimétrico (donde el equilibrio parece favorecer a un lado o al otro). Tal vez menos común, el equilibrio radial suele basarse en un punto focal central, donde los elementos "irradian" hacia fuera.
Como la mayoría de los principios de diseño, no hay una respuesta "correcta o incorrecta" en lo que respecta al equilibrio. Sin embargo, el equilibrio que creamos mediante la proximidad y las relaciones visuales puede cambiar las cosas, como la forma en que los ojos del espectador navegan por la composición.
El equilibrio para los diseñadores
El equilibrio parece una obviedad en nuestra vida profesional, ¿verdad? Sin embargo, es más fácil decirlo que hacerlo, ¿no?
Personalmente, trato de calendarizar y marcar un ritmo de trabajo, no solo por el bien de la organización, sino también por el bien de mi salud, mi bienestar y mi progreso en general.
Cuando era más joven, podía "pegarme un atracón de trabajo"; me sentaba en mi mesa de trabajo con Photoshop durante horas, y no pensaba mucho en ello. Ahora, mis manos son más propensas a la tensión y a las lesiones por esfuerzo repetitivo (RSI), y realmente noto la rigidez si me quedo en mi escritorio todo el día. Asimismo, si no mantengo cierto equilibrio, puedo perderme en una tarea. Si dedico una hora más a este proyecto, cuando tenía otra cosa que hacer hoy, lo primero que se recorta es el tiempo destinado al descanso. Eso no es bueno.
Si a veces te cuesta lo mismo, considera la posibilidad de presupuestar tu tiempo, encuentra un equilibrio adecuado para ti. Si hay demasiadas cosas en un día para mantener un horario que te haga feliz, quizá sea el momento de reprogramar o replantear algunas de estas tareas.
La proporción y la escala en el diseño
La proporción y la escala suelen referirse a las relaciones de tamaño dentro de una composición. Por ejemplo, un enfoque sencillo de este principio podría ser hacer la cabecera más grande que el resto de la composición. Fíjate en cómo destaca la palabra "Proportion" en el ejemplo anterior.
Sin embargo, este principio de diseño puede aplicarse a mucho más que al tamaño. La relación visual entre los elementos del diseño y su proporción puede desempeñar un papel importante a la hora de que un diseño resulte visualmente unificado o no. En los estudios de diseño se habla a menudo de proximidad y/o proporción. Por ejemplo, las palabras "Proportion" y "& Scale" están visualmente cerca la una de la otra. Parecen estar relacionadas. Si hubiera un gran espacio entre ellas, probablemente se verían fragmentadas.
Piensa en la relación que comparten los elementos de tu diseño.
La proporción y la escala para los diseñadores
He tenido la suerte de hacer muchos trabajos de arte y diseño en mi vida. Al principio de mi carrera, tenía mucha hambre de experiencia laboral, tanto que acabé trabajando en algunos proyectos que me quemaron bastante.
Las tarifas y los pagos pueden ser un tema delicado para algunas personas. Al fin y al cabo, todos queremos ganarnos la vida y mantener a nuestra familia, y sí, a veces sentimos que no podemos permitirnos ser exigentes.
Sin embargo, es importante analizar lo que haces en relación con lo que ganas. Te mereces una remuneración justa, y cualquier cliente que no esté de acuerdo con eso puede no ser un cliente con el que quieras trabajar.
Sí, la mayoría de nosotros tenemos que empezar con poco, pero eso no significa que tu trabajo no tenga valor.
La proporción, la escala y la relación se aplican aquí. Examina tus credenciales y tu experiencia. ¿Son proporcionales a lo que te pagan? Si eres principiante en tu campo, ¿estás contribuyendo a algo que te ayuda o a algo que se aprovecha de ti? Incluso con el trabajo voluntario o académico, puedes elegir trabajar de forma que promueva tu progreso de forma positiva.
El énfasis en el diseño
El énfasis, a veces denominado dominio, describe una parte de la composición que acapara la atención. Puede ser un punto focal u otro punto de interés significativo en la composición. Para conseguirlo, podemos utilizar diferentes principios de diseño.
Por ejemplo, podemos utilizar la escala para hacer que un elemento visualmente dominante sea más grande que todos los demás. De este modo, llamaría más la atención sobre las demás partes del diseño.
O podemos emplear el color. Digamos que tenemos un conjunto de elementos que son todos amarillos, pero uno de ellos es verde, en el caso de arriba. El verde, al variar de color (y/o potencialmente de valor), destacaría por su diferencia con el resto.
El énfasis para los diseñadores
Entonces, ¿cuál es tu énfasis?
Me gusta ver mi vida profesional de forma similar. Si no defino lo que quiero, ¿cómo lo hago realidad? ¿Cómo me aseguro de que el trabajo que estoy haciendo y el portafolio que estoy construyendo apoyan mis objetivos, si nunca los he definido? Incluso si eres "feliz donde estás", hay cosas que podemos hacer para enriquecer nuestra situación, en lugar de quedarnos estancados.
Entonces, una vez que sabes lo que quieres, ¿qué es lo siguiente? Al igual que en un diseño bien definido, queremos asegurarnos de que los elementos complementarios de nuestra composición ayudan a establecer y apoyar el énfasis: nuestros objetivos. Por ejemplo, digamos que tu objetivo es crear tu propio estudio de diseño independiente. ¿Qué estás haciendo para apoyar ese objetivo? ¿Tus esfuerzos actuales apoyan o entran en conflicto con él? Si no te gusta en qué punto estás centrado, quizá sea el momento de hacer algunos ajustes.
Por otro lado, no hay absolutamente nada de malo en "navegar por las olas" o en ver adónde te lleva la vida, siempre que quieras centrarte en eso. Probar cosas nuevas y darse tiempo para encontrarse a sí mismo, como artista o de otro modo, es algo maravilloso. Sin embargo, tener una colección de hitos abstractos y vagamente definidos no necesariamente facilita la navegación hacia un objetivo específico.
El movimiento en el diseño
El movimiento se refiere a cómo se mueven los ojos del espectador a través de la composición. Podemos influir en esta navegación de muchas maneras diferentes, incluyendo la forma en que empleamos los principios del diseño y la sensibilidad hacia nuestro público. El ejemplo anterior es sencillo; fíjate en cómo nuestros ojos se desplazan con los guiones, hacia el texto.
Esto es, por supuesto, una pieza de un rompecabezas mayor. Podemos llamar la atención en un "punto de partida" concreto (o crear énfasis) utilizando la escala o el contraste, por ejemplo. Podríamos guiar visualmente el ojo de una parte a otra con la proximidad, la repetición o incluso la línea.
El movimiento para los diseñadores
¿Adónde te lleva tu vida profesional? Como hemos comentado con énfasis, es estupendo tener la vista puesta en un punto focal u objetivo específico. Sin embargo, eso no quiere decir que el viaje no sea igual de importante que saber a dónde quieres ir.
Imagina que haces un viaje sin un mapa. Sabes que quieres acabar en este lugar concreto, pero no estás seguro de cómo vas a llegar. Aunque puede haber cierto romanticismo en vagar y ver a dónde te lleva la vida, también hay que decir que hay que establecer un camino por ti mismo.
La mayoría de nosotros no puede permitirse el lujo de elegir todos los proyectos profesionales que emprende. Sin embargo, elegir deliberadamente proyectos e inversiones de tiempo que apoyen tus objetivos profesionales más amplios, en lugar de otros que no lo hagan, puede ayudarte a llegar a la línea de meta aún más rápido. Eso no quiere decir que un desvío no pueda dar lugar a algunas sorpresas maravillosas, pero también es una buena idea ser estratégico con tus viajes.
Digamos, por ejemplo, que eres nuevo en el mundo del diseño, pero te gustaría que algún día se convirtiera en tu actividad principal. Ese es tu énfasis. Tu trabajo diario es en otro campo, así que la transición va a ser más fácil de decir que de hacer. ¿Hay algo que puedas hacer, en tu puesto actual, relacionado con este objetivo? Tal vez tu lugar de trabajo necesite una señalización o un trabajo de diseño (¡así es como conseguí uno de mis primeros trabajos de diseño!). Si no es así, tal vez puedas reservar algo de tiempo para empezar a avanzar en esa dirección.
La unidad en el diseño
En términos de dificultad, la unidad podría ser el principio de diseño más difícil de emplear. A menudo se describe como una "totalidad" o una "sensación de finalización". Cuando un diseño está unificado, todas las partes trabajan juntas para complementar y apoyar tanto la forma como la función de la pieza. El diseño no solo es bonito, sino que también funciona bien.
Por ejemplo, una composición puede "tener un buen aspecto" pero no tener éxito. Imagina un diseño de cartel con información importante que pasa desapercibido. O imagina un diseño que cumple su objetivo -comunica lo que el cliente quiere que diga- pero es visualmente aburrido y olvidable. ¡Encontrar ese lugar en el que todos los elementos funcionen juntos de forma armoniosa es todo un reto! Por suerte, tenemos los principios del diseño para ayudarnos a llegar a la meta.
La unidad para los diseñadores
¿No queremos todos la "totalidad" en nuestras vidas? ¿No sería maravilloso sentarse, respirar hondo y pensar que todo es perfecto? Todo está trabajando en conjunto para hacer que la vida se sienta entera, completa y francamente impresionante.
Bueno, la unidad es un poco más fácil de conseguir en el diseño que en nuestras vidas. Las cosas nunca van a ser perfectas, ni en nuestros diseños ni en nuestras vidas, pero pueden ser buenas. Muy, muy bien, en realidad. Sé que puede sonar demasiado optimista, pero me gusta pensar que es un sueño por el que merece la pena luchar.
Si algo se siente mal en un diseño, lo cambiamos. Puede que recibamos comentarios de un cliente o que nosotros mismos nos demos cuenta. En cualquier caso, no es algo que nosotros, como diseñadores, dejemos pasar. Nuestro trabajo se rige por un estándar en el que la meta es la satisfacción de los objetivos, y estos se cumplen de una manera visualmente atractiva y memorable.
Así que, si hay algo que no funciona en tu vida profesional (o incluso en tu vida personal), ¿por qué no adoptar el mismo enfoque? Tal vez sea el momento de hacer algunas revisiones. Tal vez haya que ajustar algo.
¡Y con esto termino!
¡Gracias por acompañarme en esta exploración de los principios del diseño aplicados a nuestra vida profesional! Espero que te haya dado algunas ideas para tus propias prácticas profesionales. El diseño puede ser bastante subjetivo, y lo mismo puede decirse de tu carrera y tus objetivos. Tiene que ser lo más adecuado para ti. Mis mejores deseos para todos nosotros, en nuestra continua búsqueda de la unidad.
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