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10 errores de dibujo comunes en la pintura digital y cómo solucionarlos

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Spanish (Español) translation by Javier Salesi (you can also view the original English article)

La pintura digital es bastante complicada. Tienes el software adecuado y ya está, puedes comenzar a pintar. Cada herramienta, incluso la más poderosa está a tu alcance. Todos los colores están listos para utilizarse, no hacen falta mezclas.

Si acabas de migrar a Photoshop desde la pintura tradicional, no es tan difícil; solo necesitas encontrar las contrapartes de tus herramientas favoritas. Pero si eres principiante en ambas clases de arte, el inicio es una pesadilla, ¡de la que no estás consciente que estás soñando!

Hablando de herramientas, puedes encontrar increíbles recursos y complementos de Photoshop en Envato Elements. Tu suscripción mensual al servicio te permite descargar y usar tantos pinceles de textura, acciones de Photoshop, y más, sin límites. Es perfecto para experimentar.

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Estos pinceles de textura para Photoshop están disponibles para descargarse desde Envato Elements.

Photoshop: Una herramienta para pintura digital

La astucia de Photoshop se basa en su aparente sencillez: aquí está la colección de pinceles, aquí están todos los colores, aquí está el borrador y este es el comando Deshacer. Comienzas a pintar, parece que lo haces mal, así que buscas otras herramientas para mejorar. ¡Y solo mira cuántas herramientas tiene! Pruébalas todas, una por una y la magia ocurre.

Sin embargo, "magia" significa que estás permitiendo que Photoshop dibuje por ti. No tienes ningún control sobre esto, pero aún luce mejor de lo que lo harías tú, un principiante (al menos, eso es lo que crees). Así que deja que esto ocurra y produzca muchas imágenes con la esperanza de que algún día se conviertan en obras maestras.

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Puede ser fácil delegar el control pasivo a Photoshop. Fotografía de stock de Envato Elements.

Los artistas digitales profesionales que admiras utilizan Photoshop para que sus visiones cobren vida, pero lo utilizan como una herramienta, no como una máquina de generar arte. ¿Cuál es la diferencia?

  • Los profesionales imaginan un efecto y hacen el programa para llevarlo a cabo.
  • Los principiantes hacen que el programa haga algo y si están satisfechos, mantienen el efecto.

¿Suena familiar la segunda opción? Si es así, sigue leyendo. En este tutorial de dibujo digital, te mostraré cómo mejorar diez aspectos diferentes de tu flujo de trabajo para que te conviertas en un artista de Photoshop. Con estos diez consejos simples sobre pintura digital entenderás los errores ¡que podrían haber estado bloqueándote por mucho tiempo!

Nota: los problemas que estoy describiendo se aplican a una situación cuando el artista logra el efecto no intencionalmente, mientras persigue un estilo realista. ¡Estos no son errores si tú los planeas!

¿Tienes limitaciones de tiempo? Si todavía quieres aprender todos los consejos sobre pintura digital que tenemos para ti, pero no tienes mucho tiempo para leer, no te preocupes. Mira el siguiente video del canal de Envato Tuts+ en YouTube+. ¡No olvides suscribirte si disfrutas estos videos!

1. Establecer erróneamente el tamaño del lienzo al aprender dibujo digital en Photoshop

Comenzar una nueva imagen es un juego de niños. Aplica Archivo > Nuevo, o si eres más avanzado, utiliza el atajo de teclado Control-N. Parece tan sencillo que a menudo es ignorado. 

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Hay tres aspectos en este problema.

1. Lienzo demasiado pequeño para pintura digital

Al igual que todos los objetos se conforman de átomos, cada pintura digital se conforma de pixeles. Probablemente sabes esto. Pero ¿cuántos pixeles exactamente necesitas para crear una pintura detallada? ¿200x200? ¿400x1000? ¿9999x9999?

Un error común del principiante es utilizar un tamaño de lienzo similar a la resolución de la pantalla. ¡El problema es que nunca sabes la resolución que usan tus espectadores!

Digamos que tu imagen se ve en tu pantalla como el ejemplo 1. Es tan grande como es posible sin necesidad de hacer ninguna acción y eso está bien. Es lo más grande que puedes obtener en tu resolución, 1024x600. Los usuarios con una resolución de 1280x720 (2) y 1366x768 (3) tampoco podrían quejarse. Pero date cuenta de lo que ocurre a los usuarios con resoluciones más grandes, 1920x1080 (4) y 1920x1200 (5). Progresivamente, la imagen toma menos y menos espacio en la pantalla. Para esos usuarios, ¡en verdad no utilizaste toda la altura posible! 

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Y eso no es cuestión de "espacio en blanco" alrededor de tu imagen. La "resolución más grande" no siempre significa "pantalla más grande". ¡Tu teléfono inteligente podría tener más pixeles en su pantalla compacta de los que tienen tu PC! Solo mira:

  1. Mismo tamaño, diferente resolución
  2. Diferente tamaño, misma resolución
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¿Qué significa eso? Para los espectadores excepto tú, la imagen que planeaste para ocupar toda la pantalla puede verse...así:

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Pero el tamaño que elegiste para tu imagen no tiene que ver solo con esto. Mientras mayor es la resolución, más pixeles tiene. En una resolución más pequeña, un ojo podría ocupar 20 pixeles, mientras que en una resolución mayor ¡podría tener 20,000 pixeles! ¡Imagina todos los detalles precisos que puedes poner en esa gran área!

Este es un truco genial: cuando pintes algo pequeño en una resolución grande, no importa qué tan desprolijo sea, hay una buena oportunidad que a lo lejos (es decir, haciendo un alejamiento) lucirá interesante e intencional. ¡Haz la prueba! 

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Una resolución grande te permite hacer un acercamiento a los detalles más finos

2. Lienzo demasiado grande al aprender dibujo digital

¿Significa esto que siempre deberías utilizar una enorme resolución para darte más libertad? Teóricamente, sí. En la práctica, no siempre es necesario y en ocasiones es imposible. 

Mientras más alta es la resolución, más pixeles tiene tu trazo básico. Mientras más pixeles tenga el trazo, más difícil es para tu computadora procesarlo, especialmente cuando se trata de niveles de presión con Flujo variable. Así que, es un argumento práctico contra ello, necesitas una computadora potente para utilizar altas resoluciones de manera cómoda.

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El segundo punto es que altas resoluciones se usan para piezas muy detalladas. Contrario a la creencia del popular principiante, cada pintura debe ser detallada. Aún cuando quieras pintar realísticamente, puedes ignorar mucha información que obtuvieras de una foto, ¡lo que vemos en realidad nunca luce como una fotografía!

Cuando usas una resolución más alta de lo que es necesario, puede ser tentador añadir algunos detalles esporádicamente, solo porque lo puedes hacer. Y cuando lo haces, no hay manera de volver atrás. Hay muchos niveles de detalles, pero una pieza particular debe usar solo uno a la vez. Si quieres crear pelaje pictóricamente, no pases horas distrayéndote en otros aspectos, solo hará que la toda la pieza luzca inconsistente e inconclusa. 

3. Tamaño final demasiado grande en la pintura digital

Digamos que encontraste esa perfecta resolución para tu pintura. No es ni demasiado grande ni demasiado pequeña, perfecta para el nivel de detalles que quieres lograr. Aquí hay algo de espacio para otro error. Esa resolución era tu tamaño de trabajo. Quizá necesitaste muchos pixeles para obtener ese detalle preciso, pero el detalle será visible también "desde cierta distancia".

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Por qué les permites ver estos detalles desprolijos...
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...Si puedes ¿los haces ver solo lo que se espera que vean?

Antes de guardar el archivo para la vista final, redimensiónalo. No te diré la resolución óptima, porque no la hay. La regla es: mientras más detallada es la pieza, menos perderá cuando sea presentada en una resolución alta. Mientras la pintura tenga más "estilo boceto", mejor lucirá cuando sea presentada en versión pequeña. Si quieres aprender más sobre esto, mira cuál resolución utilizan tus artistas favoritos cuando publican sus trabajos online. 

Una cosa más: cuando redimensiones la imagen, verifica qué algoritmo para remuestrear te funciona mejor. Algunos enfocan la imagen, lo cual es algo que puede ser deseado o no.

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2. Comenzar con un fondo blanco, otro error de dibujo

Puede parecer trivial, ¿qué hay de malo con un fondo blanco? Es...neutral, ¿no? Se ve como una hoja de papel. 

El problema es que no hay color "neutral". "Transparente" es lo más cercano a ello, pero es imposible pintarlo. El color es color. Cuando dos de ellos se presentan, aparece una cierta relación. Para blanco + color A, esta relación es: "color A es oscuro". No importa cuál era tu intención, comienzas con un color oscuro únicamente ¡porque usaste el fondo más brillante posible! Todo es oscuro en comparación con él.

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El mismo tono cambia su brillo relativo cuando es visto en diferentes fondos

En el arte tradicional, usamos un fondo blanco porque técnicamente es más fácil poner oscuro en brillo que de otra manera. ¡Pero no hay razón para ello en arte digital! De hecho, podrías incluso comenzar con un fondo negro, pero es tan mala idea como blanco puro. En la práctica, el color más "neutral" que podemos obtener es gris brillante 50% (#808080).

¿Por qué? El color del fondo cambia la manera en que percibes otros colores. En un fondo blanco, los tonos oscuros aparecerán extremadamente oscuros, así que estarás evitándolos. En un fondo negro, funcionará de la misma manera que los tonos brillantes. El resultado en ambos casos será un contraste débil que notarás una vez que intentes añadir algún otro fondo. Aquí está la prueba:

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Comencé esta imagen con un fondo demasiado oscuro y cuando quise agregar uno brillante, ¡deslumbraba! 

Los artistas experimentados pueden comenzar su imagen con cualquier color y sacan lo mejor de él, pero a menos que te sientas seguro sobre la teoría del color, siempre comienza con algo neutral, ni demasiado oscuro ni demasiado brillante.

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3. Evitar un contraste marcado al aprender a dibujar digitalmente

Por supuesto, en ocasiones tu percepción de brillo y oscuridad pueden ser perturbadores por la mala calidad de tu pantalla. Si utilizas una laptop, probablemente te has dado cuenta cómo cambia el contraste cuando miras tu imagen desde cierto ángulo. ¿Cómo puedes lograr un contraste adecuado que todos vean como correcto sin importar el tipo de pantalla que usen?

Aún si tu pantalla es buena, después de enfocar una imagen por un tiempo prolongado, tu percepción tampoco está perturbada. Si cambias los tonos paso a paso, ese contraste podría parecer bueno solo porque es mejor que cinco pasos antes. El objeto mostrado a continuación podría parecer bonito...

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.... hasta que lo comparas con un objeto con un contraste más marcado. Y quién sabe, quizá si comparaste el otro con uno adicional, su contraste percibido automáticamente disminuiría?

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Photoshop tiene una herramienta que te ayuda en esta situación. Se llama Niveles y en realidad es un histograma que muestra cuánto de cada tono hay en la imagen. Puedes abrir esta ventana aplicando Imagen > Ajustes > Niveles o usando el atajo de teclado Control-L.

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La herramienta Niveles de Photoshop te ayudará a afinar el trabajo del contraste en la pintura digital.

¿Cómo funciona la herramienta Niveles de Photoshop? Echa un vistazo a estas cuatro muestras:

  • Casi igual cantidad de blanco, negro y medios tonos
  • Únicamente negro y medios tonos oscuros
  • Únicamente blanco y medios tonos claros
  • Únicamente negro y blanco, casi sin medios tonos

¿Puedes leerlo desde el histograma?

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Puedes modificar los niveles arrastrando los controles deslizantes. Mientras reduce la cantidad general de tonos, ayuda a colocarlos en el lugar correcto en el histograma.

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El histograma nos muestra que hay muchos medios tonos en nuestro objeto, pero también hay una falta visible de áreas oscuras y brillantes. No importa lo que vemos, ¡es lo que la computadora dice! Aunque no hay una receta perfecta para usar los niveles en Photoshop (todo depende de la iluminación de tu escena), una falta total de áreas oscuras y brillantes es una mala señal.

¡Solo ve lo que ocurre cuando movemos los controles deslizantes hacia el centro! 

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El contraste ha cambiado agradablemente, pero la fusión ha resultado perjudicada, es porque ahora tenemos menos medios tonos. ¡Pero no es complicado arreglarlo manualmente! 

¿Existe una manera de usar los tonos adecuados desde el principio para que todo esto no sea necesario? Sí, y de hecho te llevará menos tiempo de lo habitual! La solución es utilizar menos tonos, uno oscuro, uno brillante y un medio tono y un poco de negro y blanco.

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Para hacerlo en la práctica, antes de iniciar una imagen, planea tu iluminación en una esfera:

  • Dibuja un círculo y rellénalo con el tono más oscuro (no se recomienda negro).
  • Añade un medio tono.
  • Añade el tono más brillante (no se recomienda blanco).
  • Añade uno o dos medios tonos intermedios.
  • Añade un poquito de negro y blanco.
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¿Observas donde se ubican todas estas partes en el histograma? Cuando las combinamos, así es como luce. Usa esta esfera como un conjunto de muestras para tu objeto, aplícale tonos de la misma manera, sombra más oscura, medio tono, claro más brillante, más medios tonos, hendiduras más oscuras e iluminaciones más brillantes. ¡Luego puedes realizar la fusión!

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Si fusionas la esfera, obtendrás un histograma realmente bonito ¡con muchos medios tonos!

Una última cosa. Si comparas estas dos cabezas una vez más, una con el contraste adecuado desde el principio y una corregida, notarás la diferencia. Por eso incrementar el contraste no puede realmente arreglar tu escena si no has considerado valores desde el inicio, cada material tiene su propia gama de tonos. Por ejemplo, la parte más oscura de una superficie blanca será mucho más brillante que la parte más oscura de una superficie negra. Ello significa que deberías preparar tantas esferas como los diversos materiales que haya en tu escena.

Recuerda: un objeto claro que tiene aplicados tonos oscuros ¡es tan malo como un objeto oscuro que tiene aplicados tonos claros!

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4. Usar pinceles demasiado complicados y trazos demasiado largos en la pintura digital 

Cuando comparas pinceles tradicionales con los de Photoshop, la diferencia es tan impactante que te podrías preguntar por qué comparten el mismo nombre. Después de todo, los pinceles clásicos te permiten pintar únicamente trazos más o menos caóticos, mientras que los digitales crear ilustraciones por sí mismos.

Y aquí está el meollo. Si crean cualquier cosa por sí mismos, tú renuncias al control. Los artistas profesionales utilizan trazos simples la mayor parte del tiempo, apoyándose en los más complicados de vez en cuando. Usar pinceles complejos diariamente no solo te hace perezoso, también evita que aprendas cómo lograr un efecto por ti mismo, ¡porque no hay necesidad de hacerlo! 

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Cuando comienzas tu aventura en la pintura digital, es natural buscar maneras de progresar tan rápido como sea posible. Quieres resultados inmediatos. Los pinceles personalizados son la respuesta para ello. Quieres pelaje, aquí está el pincel de pelaje; quieres escamas, aquí está el pincel de escamas. No puedes pintar algo, descargas una herramienta que sí puede hacerlo.

Los pinceles personalizados no son malos, de hecho son muy útiles. El problema ocurre cuando los usas como la base de tu "habilidad". Si pasaste mucho tiempo tratando de comprender cómo pintar pelaje rápidamente, entenderías que no se hizo de cabellos individuales que necesitas para pintar uno por uno. Aprenderías que la visión de algo en nuestra mente es a menudo inconsistente con la realidad. Aprenderías cómo mirar y cómo crear lo que ves, no lo que piensas que ves. 

Mejor, te das por vencido después de pasar media hora pintando cabellos individuales y buscas un pincel que lo hará por ti. Lo encuentras, estás feliz y listo para continuar. Es tan fácil que se vuelve algo adictivo, y dejas de aprender, prefieres descargar todos los trucos, si fuera posible.

Pero ¿cómo hacen los artistas profesionales para superar eso? Ellos no tienen realmente esa gran variedad de pinceles. ¿Cómo pintan pelaje? La respuesta es simple, de la misma manera en que lo harías si los pinceles personalizados no existieran. Si quieres mejorar, si quieres vencer la maldición del principiante, descarta por un tiempo los pinceles complicados. Apégate a una colección sencilla, por ejemplo esta, y aprende cómo sacar lo mejor de ella. No busques sacarle la vuelta a las cosas complicadas. Trata de lograrlo y obtendrás una experiencia invaluable en lugar de trucos baratos.

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En esta ilustración no se utilizaron "pinceles de pelaje"

Usar trazos largos al aprender a dibujar digitalmente

Otro error común vinculado a los pinceles es utilizar trazos demasiado largos. De nuevo, es debido a la impaciencia. La regla es que el 80% del trabajo toma 20% del tiempo pasado en él, lo que significa que necesitas pasar el 80% del tiempo laboral finalizando tu ilustración. Si creaste el boceto, la base, los colores planos y un sombreado sencillo en dos horas en Photoshop, todavía quedan ocho horas. Más aún, durante estas ocho horas ¡verás menos progreso que durante las primeras dos! ¿Qué tan frustrante es eso? 

Puedes verlo claramente en el proceso que los artistas a veces muestran a su público, como este. Los primeros pasos son enormes, algo es creado de la nada. Y luego se detiene. Apenas puedes ver alguna diferencia entre los últimos dos pasos, ¡y esa sutil diferencia probablemente tomó más tiempo que todos los pasos previos!

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¿En qué punto te detendrías? 

Este es el problema. Cuando tu imagen está casi terminada, sientes que urge concluirla y ya la ves concretada. ¡Pero este es el momento cuando en verdad deberías comenzar! Recuerdo haber leído un comentario sobre uno de estos procesos de pintar: "Me detendría en el paso 4" [de 10]. ¡Y esa es la diferencia entre ese principiante y el profesional! Porque la otra parte de esa regla es: ese último, lento y sutil 20% del trabajo contribuye al 80% del efecto final.

La solución es sencilla. Nunca debes terminar tu imagen con trazos largos (a menos que estés aplicando la técnica de speedpainting). Se reservan para el inicio, para ese 20% del tiempo. Úsalos para bloquear las formas, para definir la luz, para añadir grandes bloques de colores. Y luego gradualmente vas a lo más pequeño, aplicas zoom, haces depuración y añades los detalles. Verás que finalizarás cuando trabajes con un pincel muy pequeño en un acercamiento máximo. Generalmente, mientras más lugares toques en tu pintura con tu pincel (y mientras más lo cambies, por ejemplo, añadir una ligera diferencia en el brillo o el matiz con cada pequeño trazo), más refinada lucirá.

Hay un lado brillante en esta regla. Ya que el 80% de la pieza no contribuye mucho al efecto final, no hay necesidad de enfocarse demasiado en ello. Comienza tus pinturas rápidamente, relajadamente y guarda tus esfuerzos para después. Recuerda: no toda pintura debe terminarse solo porque la empezaste. Al descartar algo en lo que no crees, ¡te ahorrarás cuatro veces más el tiempo que ya perdiste!

5. Utilizar demasiados colores, otro de los errores del dibujo digital

Los artistas tradicionales no tienen muchos colores listos para usar. Deben aprender cómo crearlos, cómo combinarlos para obtener el efecto deseado. Esta inconveniencia es, de hecho, una bendición. No tienen elección sino aprender sobre la teoría del color. Tú, como principiante digital, tienes todos los colores posibles a tu alcance. ¡Y esa es una maldición!

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No comprendemos los colores intuitivamente. No lo necesitamos en nuestras vidas. Pero como artista, debes cambiar totalmente esa perspectiva. Ya no puedes confiar en la intuición, porque no funciona bien en este tema. Necesitas dejar de pensar sobre los colores como los conoces, y asimilar el concepto de Tono, Saturación, Brillo, and Valor.

Los colores no existen por sí mismos. Se basan en relaciones. Por ejemplo, si quieres hacer un color más brillante, puedes incrementar su brillo o reducir el brillo del fondo. El rojo, llamado un color cálido, llega a ser cálido o frío dependiendo del color que lo acompaña. ¡Incluso la saturación cambia por las relaciones!

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 Incluso el tono de un color puede cambiar dependiendo de su entorno. Y este conocimiento es crucial para pintar, ¡no solo para diseñar como piensas! 

Un principiante que no se percate de esto rellena su boceto con una colección completa de colores aleatorios. Eligen un azul, luego añaden un verde, sin ninguna pista de que los eligen entre miles de otros colores con tonalidades azules y verdes ¡y que tienen un cierto poder!

Esta es la manera en la que un principiante ve los colores:

  1. Azules
  2. Azules desaturados
  3. Grises
  4. Negros
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Pero... ¿por qué tenemos tantas tonalidades si no son útiles? La respuesta es sí, no lo son. Solo necesitas entender de dónde vienen y qué significan. Veamos el selector de color desde la perspectiva de un profesional:

  1. Azules desaturados
  2. Azules saturados
  3. Azules brillantes
  4. Azules oscuros
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¿Parece complicado? Probablemente, ¡pero no es una razón para ignorarlo! Si es demasiado agobiante, apégate a la escala de grises por un momento. Comprende el tema de iluminación, sombreado y fusión en Photoshop y obtendrás una sólida base para el futuro. Es más, los colores (o más bien: tonos) son el merengue de ese pastel que es tu ilustración. Pueden hacerlo más dulce, pero no pueden ser la base de él. ¡Ninguna cantidad de merengue hace que un pastel malo sea bueno! 

Y si decides comenzar tu curso de color, checa estos artículos:

6. Hacer el coloreado digital directamente de una referencia

Es difícil luchar contra esta tentación, tan difícil que podría hacerte llorar. Lo sabes bien. Aún así, si quieres aprender pintura digital, no debes usar la herramienta Cuentagotas para tomar el color de una referencia. ¿Por qué es tan importante?

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Los principiantes normalmente usan un naranja con baja saturación o rosa para la piel. Parece obvio, pero el efecto está lejos de ser natural. Aunque si usas una referencia... ¡esa es otra historia! Casi cada pixel tiene un tono diferente, no solo rosa, puedes encontrar rojos, amarillos, naranjas, incluso púrpuras, verdes y azules. La saturación y el brillo cambia todo el tiempo, y aún, el efecto final no parece un caos. 

Cuando seleccionas colores de una referencia, tu propia imagen gana nueva vida. El problema es que no es tan diferente a calcar. Cuando calcas, obtienes líneas que no podrías repetir tú mismo, y cuando eliges colores, obtienes una hermosa tonalidad que tampoco podrías repetir. El efecto es sorprendente, pero no puedes ganar crédito por ello.

Hay otra cosa. Elegir los colores detiene tu progreso. Tú "compras" las colecciones de color en lugar de aprender cómo crearlos tú mismo. Tienes tu círculo cromático con todos los reguladores deslizantes; cada color que eliges puede ser creado por ti. Pero tú todavía decides usar los que ya has creado, es rápido y efectivo, pero ¿sabes que es todavía más rápido y efectivo? Tomar una foto.

Para que no necesites de referencias, debes aprender a ver los colores. Mira cualquier objeto que tengas cerca, ¿cuál es su tono, brillo, saturación? Es extremadamente difícil de decir ¿verdad? Pero si sigues eligiendo los colores usando la herramienta Cuentagotas, nunca aprenderás. No puedes comenzar una carrera con tus neumáticos de entrenamiento todavía puestos.

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Todos estos estudios yo los pinté desde una referencia, pero sin usar la herramienta Cuentagotas. Como principiante, comienza con cosas más sencillas, mientras menos colores, mejor.

7. Añadir colores a escala de grises sin los valores adecuados revela que no sabes cómo pintar digitalmente

Pinté esta imagen en el 2011. Ciertamente es una escena bonita y acogedora y todavía me gusta mucho. Recuerdo que la pinté en escala de grises y luego añadí colores usando algunos Modos de fusión (Color, Multiplicar, Superponer). Recuerdo haber tenido este problema molesto: ¿cómo obtener un amarillo adecuado cuando se pinta sobre escala de grises?

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Ya no tengo el archivo original, pero probablemente así es cómo lucía la versión en escala de grises. Nota cómo las áreas verde y amarilla están igualmente oscuras. ¡En realidad esto no es verdad!

digital painting how from grayscale to color problemdigital painting how from grayscale to color problemdigital painting how from grayscale to color problem

Cuando era principiante como tú, creía que la luz hacía a todos los colores uniformemente más brillantes y la sombra los hacía uniformemente más oscuros. Por eso es que pintar en escala de grises parecía tan conveniente. Podría haberme enfocado en el sombreado y añadir los colores posteriormente. Desafortunadamente, este truco no funcionó y me tomó mucho tiempo (principalmente porque realmente no lo intenté) para entender por qué.

La respuesta simple es que los colores diferentes tienen diferente brillo independientemente de la iluminación. Cuando lo ignoras, como resultado obtienes colores desaturados. Los colores que añades directamente a una imagen en escala de grises están vacíos de una parte importante de ellos. Si quieres aprender más sobre ello, he escrito un complejo tutorial sobre el tema de valor.

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Ambas cabezas tienen los mismos colores aplicados con modo de color. Nota que no es la capa de color lo que importa sino lo que hay debajo

8. Sombreando con las herramientas Sobreexposición y Subexposición en Photoshop, otro error de dibujo digital

Las herramientas Sobreexposición y Subexposición son una de las favoritas de los principiantes. Encajan estupendamente en la creencia de que Photoshop es un "programa de pintura". Solo necesitas elegir los colores base y luego seleccionar las áreas que quieres sombrear. El resto es controlado por algoritmos avanzados, no por ti, y eso es magnífico porque no sabrías que hacer.

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Sin embargo, no es tan fácil. Estas herramientas no son del todo inútiles, pero cuando eres principiante, es mejor alejarse de ellas. No son "herramientas de sombreado". La herramienta Sobreexposición no es igual que "añadir luz" y tampoco la herramienta Subexposición es igual que "añadir sombra". El problema es que coinciden con la visión del principiante sobre sombreado de manera tan óptima que es difícil superar la tentación.

El problema no recae en las herramientas, sino en un malentendido del sombreado. Los principiantes a menudo piensan que los objetos tienen algún color y este color se oscurece en las sombras y es más brillante en la luz. No es así de sencillo. Puede funcionar bien para sombreado plano o para fines de caricatura, pero incluso ahí es solo un atajo.

Si funcionan "aceptablemente", ¿por qué no usarlas?

  • Es otra técnica que bloquea tu progreso. Cuando la usas, ni siquiera te percatas de lo que te pierdes. El sombreado en Photoshop es un tema complejo y lo limitas a la regla de "oscurecer-aclarar", porque es fácil. Photoshop está aquí para trabajar por ti, no en lugar de ti. No permitas que detenga tu aprendizaje. 
  • Acoplan el objeto sombreado. No importa cuántas texturas le agregues después, funciona igual que un pincel grande, lo que significa que puedes comenzar una imagen con él, pero nunca finalizarla de esta manera.
  • Representan inadecuadamente los colores; deberían ser independientes en el entorno (luz directa, luz ambiente), pero ni la herramienta Sobreexposición ni la herramienta Subexposición saben algo sobre el fondo que estás usando. ¡Sombrean todo de la misma manera!
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 Hay una enorme diferencia entre estas dos piezas La primera fue sombreada con el dúo Sobreexponer y Subexponer, la otra con una comprensión del color.

Sombrear en Photoshop con blanco y negro porque crees que vas a  aprender a dibujar digitalmente

La extensión de esta técnica es sombrear utilizando blanco para las sombras claras y negro para las negras. Esto viene de una creencia de que cada color comienza como negro (en la sombra) y finaliza como blanco (en la luz). Aunque podría ser cierto para fotografías subexpuestas o sobreexpuestas, no debería ser una regla utilizada en la pintura.

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Todos buscamos reglas simples, algo fácil de recordar y usar. Pero ello no significa que debemos inventar reglas sencillas que no tengan nada que ver con la realidad, como: "añade blanco para hacerlo más brillante, añade negro para hacerlo más oscuro". ¡Esto es verdad solo para escala de grises! Si quieres aprender cuáles reglas puedes usar con los colores, mira este artículo.

Sombreado invariable, concepto para tutorial de dibujo digital

Cuando superas el problema anterior, podrías caer en otro. Digamos que has elegido el naranja como el color base para tu personaje. Tú decides que la fuente de luz será amarilla y la luz ambiente será azul (cielo). De acuerdo a esto, cambias el tono del color base a amarillo en la luz y azul en la sombra, y eso es todo. Hace el sombreado mucho más interesante que si usaras negro y blanco , pero todavía es un atajo que no necesariamente produce los resultados deseados.

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¿Qué es un atajo? Al crear solo tres tonos básicos para tu objeto, automáticamente lo colocas en un entorno artificial, donde todo está reflejando luz en una manera 100% predecible. 

En realidad, la luz continuamente rebota todo lo que está alrededor, incluyendo las "colinas y los valles" de tu objeto 3D. Por lo tanto, el sombreado raramente puede limitarse a dos o tres colores. El azul del cielo puede hacer azules algunas sombras en el objeto, pero en otras hendiduras podrían lucir verdosas por la luz reflejada de la hierba. Además, algunas sombras podrían estar brillantes y saturadas debido a la luz que penetra el obstáculo y llega a la "sombra" (ver dispersión subsuperficial).

Si tomas esto en cuenta y decides usar fuentes de luz indirectas para hacer el sombreado más variado, estarás obligado a pintar más deliberadamente ¡y eso es sensacional! No puedes utilizar aquí un pincel grande, porque mezclaría los colores y los terminarías perdiendo. ¡Y un pincel pequeño significa que estás creando una textura al instante! 

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9. Fusionando con un pincel difuso para el coloreado digital

Hay dos métodos principales que utilizan los principiantes para fusionar tonos, ambos diseñados para efectos rápidos:

  1. Fusionar con un pincel difuso
  2. Fusionar con la herramienta Dedo/Desenfocar
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Como ya hemos aprendido, los efectos rápidos a menudo significan que están fuera de nuestro control. En este caso, fusionar con trazos largos acopla el objeto y lo hace artificialmente suave. Aún si agregas después una textura de foto, no eliminará ese efecto "plástico". De nuevo, este método podría ser bueno únicamente para esa fase inicial.

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Si quieres obtener una agradable textura sutil (lo que es bueno para la mayoría de los materiales naturales), usa un pincel más definido con Flujo controlado por la presión de la pluma (mientras más firme presiones, más sólido será el trazo).

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Esta clase de pincel te permite controlar la cantidad de color que quieres utilizar.

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Gracias a este atributo, no necesitas fusionar el borde entre dos colores. Solo empiezas con el color base y lo cubres ligeramente con el otro. Luego puedes agregar otra capa el mismo color, haciéndolo más sólido.

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Si quieres hacerlo más suave, solo elige un color en algún lugar intermedio y pinta ligeramente en el borde.

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Para una textura más fuerte, utiliza un pincel de textura (con bordes ásperos).

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De acuerdo a la regla de 80-20, no te molestes en fusionar en la primera fase. Usa un pincel grande y haz aparentes los bordes, creando un sombreado exagerado.

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Posteriormente puedes usar un pincel texturizado más pequeño para fusionar los bordes. Sin la herramienta Dedo, sin pincel difuso, solo la herramienta Cuentagotas y tu pincel definido con Flujo variable. Recuerda: la fusión depende de la textura de la superficie, así que ¡no puedes usar el mismo método para fusionar todos los materiales! 

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10. Usar texturas 2D para formas 3D al aprender dibujo digital

Las texturas de foto son el último recurso de un principiante, cuando el objeto está teóricamente terminado, coloreado y sombreado, pero aún luce como un juguete de plástico. Sin embargo, una textura podría hacerlo empeorar más.

Digamos que queremos añadir una textura a este gato de gran dimensión.

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El objeto debe ser sombreado antes de añadir texturas. La parte complicada es que no necesita ser un sombreado completo. El método de fusión depende de la textura, si fusionas sin tener ninguna textura en mente, obtendrás una fusión sin textura (superficie suave).

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Puedes descargar una textura de internet o usar una de los motivos de Photoshop, hay muchos en los conjuntos predeterminados. Este es mi motivo favorito para escamas, Efecto rejilla invertida.

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Si cambias el Modo de fusión de la textura a Superponer, la verás aplicada en el sombreado. Sin embargo, nota que algunas partes se han vuelto brillantes. Podría gustarte si el sombreado no se hizo adecuadamente, pero es otro caso de renunciar al control. En la mayoría de los casos, no queremos la textura para crear su propia versión de sombreado. Aunque el modo Superponer no es la mejor solución, te permite ver cómo luce la textura en el objeto.

Ahora la parte más importante e ignorada. Si el objeto va a ser 3D, no puede ser cubierto de una manera agradable con una textura 2D. Necesitamos ajustar su forma a la forma que cubre. Existen tres maneras de hacer esto, experimenta y encuentra tu favorita:

  • La herramienta Transformación libre (Control-T) en el modo Deformar 
  • Filtro > Licuar
  • Edición > Deformación de posición libre
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Para esferas es mejor utilizar Filtro > Distorsionar > Esferizar
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Antes de usar Deformación de posición libre
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Después de usar Deformación de posición libre

El modo Superponer aplica brillo a las parte de la capa cubiertas con áreas blancas de la textura. Podríamos usar Multiplicar mejor (hace transparentes las áreas blancas), pero haría los tonos graduales (grises) más oscuros de lo necesario. Hay otra herramienta perfecta para ajustar la transparencia de una textura.

Haz doble clic en la capa y experimenta con los controles deslizantes de Fusionar si es. En pocas palabras, puedes ajustar la transparencia de blanco y negro con ellos.

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Mantén presionada la tecla Alt para "romper" un control deslizante y obtener un efecto más gradual
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Necesitamos comprender lo que es realmente una textura. No es un "motivo áspero" colocado en el objeto. De hecho, es la aspereza de la superficie. Cuando la luz impacta una superficie suave, es reflejada uniformemente. Si la superficie es áspera, es decir, hecha de diminutas protuberancias y hendiduras, la luz que la impacta creará un completo conjunto de diminutas sombras. Y esa es la textura que vemos.

Otro hecho puede resultar de esto. Si es luz la que crea la textura visible, no puede haber textura sin luz. Y ¿qué es la sombra, si no ausencia de luz? Por lo tanto, necesitamos reducir la textura en áreas oscuras (si hay luz ambiente presente), o eliminarla por completo (sin luz, no hay textura). Puedes usar para ello la Máscara de capa, o experimentar con los controles deslizantes de Fusionar si es (la segunda fila). Ten en mente que las hendiduras de la textura de hecho son sombras, así que no deberían ser más oscuras que el área de sombra "normal".

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Aplicar textura es rápido y fácil una vez que sabes qué acciones tomar después de elegir una. No obstante, este no es el final. Cada textura es diferente y aunque algunas de ellas lucirán magníficas cuando se aplican directamente, la mayoría requieren trabajo adicional.

De nuevo, la regla de 80-20 se aplica aquí. Añadir una textura es fácil, pero hacerla funcionar es lo que toma la mayoría del tiempo. En mi ejemplo, he fusionado los bordes sombreados con escamas individuales. Cosas como esta son muy laboriosas, ¡pero cambian todo!

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La primera esfera tiene una textura plana en modo Superponer con menor Opacidad, para hacerla menos aparente; la segunda es lo mismo, pero con distorsión aplicada. Compáralas con la última, con valores personalizados de Fusionar si es y los parámetros de fusión ajustados manualmente.

5 fantásticos recursos de Photoshop disponibles en Envato Elements que te motivan a aprender cómo pintar digitalmente

Si vas a pintar digitalmente en Photoshop, probablemente estés buscando estupendos pinceles. Afortunadamente, tu suscripción a Envato Elements te da acceso a cientos de pinceles de textura Photoshop que puedes descargar. Aquí tienes algunos para probar:

1. CHEMIST: Pinceles Illustrator y Photoshop para coloreado digital (en formatos ABR y AI)

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Pasar mucho tiempo en una sesión de pintura es casi como estar en un laboratorio ¿verdad? Con estos pinceles de punteado y de grano, podrás replicar una auténtica sensación de texturizado con tu arte. Esta colección de recursos incluye 35 pinceles de textura Photoshop con detalles únicos.

2. Pinceles Photoshop para sombreado si quieres aprender dibujo digital (en formatos ABR, EPS y PNG)

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Como se mencionó en los consejos de pintura digital, conseguir un sombreado correcto es muy importante. Este paquete de complementos puede usarse para añadir grano y personalidad a tus proyectos. Incluye pinceles de textura Photoshop para sombreado, trama y de otros tipos.

3. Pinceles Photoshop estilo grunge para coloreado digitial (en formatos ABR y PNG)

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Si estás trabajando en una ilustración artística con una sensación y entorno urbano, estos complementos Photoshop son perfectos para ti. La descarga incluye un conjunto de diez pinceles de alta resolución. Añade un toque de realismo a tu próxima pintura digital con estos recursos.

4. 202 pinceles de acuarela para darte una idea de cómo pintar digitalmente (en formato ABR)

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Pintar en acuarela tiene una larga historia en el mundo del arte, así que no hay razón para no adoptar la apariencia en tu pintura digital en Photoshop. Esta colección de más de 200 pinceles de textura recrean el estilo artístico en el mundo real de la moda.

5. 30 pinceles de textura Photoshop para pintura acrílica Vol.1 si quieres seguir un tutorial de dibujo digital (en formato ABR)

Acrylic Photoshop AssetsAcrylic Photoshop AssetsAcrylic Photoshop Assets

Rothko y Warhol fueron famosos para sus pinturas acrílicas. Puedes seguir el ejemplo con tus pinturas digitales en Photoshop usando estos pinceles. Son de alta resolución y vienen en 2500 pixeles. Puedes usar estos recursos para una variedad de proyectos.

Domina esta técnica en Photoshop con estos consejos, recursos y tutoriales de dibujo digital

Como nos dimos cuenta, la mayoría de los problemas de los principiantes resultan de la urgencia de lograr cosas magníficas sin esfuerzo, tan rápido como sea posible. Así que no se trata realmente de falta de habilidad, más bien es la arraigada creencia de que Photoshop es un programa para hacer arte. Eso lleva a una constante búsqueda de herramientas y trucos, en lugar de hacer el esfuerzo de comprender y resolver el problema.

No puedes convertirte en un artista digital en un día, solo por haber comprado un software avanzado de gráficos. Photoshop es solo una herramienta, más conveniente para usar que los pigmentos y los pinceles, pero no deja de ser una herramienta. ¡No puede hacer más de lo que quieres! Si deseas sacar el mayor provecho de él, trátalo como un lienzo digital con colores digitales. Olvídate de estas fenomenales herramientas, filtros, pinceles, o los modos de fusión. Solo pinta, como lo harías en un lienzo real.

Aprende sobre teoría del color, perspectiva, anatomía, todas estas cosas que los artistas "normales" deben aprender. Con el tiempo entenderás cómo usar las herramientas de Photoshop para hacer las mismas cosas más fácil y más rápido, pero no comas ansias tratando de obtener estupendos efectos sin entenderlos. ¡La paciencia es la clave! 

Y aunque este artículo se trató sobre desarrollar habilidades más bien que de confiar en soluciones técnicas, todavía puedes encontrar útiles recursos Photoshop en Envato Elements y Envato Market.

Si quieres aprender más sobre herramientas y recursos para Photoshop, checa estos artículos:

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