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10 Errores básicos en la pintura digital y cómo arreglarlos

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Spanish (Español) translation by Pat5 (you can also view the original English article)

La pintura digital es bastante engañosa. Consigues el software adecuado y eso es todo, ya puedes empezar a pintar. Cualquier herramienta, incluso la más potente, está a tu alcance. Todos los colores están preparados para usarse, sin necesidad de mezclarlos. Si acabas de pasarte a Photoshop desde la pintura tradicional, no es tan difícil; solo necesitas encontrar los equivalentes a tus herramientas favoritas. Pero si eres un principiante en ambos tipos de arte, el comienzo es una pesadilla—¡una en la que no eres consciente de que estás soñando!

El problema de Photoshop es su aparente simplicidad: aquí tienes el set de pinceles, aquí tienes todos los colores, aquí tienes la goma de borrar, y aquí tienes el comando Deshacer. Empiezas a pintar, se ve mal, así que buscas otras herramientas para que quede mejor. ¡Y mira cuántas herramientas hay! Las pruebas todas, una por una, y se hace la magia.

Sin embargo, esa "magia" significa que estás dejando que Photoshop pinte por ti. No tienes ningún control sobre lo que haces, pero aun así es mejor de lo que tú, un principiante, podría llegar a hacer (al menos, eso es lo que piensas). Asi que dejas que esto pase y produces un montón de dibujos con la esperanza de que algún día se conviertan en obras maestras.

Los artistas digitales profesionales que admiras utilizan Photoshop para dar vida a sus visiones, pero lo utilizan como una herramienta, no como una máquina que produce arte. ¿Cuál es la diferencia?

  • Los profesionales imaginan un efecto y hacen que el programa lo haga.
  • Los principiantes hacen que el programa haga algo y si les gusta, mantienen el efecto.

¿Te suena familiar la segunda opción? Si es así, sigue leyendo. Si es así, sigue leyendo. En este artículo te mostraré cómo mejorar diez aspectos diferentes de tu proceso de trabajo para que llegues a ser un artista de Photoshop enterado. Con estos diez sencillos consejos comprenderás los errores que puede que te hayan estado bloqueando durante un largo tiempo.

Nota: los problemas que describo se aplican a situaciones en las que el artista consigue el efecto de manera no intencionada, buscando un estilo realista. ¡No son errores si los has planificado!

1. Tamaño de Lienzo Inadecuado

Empezar un nuevo dibujo es un juego de niños. Vas a Archivo > Nuevo, o, si eres más avanzado, utilizas el atajo Control-N. Es tan simple que muchas veces se pasa por alto.

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Hay tres aspectos respecto a este asunto:

1. Lienzo Demasiado Pequeño

Al igual que todos los objetos se componen de átomos, todas las pinturas digitales se componen de píxeles. Probablemente ya lo sabías. Pero, ¿cuántos píxeles necesitas exactamente para crear una pintura en detalle? ¿200x200? ¿400x1000? ¿9999x9999?

Un error común de principiante es utilizar un tamaño de lienzo similar a la resolución de tu pantalla. ¡El problema es que nunca sabes qué resolución utilizarán tus espectadores!

Digamos que tu pintura se ve en tu pantalla como en el ejemplo 1. Es lo más grande posible sin necesidad de desplazarse, y eso funciona para ti. Esa es la resolución más grande que puedes conseguir, 1024x600. Los usuarios con una resolución 1280x720 (2) y 1366x768 (3) tampoco se pueden quejar. Pero fíjate en lo que ocurre a los usuarios con resoluciones más  grandes—1920x1080 (4) y 1920x1200 (5). Progresivamente, la imagen ocupa menos y menos espacio en la pantalla. Para estos usuarios, ¡no has utilizado toda la altura posible!

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Y no es solo cuestión de "espacio en blanco" alrededor de tu imagen. Una "resolución más grande" no siempre significa una "pantalla más grande". Puede que tu móvil tenga más píxeles en su pantalla compacta que los que tiene tu ordenador. Fíjate:

  1. Mismo tamaño, diferente resolución
  2. Diferente tamaño, misma resolución
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¿Qué significa esto? Para el resto de observadores, la imagen que tú habías planeado que ocupara toda la pantalla se ve...así:

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Pero el tamaño que escoges para tu pintura no consiste solo en eso. Cuanto mayor es la resolución, más píxeles tiene. En resoluciones más pequeñas, un ojo podría tener 20 píxeles, mientras que en una resolución más grande, ¡podría llegar a los 20,000 píxeles! ¡Imagina todos los detalles que podrías meter en un área tan grande!

Aquí tienes un buen truco: cuando pintas algo pequeño con una resolución grande, no importa lo desdibujado que sea, es muy probable que desde la distancia (p.e. con el zoom alejado) se vea interesante e intencionado. ¡Pruébalo!

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Una resolución grande te permite hacer zoom en los detalles más pequeños.

2. Lienzo Demasiado Grande

¿Significa esto que deberías usar siempre una resolución grande para tener más libertad? En teoría, sí. En la práctica, no siempre es necesario, y a veces es imposible.

Cuanto mayor es la resolución, más píxeles tiene tu pincelada básica. Cuantos más píxeles haya en el trazo, más difícil le resultará a la máquina procesarlo, especialmente en cuanto a los niveles de presión con Flujo variable. Así que eso sería un argumento práctico en su contra—necesitas un ordenador potente para utilizar resoluciones grandes con comodidad.

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El segundo punto es que las resoluciones grandes están pensadas para piezas muy detalladas. Al contrario de lo que creen los principiantes, no todas las pinturas deben estar detalladas. Incluso cuando quieres pintar de manera realista, puedes ignorar sin problemas gran parte de la información que obtendrías en una foto—¡lo que vemos en la realidad nunca se ve como en una fotografía!

Cuando utilizas una resolución más grande de lo necesario, puede que te resulte tentador añadir unos cuantos detalles por aquí y por allá, simplemente porque puedes. Y cuando lo haces, no hay vuelta atrás. Hay muchos niveles de detalle, pero una determinada pieza debe usar solo uno al mismo tiempo. Si quieres crear un pelaje rápido y artístico, no te pases horas con los ojos y la nariz—solo conseguirás que toda la pieza se vea inconsistente e incompleta.

3. Tamaño Final Demasiado Grande

Digamos que has encontrado la resolución perfecta para tu pintura. No es ni demasiado grande, ni demasiado pequeña—perfecta para el nivel de detalles que quieres conseguir. Aquí hay lugar para otro error. Esa resolución era el tamaño para trabajar. A lo mejor necesitabas muchos píxeles para ese detalle del ojo, pero ese detalle también será visible "desde la distancia".

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¿Para qué dejar que se vean estos detalles imperfectos...
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...si puedes hacer que se vean como se supone que deberían verse?

Antes de guardar el archivo para la vista final, cambia el tamaño. No te diré cuál es la resolución óptima, porque no hay ninguna. La regla es: cuanto más detallada sea la pieza, menos perderá cuando se presente en una resolución grande. Cuando más "esbozada" sea la pintura, mejor se verá presentada en una versión pequeña. Si quieres aprender más sobre esto, fíjate en qué resolución utilizan tus artistas favoritos para publicar sus obras online.

Una cosa más: cuando cambies el tamaño de tu pintura, prueba qué algoritmo de remuestreo funciona mejor para ti. Algunos de ellos agudizan la imagen, que puede ser deseable o no.

digital painting how to change sizedigital painting how to change sizedigital painting how to change size

2. Empezar Con un Fondo Blanco

Puede que parezca algo trivial—¿qué tiene de malo un fondo blanco? Es...neutral, ¿no? Es igual que una hoja de papel.

El problema es que el color "neutral" no existe. "Transparente" sería lo más parecido, pero es imposible pintarlo. El color es el color. Cuando dos de ellos se encuentran, aparece una relación determinada por sí sola. Para blanco + color A, esta relación es : "el color A es oscuro". No importa cuál fuera tu intención, ¡empiezas con un color oscuro solo porque has usado el fondo más claro posible! Todo es oscuro en comparación.

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Un mismo tono cambia su brillo relativo cuando se ve sobre diferentes fondos.

En el arte tradicional utilizamos un fondo blanco porque técnicamente es más fácil poner oscuro sobre claro que al revés. ¡Pero no hay ningún motivo para hacerlo en arte digital! De hecho, incluso podrías empezar con un fondo negro, pero es una idea tan mala como utilizar blanco puro. En la práctica, el color más "neutral" que podemos conseguir es un gris con brillo al 50% (#808080).

¿Por qué? El color del fondo cambia la manera en que percibes el resto de colores. Sobre un fondo blanco, los tonos oscuros parecen demasiado oscuros, así que los evitarás. Sobre un fondo negro, pasará lo mismo con los tonos claros. El resultado en ambos casos será un contraste débil que notarás una vez hayas intentado añadir otro fondo. Aquí está la prueba:

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He empezado este dibujo con un fondo demasiado oscuro, y cuando he querido añadir uno claro, ¡ha sido cegador!

Los artistas con experiencia son capaces de empezar su pintura con cualquier color y sacarle el máximo provecho, pero a no ser que te sientas seguro con la teoría del color, empieza siempre con algo neutral—ni muy oscuro, ni muy claro.

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3. Evitar Contrastes Fuertes

Está claro, a veces tu percepción del claro y del oscuro puede verse alterada por la baja calidad de tu pantalla. Si utilizas un ordenador portátil, probablemente hayas notado cómo cambia el contraste cuando mirar la imagen desde otro ángulo. ¿Cómo puedes conseguir un contraste adecuado que todos vean como adecuado, sin importar qué pantalla utilicen?

Incluso cuando tu pantalla es buena, después de centrarte en una pintura durante mucho tiempo, tu percepción deja de verse alterada. Si cambias los tonos ligeramente paso a paso, puede que el contraste te parezca bueno solo porque es mejor que cinco pasos atrás. El objeto de abajo puede parecer correcto...

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... hasta que lo comparas con un objeto con un constraste más fuerte. Y quien sabe, ¿a lo mejor es porque el contraste se reduce automáticamente cuando comparas el uno con el otro?

digital painting how to fix contrast photoshopdigital painting how to fix contrast photoshopdigital painting how to fix contrast photoshop

Photoshop tiene una herramienta que ayuda en esta situación. Se llama Niveles, y en realidad es un histograma—te muestra la cantidad que hay de cada color en la imagen. Puedes abrir esta ventana si vas a Imagen > Ajustes > Niveles o utilizando el atajo Control-L.

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¿Cómo funciona? Échale un vistazo a estos cuatro ejemplos:

  • Casi la misma cantidad de blanco, negro, y tonos medios
  • Solo negro y tonos medios oscuros
  • Solo blanco y tonos medios claros
  • Solo negro y blanco, casi sin tonos medios

¿Puedes leerlo en el histograma?

digital painting photoshop levels how it worksdigital painting photoshop levels how it worksdigital painting photoshop levels how it works

Puedes modificar los niveles arrastrando los deslizadores. Aunque reduce la cantidad general de tonos, te ayuda a colocarlos en el lugar correcto del histograma.

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El histograma nos muestra que hay muchos tonos medios en nuestro objeto, pero también que hay una falta visible de áreas oscuras y claras. No importa lo que veamos, ¡eso es lo que dice el ordenador! Aunque no existe una receta perfecta para los niveles (todo depende de la iluminación de tu escena), una falta total de áreas oscuras y claras es una mala señal.

¡Simplemente fíjate en lo que pasa cuando movemos los deslizadores hacia el centro!

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El contraste ha cambiado para bien, pero la fusión se ha visto perjudicada—eso se debe a que ahora hay menos tonos medios. ¡Pero no es difícil arreglarlo de manera manual!

¿Existe alguna manera de utilizar los tonos adecuados desde el principio, para que todo esto no sea necesario? Sí, y en realidad, ¡es lo que menos tiempo suele llevar! La solución es utilizar menos tonos—uno oscuro, uno claro, un tono intermedio, y un poco de negro y blanco.

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Para llevar esto a la práctica, antes de empezar una pintura, planifica tu iluminación sobre una esfera:

  • Dibuja un círculo y rellénalo con el tono más oscuro (el negro no es recomendable).
  • Añade un tono medio.
  • Añade el tono más claro (el blanco no es recomendable).
  • Añade uno o dos tonos intermedios.
  • Añade un poco de negro y blanco.
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¿Ves dónde están cada una de estas partes en el histograma? Cuando las fusionamos, esto es lo que aparece. Utiliza esta esfera como un set de muestra para tu objeto, sombreándolo de la misma manera—sombra más oscura, tono intermedio, luz más clara, más tonos medios, huecos más oscuros y reflejos más brillantes. ¡Después ya puedes fusionarlo todo!

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Si fusionas la esfera, ¡conseguirás un buen histograma con muchos tonos medios!

Una última cosa. Si comparas de nuevo las dos cabezas, una con un contraste adecuado desde el principio, y una corregida, notarás la diferencia. Es por eso que incrementar el contraste no puede arreglar del todo la escena si no has considerado los valores desde el principio—cada material tiene su propio rango de tonos. Por ejemplo, la parte más oscura de una superficie blanca será mucho más brillante que la parte más oscura de una superficie negra. Esto significa que deberías preparar tantas esferas como materiales diferentes haya en tu escena.

Recuerda: ¡un objeto claro sombreado con tonos oscuros es tan incorrecto como un objeto oscuro sombreado con tonos claros!

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4. Utilizar Pinceles Demasiado Complicados y Trazos Demasiado Grandes

Cuando comparas los pinceles tradicionales con los de Photoshop, la diferencia es tan sorprendente que puede que te preguntes por qué tienen el mismo nombre. Después de todo, los pinceles clásicos te permiten pintar solo con trazos más o menos caóticos, mientras que los digitales crean obras de arte por sí solos.

Y aquí está el truco. Si crean cualquier cosa por su cuenta, tú abandonas por completo el control. Los artistas profesionales utilizan trazos simples la mayor parte del tiempo, apoyándose con otros más complicados de vez en cuando. Utilizar pinceles complejos a diario no solo te hace vago—te impide aprender a conseguir un efecto por tu cuenta, ¡porque no tienes necesidad de hacerlo!

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Cuando empiezas tu aventura en la pintura digital, es natural que busques maneras de progresar lo más rápido posible. Tú quieres resultados, aquí y ahora. Los pinceles personalizados son la solución. Quieres pelaje—aquí tienes un pincel para pelaje; quieres escamas—aquí tienes un pincel para escamas. No sabes pintar una cosa—te descargas una herramienta que pueda hacerlo.

Los pinceles personalizados no son malos—en realidad, son muy útiles. El problema viene cuando los utilizas como base de tu "habilidad". Si de verdad dedicas tiempo a intentar comprender cómo pintar el pelaje de manera rápida, comprenderás que en realidad no se compone de pelos individuales que tengas que pintar uno por uno. Aprenderás que la visión de algo en tu mente suele ser inconsistente con la realidad. Aprenderás cómo ver y cómo crear lo que ves, no lo que crees que ves.

En vez de eso, te rindes después de pasarte hora y media pintando pelos individuales y buscas un pincel que lo haga por ti. Lo encuentras, eres feliz, ya estás preparado para seguir. Es tan fácil que se vuelve adictivo, y dejas de aprender por completo—preferirías descargarte todos los trucos, si fuera posible.

Pero, ¿cómo lo solucionan los artistas tradicionales? Ellos no tienen tanta variedad de pinceles. ¿Cómo pintan el pelaje? La respuesta es simple—de la misma manera que lo harías si los pinceles personalizados no existieran. Si quieres mejorar, si quieres vencer la maldición del principiante, olvídate de pinceles complicados por un tiempo. Quédate con un set sencillo, por ejemplo este, y aprende a sacarle el máximo provecho. No busques atajos cuando la cosa se pone difícil. Enfréntate a ello, y conseguirás una experiencia incalculable en vez de trucos baratos.

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Ningún "pincel para pelaje" ha sido utilizado aquí

Ir A Lo Grande

Otro error común relacionado con los pinceles es utilizar trazos demasiado grandes. Se basa, de nuevo, en la impaciencia. La regla es que el 80% del trabajo lleva un 20% del tiempo total dedicado, lo que significa que necesitas dedicar un 80% del tiempo de trabajo a terminar tu obra. Si has creado un boceto, la base, los colores locales, y un sombreado sencillo en dos horas, todavía te quedan otras ocho. Además, ¡durante estas ocho horas verás menos progreso que durante las dos primeras! ¿No es desalentador?

Puedes verlo claramente en las imágenes del proceso que los artistas muestran a veces al público, como esta. Los primeros pasos son enormes—se crea algo a partir de la nada. Y luego se ralentiza. Apenas puedes ver la diferencia entre los últimos pasos, y aun así, esa diferencia sutil probablemente haya llevado más tiempo que todas las anteriores.

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¿En qué punto pararías ?

Este es el problema. Cuando tu pintura está casi terminada, sientes la urgencia de terminarla y ver cómo queda. Pero en realidad, ¡este es el momento en el que deberías empezar! Recuerdo haber leído un comentario en uno estos de procesos de pintado: "Yo habría parado en el Paso 4" [de 10]. ¡Y esa es la diferencia entre el principiante y el profesional! Porque la otra parte de la regla es: ese último 20% del trabajo, lento y sutil, contribuye al 80% del efecto final.

La solución es simple. Nunca deberías terminar tu pintura con trazos grandes (a no ser que sea un speedpainting). Estos están reservados para el principio, para ese 20% del tiempo. Utilízalos para establecer las formas, definir la luz, o añadir grandes cantidades de color. Y luego ve gradualmente a lo más pequeño, haciendo zoom, limpiando, añadiendo detalles. Sabrás que estás terminado cuando estés trabajando con un pincel muy pequeño en un plano muy acercado. En general, cuantas más partes de la pintura toques con el pincel (y cuanto más lo cambies, p.e. añadiento una pequeña diferencia en el brillo o el tono con pinceladas muy pequeñas), más refinada se verá.

Esta regla tiene un lado bueno. Como el 80% de la pieza no contribuye tanto al efecto final, no hay necesidad de centrarse demasiado en ella. Empieza tus pinturas de manera rápida, vaga, y reserva todos tus esfuerzos para después. Recuerda: no tienes que terminar todas las pinturas solo porque las has empezado. Al descartar algo en lo que no crees, ¡te estás ahorrando cuatro veces el tiempo que ya has gastado!

5. Usar demasiados colores

Los artistas tradicionales no tienen demasiados colores preparados para usar. Deben aprender cómo crearlos, cómo mezclarlos para conseguir el efecto que quieren. Este inconveniente es, de hecho, una bendición. No tienen otra elección que aprender sobre la teoría del color. Tú, como principiante digital, tienes todos los colores posibles a tu alcance. ¡Y eso es una maldición!

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No entendemos los colores instintivamente. No hay necesidad de ello en nuestra vida diaria. Pero como artista, debes cambiar tu perspectiva por completo. Ya no puedes confiar en tu intuición, porque funciona pésimamente en este tema. Necesitas dejar de pensar en los colores como si los conocieras, y coger el concepto de Tonalidad, Saturación, Brillo y Valor.

Los colores no existen en sí mismos. Están basados en conexiones. Por ejemplo, si quieres hacer un color más brillante, puedes o aumentar su brillo, o disminuir el brillo del fondo. El rojo, llamado color cálido, se vuelve cálido o frío dependiendo de quien sea su vecino. ¡Incluso la saturación cambia debido a las conexiones!

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Incluso la tonalidad de un color puede cambiar dependiendo de su entorno. ¡Y este conocimiento es crucial para pintar, no sólo para diseñar, como puede que pienses!

Un principiante que ignora todo esto rellena su boceto con todo un juego de colores al azar. Cogen un azul, luego añaden un verde, sin ninguna pista de que los están cogiendo de entre miles de otros colores con tonalidad azulada y verdosa, ¡y que todos tienen algún tipo de poder!

Así es como un principiante ve los colores:

  1. Azules
  2. Azules turbios
  3. Grises
  4. Negros
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Pero...¿para qué tener tantos tonos, si son inútiles? La respuesta es que no lo son. Tan solo necesitas entender de dónde vienen y qué significan. Veamos el mismo seleccionador de color visto por un profesional:

  1. Azules desaturados
  2. Azules saturados
  3. Azules claros
  4. Azules oscuros
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¿Parece complicado? Probablemente, ¡pero esa no es razón para ignorarlo! Si es demasiado abrumador, quédate con la escala de grises por un tiempo. Estudia el tema de la iluminación, el sombreado, y la mezcla, y conseguirás una base sólida para el futuro. Es más, los colores (o más bien: los tonos) son la guinda de ese pastel conocido como tu obra. Pueden hacerlo más dulce, pero no pueden ser su base. ¡Ninguna cantidad de guindas hace que un mal pastel sea bueno!

Y si decides comenzar tu curso sobre el color, prueba estos artículos para empezar:

6. Escoger Colores Directamente de una Referencia

Es difícil vencer esta tentación, tan difícil que dan ganas de llorar. Lo sé muy bien. Aun así, si de verdad quieres aprender pintura digital, no debes usar la Herramienta Cuentagotas para coger un color de una referencia. ¿Por qué es tan importante?

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Los principiantes suelen utilizar un naranja/rosa poco saturado para la piel. Parece obvio, pero el efecto dista de ser natural. Pero si utilizas una referencia...¡eso es otra historia! Prácticamente cada pixel tiene un tono diferente, no solo rosa—te encuentras rojos, amarillos, naranjas, incluso violetas, verdes, y azules fríos. La saturación y el brillo cambian todo el tiempo, y aun así, el efecto final no parece caótico.

Cuando escoges colores de una referencia, tu propia pintura gana vivacidad. El problema es que eso no es muy diferente a calcar. Como resultado del calcado, consigues líneas que no sabrías repetir por ti mismo, y cuando coges colores obtienes unas tonalidades preciosas que tampoco sabrías repetir. El efecto es impresionante—pero no puedes acreditarte por ello.

Hay otra cosa. Escoger los colores detiene tu progreso. "Compras" el set de colores en vez de aprender a crearlos por ti mismo. Tienes tu rueda de colores con todos los deslizadores; puedes recrear cualquier color que cojas, por tu cuenta. Pero aun así decides utilizar los que ya han sido creados—es rápido y efectivo, pero, ¿sabes qué es aún más rápido y efectivo? Sacar una foto.

Para que algún día puedas ser independiente de las fotos, tienes que aprender a ver los colores. Mira cualquier objeto que esté cerca de ti—¿cuál es su tono, brillo, saturación? Es extremadamente difícil de saber, ¿verdad? Pero si sigues cogiendo colores utilizando la Herramienta Cuentagotas, nunca lo aprenderás. No puedes empezar una carrera con los ruedines puestos.

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Todos estos estudios los he pintado a partir de una referencia, pero sin utilizar la Herramienta Cuentagotas. Como principiante, empieza con cosas sencillas—cuantos menos colores, mejor

7. Añadir Colores a una Escala de Grises Sin los Valores Adecuados

Pinté esta imagen en 2011. Es una escena bonita y tierna, y todavía me sigue gustando. Recuerdo que la pinté en escala de grises y luego añadí los colores, probablemente utilizando unos cuantos Modos de Fusión (Color, Multiplicar, Superponer). Recuerdo que tuve un problema molesto: ¿cómo consigo el amarillo adecuado pintando sobre una escala de grises?

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Ya no tengo el archivo original, pero así es como se veía la versión en escala de grises, probablemente. Fíjate en que tanto las áreas verdes como las amarillas son igual de oscuras. ¡Esto no se cumple en la realidad!

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Cuando era un principiante como tú, pensaba que la luz clareaba todos los colores de igual manera, y que la sombra los oscurecía de igual manera. Por eso pintar en escala de grises parecía tan conveniente. Podía centrarme en el sombreado, y añadir los colores después. Por desgracia, este truco no funcionaba, y me llevó mucho tiempo (principalmente porque no lo intentaba) entender por qué.

La respuesta simple es que cada color tiene un brillo diferente independientemente de la iluminación. Cuando ignoras esto, obtienes colores turbios como resultado. Los colores que añades directamente a una pintura en escala de grises carecen de una parte importante de ellos. Si quieres aprender más sobre esto, he escrito un tutorial avanzado en torno al tema del valor.

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Ambas cabezas tienen los mismos colores aplicados con el modo Color. Fíjate en que no es la capa de color, sino lo que hay debajo, lo que importa.

8. Sombrear con las Herramientas Sobreexponer y Subexponer

Las Herramientas Sobreexponer y Subexponer son las favoritas del principiante. Se ajustan bien a la creencia de que Photoshop es un "programa que pinta". Solo tienes que escoger los colores base, y luego seleccionar las áreas que quieres sombrear. El resto está controlado por algoritmos avanzados, no por ti, y eso es genial, porque no sabrías cómo hacerlo de otro modo.

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Sin embargo, no es tan fácil. Estas herramientas no son del todo inútiles, pero cuando eres un principiante, es mejor mantenerse alejado de ellas. No son "herramientas de sombreado". La Herramienta Sobreexponer no equivale a "añadir luz", y la Herramienta Subexponer tampoco equivale a "añadir sombra". El problema es que se ajustan tan bien a la visión que el principiante tiene del sombreado que es muy difícil vencer la tentación.

El problema no está en las herramientas, sino en un concepto de sombreado erróneo. Los principiantes suelen pensar que los objetos tienen unos colores, y que estos colores se vuelven más oscuros en las sombras, y más claros en la luz. No es tan sencillo. Podría funcionar bien para el sombreado plano, o para caricaturas, pero incluso en esos casos se trata de un atajo.

Si "más o menos" funciona, ¿por qué no usarlo?

  • Es otra técnica que bloquea tu progreso. Cuando la usas, no te das cuenta de lo que estás pasando por alto. El sombreado es un tema complicado, y tú lo estás limitando a la regla "más oscuro-más claro", porque es fácil. Photoshop está aquí para trabajar para ti, no por ti. No dejes que esto te impida aprender.
  • Hace más plano el objeto sombreado. No importa cuántas texturas añadas después, funciona igual que un pincel grande—lo cual significa que puedes empezar una pintura así, pero nunca terminarla de este modo.
  • No representa adecuadamente los colores; deberían ser dependientes del entorno (luz directa, luz ambiental), pero ni la Herramienta Sobreexponer ni la Herramienta Subexponer sabe nada sobre el fondo que estás usando. ¡Sombrean todo de la misma forma!
digital painting how to shade dodge burn comparisondigital painting how to shade dodge burn comparisondigital painting how to shade dodge burn comparison
Hay un año de diferencia entre estas piezas. La primera fue sombreada con el dúo Sobrexponer y Subexponer, la otra con conocimiento sobre el color.

Sombrear Con Blanco y Negro

La extensión de esta técnica es sombrear utilizando el blanco para la luz y el negro para las sombras. Esto viene de la creencia de que cada color empieza como negro (en la sombra) y termina como blanco (en la luz). Aunque podría cumplirse para fotografías sobre- o subexpuestas, no debería usarse como regla en la pintura.

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Todos buscamos reglas simples, algo fácil de recordar y usar. Pero esto no significa que deberíamos inventar reglas simples que no tienen que ver nada con la realidad, como: "añadir blanco lo hace más claro, añadir negro lo hace más oscuro". ¡Esto solo se cumple en la escala de grises! Si quieres aprender qué reglas puedes utilizar para sombrear con colores, mira este artículo.

Sombreado Invariable

Una vez has superado el problema anterior, puede que caigas en otro más. Digamos que has escogido el naranja como el color base de tu personaje. Has decidido que la fuente de luz sea amarilla, y que la luz ambiental sea azul (el cielo). En base a esto, desvías el tono del color base al amarillo en la luz y al azul en la sombra, y eso es todo. Hace que el sombreado sea mucho más interesante que si hubieras usado blanco y negro, pero aun así es un atajo que no te lleva necesariamente a los resultados deseados.

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¿Por qué es un atajo? Al crear solo tres tonos básicos para tu objeto, lo estás colocando automáticamente en un entorno artificial, en el que todo refleja la luz de manera 100% predecible.

En la realidad, la luz se distribuye continuamente por todas partes, incluyendo las "colinas y valles" de tu objeto 3D. Por tanto, el sombreado rara vez estará limitado a dos o tres colores. El azul del cielo puede crear sombras sobre el azul del objeto pero en otros huecos puede que se vea verdoso por la luz que se refleja de la hierba. Además, algunas sombras podrían ser brillantes y saturadas debido a que la luz ha atravesado un obstáculo hasta la "sombra" (ver dispersión subsuperficial).

Si tienes esto en cuenta y decides usar fuentes de luz indirecta para que el sombreado sea más variado, te estarás forzando a pintar de manera más consciente—¡y eso es genial! Aquí no puedes utilizar un pincel grande, porque mezclarías los colores y los perderías como resultado. ¡Y un pincel pequeño querría decir que estás creando una textura sobre la marcha!

digital painting how to shade properly interesting shading color variousdigital painting how to shade properly interesting shading color variousdigital painting how to shade properly interesting shading color various
digital painting how to shade shading way comparisondigital painting how to shade shading way comparisondigital painting how to shade shading way comparison

9. Mezclar Con un Pincel Blando

Hay dos métodos principales que los principales utilizan para mezclar tonos, ambos diseñados para efectos rápidos:

  1. Mezclar con un pincel blando
  2. Mezclar con la Herramienta Mano/Desenfocar
digital painting how not to blend smudge blur softdigital painting how not to blend smudge blur softdigital painting how not to blend smudge blur soft

Como ya hemos aprendido, los efectos rápidos suelen significar que están fuera de nuestro control. En este caso, mezclar con trazos grandes aplana el objeto y le da una suavidad artificial. Incluso si después le añades una foto de textura, no le quitará el efecto "plástico". De nuevo, este método podría ser bueno solo para la fase inicial.

digital painting bad blending softdigital painting bad blending softdigital painting bad blending soft

Si quieres conseguir una textura suave adecuada (que es buena para la mayoría de los materiales naturales), utiliza un pincel más duro con Flujo controlado con la presión del lápiz (cuanto más fuerte presionas, más sólido es el trazo).

digital painting how to variable flow pressure opacitydigital painting how to variable flow pressure opacitydigital painting how to variable flow pressure opacity

Este tipo de pincel te permite controlar la cantidad de color que quieres usar.

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Gracias a este atributo, no necesitas mezclar el límite entre dos colores. Simplemente empieza con el color base y cúbrelo ligeramente con el otro. Luego puedes añadir otra capa del mismo color, para hacerlo más sólido.

digital painting how to blend with thexture flowdigital painting how to blend with thexture flowdigital painting how to blend with thexture flow

Si quieres hacerlo más suave, coge cualquier color entremedio y pinta ligeramente sobre el límite.

digital painting how to blend smooth texturedigital painting how to blend smooth texturedigital painting how to blend smooth texture

Para una textura más fuerte, utiliza un pincel texturizado (con bordes irregulares).

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Siguiendo la regla del 80-20, no tienes que preocuparte de mezclar en la primera fase. Utiliza un pincel grande, y haz los bordes aparentes, creando un sombreado exagerado.

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Más tarde puedes utilizar un pincel texturizado más pequeño para mezclar los bordes. Nada de Herramienta Mano, ni pincel blando, tan solo la Herramienta Cuentagotas y un pincel duro con Flujo variable. Recuerda: la mezcla depende de la textura de la superficie, ¡así que no puedes mezclar de la misma manera con todos los materiales!

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10. Utilizar Texturas 2D con Formas 3D

Las fotos de texturas son el último recurso del principiante, cuando el objeto está teóricamente terminado, coloreado y sombreado, pero aun así sigue pareciendo un juguete de plástico. Sin embargo, la misma textura puede que lo deje todavía peor.

Digamos que queremos añadir una textura a este felino.

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El objeto tiene que estar sombreado antes de añadir las texturas. La parte problemática es que no tiene por qué ser un sombreado completo. El método de mezclaje depende de la textura—si mezclas sin tener ninguna textura en mente, conseguirás una mezcla sin textura (una superficie suave).

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Puedes descargar una textura de Internet, o utilizar uno de los patrones de Photoshop—hay muchísimos en los sets que vienen por defecto. Este es mi patrón favorito para escamas, el Screen Door invertido.

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Si cambias el Modo Fusión de la textura a Superponer, lo verás aplicado al sombreado. Sin embargo, fíjate en que algunas partes están más brillantes. Puede que te guste si no has hecho el sombreado adecuadamente, pero es otro caso de abandonar el control. En muchos casos, no queremos que la textura cree su propia versión del sombreado. Aunque el modo Superponer no es la mejor solución, te permite ver cómo queda la textura sobre el objeto.

Ahora, la parte más importante y subestimada. Si el objeto está pensado para ser 3D, no puede quedar bien cubierto con una textura 2D. Tenemos que ajustar su forma al objeto que cubre. Hay tres principales maneras de hacer esto; experimenta y encuentra tu favorita:

  • La Herramienta Transformación Libre (Control-T) en modo Distorsión.
  • Filtro > Licuar
  • Editar > Puppet Warp
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Para las esferas es mejor usar Filtro > Distorsión > Esferizar
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Antes de utilizar el Puppet Warp
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Después de utilizar el Puppet Warp

El modo Superponer hace más brillantes las partes de la capa cubiertas con las áreas blancas de la textura. En su lugar podríamos utilizar Multiplicar (hace que las áreas blancas sean transparentes), pero haría que los tonos graduales (los grises) fueran más oscuros de lo necesario. Hay otra herramienta perfecta para ajustar la transparencia de la textura.

Haz doble click en la capa y juega con los deslizadores de Fusionar Si. En resumen, con ellos puedes ajustar la transparencia del blanco y del negro.

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Mantén pulsado Alt para "romper" un deslizador y conseguir un efecto más gradual.
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Tenemos que entender qué es realmente una textura. No es un "patrón irregular" colocado justo sobre el objeto. Se trata, en realidad, de la rugosidad de una superficie. Cuando la luz golpea una superficie suave, se refleja de manera uniforme. Si la superficie es rugosa, p.e. compuesta de pequeños bultos y hoyos, la luz que la golpea creará todo un conjunto de pequeñas sombras. Y esa es la textura que vemos.

Otro hecho que podemos derivar de esto. Si es la luz la que crea la textura que vemos, no puede haber textura sin luz. ¿Y qué es la sombra, si no la ausencia de luz? Por tanto, tenemos que reducir la textura en las áreas oscuras (si hay luz ambiental), o quitarla por completo (no hay luz, no hay textura). Puedes usar la Máscara de Capa para esto, o jugar con los deslizadores de Fusionar Si (la segunda fila). Ten en cuenta que los hoyos de la textura son sombras, por lo que no deberían ser más oscuras que el área de sombra "normal".

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Aplicar una textura es rápido y sencillo una vez sabes qué acciones tienes que hacer después de haber elegido una. Sin embargo, esto no termina aquí. Cada textura es diferente, y mientras que unas quedan muy bien cuando se aplican directamente, la mayoría de ellas necesitan un poco más de trabajo.

De nuevo, aquí se aplica la regla del 80-20. Añadir una textura es fácil, pero para hacer que funcione se necesita mucho tiempo. En mi ejemplo he mezclado los bordes del sombreado con escamas individuales. Cosas como esta llevan mucho tiempo, ¡pero cambian todo!

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La primera esfera tiene una textura plana en modo Superponer con Opacidad baja, para hacerla menos aparente; la segunda es igual, pero aplicando distorsión. Compáralas con la última, con valores personalizados de Fusionar Si y mezclaje ajustado manualmente.

Conclusión

Como hemos visto, muchos de los problemas del principiante derivan de la urgencia por conseguir grandes cosas sin esfuerzo, lo más rápido posible. Así que realmente no se trata de falta de habilidad—más bien se trata de una creencia profunda de que Photoshop es un programa que hace arte. Eso nos lleva a una búsqueda constante de herramientas y trucos, en vez de hacer el esfuerzo por entender y resolver el problema.

No puedes convertirte en artista digital en un solo día, sólo porque hayas comprado un software gráfico avanzado. Photoshop tan solo es una herramienta—más conveniente que usar pigmentos y pinceles, pero una herramienta al fin y al cabo. ¡No puede hacer más de lo que tú pretendas que haga! Si quieres sacarle el máximo provecho, trátalo como un lienzo digital con colores digitales. Olvídate de todas esas herramientas novedosas, filtros, pinceles, o Modos de Fusión. Solo pinta, como harías sobre un lienzo real.

Aprende sobre la teoría del color, perspectiva, anatomía—todas esas cosas que los artistas "normales" tienen que aprender. Con el tiempo entenderás cómo utilizar las herramientas de Photoshop para hacer las mismas cosas de manera más rápida y fácil—pero no empieces la casa por el tejado intentando conseguir efectos impresionantes sin haberlos entendido. ¡La paciencia es la clave!

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