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Digitale Malerei ist ziemlich schwierig. Sie erhalten die richtige Software und das ist es, Sie können mit dem Malen beginnen. Jedes Werkzeug, auch das mächtigste, ist in Ihrer Reichweite. Alle Farben sind gebrauchsfertig, kein Mischen erforderlich. Wenn Sie gerade von traditioneller Malerei zu Photoshop konvertiert haben, ist es nicht so schwer; Sie müssen nur die Gegenstücke Ihrer Lieblingswerkzeuge finden. Aber wenn Sie ein Anfänger in beiden Arten von Kunst sind, ist der Anfang ein Albtraum - der, in dem Sie nicht bewusst sind, dass Sie träumen!
Die Kniffligkeit von Photoshop basiert auf seiner scheinbaren Einfachheit: hier ist der Pinselsatz, hier sind alle Farben, hier ist der Radiergummi, und das ist der Rückgängig-Befehl. Sie fangen an zu malen, es sieht schlecht aus, also suchen Sie nach anderen Werkzeugen, um es besser zu machen. Und sehen Sie nur, wie viele Werkzeuge es gibt! Sie versuchen sie alle nacheinander, und Magie passiert.
"Magie" bedeutet jedoch, dass Sie Photoshop für Sie malen lassen. Sie haben keine Kontrolle darüber, aber es sieht immer noch besser aus als Sie, ein Anfänger, würde jemals tun (zumindest, das ist, was Sie glauben). Also lassen Sie das geschehen und produzieren Sie viele Bilder in der Hoffnung, dass sie eines Tages zu Meisterwerken werden.
Professionelle digitale Künstler, die Sie bewundern, verwenden Photoshop, um ihre Visionen zum Leben zu erwecken, aber sie benutzen es als Werkzeug, nicht als Kunst produzierende Maschine. Was ist der Unterschied?
- Profis stellen sich einen Effekt vor und machen das Programm dazu.
- Anfänger machen das Programm etwas und wenn sie zufrieden sind, behalten sie den Effekt.
Ist die zweite Option bekannt? Wenn ja, lesen Sie weiter. In diesem Artikel zeige ich Ihnen, wie Sie zehn verschiedene Aspekte Ihres Workflows verbessern können, so dass Sie ein bewusster Photoshop-Künstler werden. Mit diesen zehn einfachen Tipps werden Sie die Fehler verstehen, die Sie möglicherweise für eine lange Zeit blockiert haben!
Hinweis: Die Probleme, die ich beschreibe, beziehen sich auf Situationen, in denen der Künstler den Effekt unbeabsichtigt erzielt und dabei einen realistischen Stil wählt. Das sind keine Fehler, wenn Sie sie planen!
1. Falsche Leinwandgröße
Ein neues Bild zu erstellen ist ein Kinderspiel. Sie gehen zu Datei > Neu (File > New), oder, wenn Sie fortgeschrittener sind, verwenden Sie die Verknüpfung Control-N. Es sieht so einfach aus, dass es oft übersehen wird.
Dieses Problem hat drei Aspekte.
1. Zu kleine Leinwand
So wie alle Objekte aus Atomen bestehen, besteht jedes digitale Bild aus Pixeln. Das wissen Sie wahrscheinlich. Aber wie viele Pixel benötigen Sie, um ein detailliertes Bild zu erstellen? 200x200? 400x1000? 9999x9999?
Ein häufiger Anfängerfehler ist die Verwendung einer Leinwandgröße, die der Auflösung Ihres Bildschirms entspricht. Das Problem ist, Sie wissen nie, welche Auflösung Ihre Zuschauer verwenden!
Nehmen wir an, Ihr Bild sieht auf Ihrem Bildschirm wie in Beispiel 1 aus. Es ist so hoch, wie es sein könnte, ohne dass Sie darüber blättern müssen, und das ist für Sie in Ordnung. Das ist das Größte, was Sie mit Ihrer Auflösung von 1024x600 erreichen können. Benutzer mit der Auflösung 1280x720 (2) und 1366x768 (3) konnten sich ebenfalls nicht beschweren. Beachten Sie jedoch, was bei Nutzern mit größeren Auflösungen passiert - 1920x1080 (4) und 1920x1200 (5). Progressiv nimmt das Bild immer weniger Platz auf dem Bildschirm ein. Für diese Benutzer haben Sie nicht wirklich die Höhe genutzt, die Sie haben könnten!
Und es ist nicht nur die Frage von "White Space" um Ihr Bild. "Größere Auflösung" bedeutet nicht immer "größerer Bildschirm". Ihr Smartphone verfügt möglicherweise über mehr Pixel auf dem kompakten Bildschirm als auf Ihrem PC! Schauen Sie einfach:
- Gleiche Größe, andere Auflösung
- Unterschiedliche Größe, gleiche Auflösung
Was bedeutet das? Für andere Zuschauer könnte das Bild, das Sie den ganzen Bildschirm ausfüllen wollten, wie folgt aussehen:
Aber die Größe, die Sie für Ihr Bild wählen, ist nicht nur darüber. Je größer die Auflösung, desto mehr Pixel hat es. In einer kleineren Auflösung kann ein Auge 20 Pixel nehmen, während es in einer größeren Auflösung 20.000 Pixel für sich allein haben kann! Stellen Sie sich all die netten Details vor, die Sie in so eine große Fläche stecken können!
Hier ist ein cooler Trick: Wenn Sie etwas Kleines in einer großen Auflösung machen, egal wie schlampig es ist, besteht eine gute Chance, dass es aus der Entfernung (d. h. herausgezoomt) interessant und beabsichtigt aussieht. Versuchen Sie es!
2. Zu große Leinwand
Bedeutet das, Sie sollen immer eine große Auflösung verwenden, um Ihr mehr Freiheit zu geben? Theoretisch, ja. In der Praxis ist es nicht immer notwendig und manchmal unmöglich.
Je größer die Auflösung, desto mehr Pixel hat Ihr Grundstrich. Je mehr Pixel im Strich, desto schwieriger wird es für Ihre Maschine, es zu verarbeiten, insbesondere wenn es sich um Druckstufen mit variablem Flow handelt. Also, das ist ein praktisches Argument dagegen - Sie brauchen einen leistungsfähigen Computer, um große Auflösungen bequem zu nutzen.
Der zweite Punkt ist, dass große Auflösungen für sehr detaillierte Stücke gedacht sind. Entgegen der gängigen Auffassung der Anfänger sollte jedes Bild nicht detailliert sein. Selbst wenn Sie realistisch malen möchten, können Sie sicher viele Informationen ignorieren, die Sie von einem Foto erhalten - was wir in Wirklichkeit sehen, sieht nie wie ein Foto aus!
Wenn Sie eine größere Auflösung als nötig verwenden, kann es verlockend sein, hier und da einige Details hinzuzufügen, nur weil Sie es können. Und wenn Sie es tun, gibt es keinen Weg zurück. Es gibt viele Ebenen von Details, aber ein bestimmtes Stück muss immer nur eines verwenden. Wenn Sie schnelles, malerisches Fell schaffen wiollen, verbringen Sie nicht Stunden mit Augen und Nase - es macht nur das ganze Stück uneinheitlich und unfertig.
3. Zu große endgültige Größe
Nehmen wir an, Sie haben die perfekte Auflösung für Ihr Bild gefunden. Es ist weder zu groß noch zu klein - perfekt für das Detail, das Sie erreichen möchten. Hier ist Platz für einen weiteren Fehler. Diese Auflösung war deine Arbeitsgröße. Vielleicht brauchen Sie viele Pixel, um zu diesem Augenausschnitt zu gelangen, aber dieses Detail wird auch "aus der Entfernung" sichtbar sein.
Bevor Sie die Datei für die endgültige Ansicht speichern, ändern Sie die Größe. Ich werde Ihnen nicht die optimale Auflösung sagen, weil es keine gibt. Die Regel ist: Je detaillierter das Stück, desto weniger wird es verlieren, wenn es in großer Auflösung präsentiert wird. Je "skizzenhafter" das Bild, desto besser wird es aussehen, wenn es in einer kleinen Version präsentiert wird. Wenn Sie mehr darüber erfahren möchten, sehen Sie, welche Lösung Ihre Lieblingskünstler verwenden, wenn Sie ihre Werke online veröffentlichen.
Eine weitere Sache: Überprüfen Sie bei der Größenanpassung des Bildes, welcher Resample-Algorithmus am besten für Sie funktioniert. Einige von ihnen schärfen das Bild, das möglicherweise gewünscht wird oder nicht.
2. Starten mit einem weißen Hintergrund
Es mag trivial erscheinen - was ist mit einem weißen Hintergrund falsch? Es ist ... neutral, oder? Es sieht aus wie ein Blatt Papier.
Das Problem ist, dass es keine "neutrale" Farbe gibt. "Transparent" ist am nächsten, aber es ist unmöglich, es zu malen. Farbe ist Farbe. Wenn zwei von ihnen auftreten, erscheint eine bestimmte Beziehung für sich. Für Weiß + Farbe A ist diese Beziehung: "Farbe A ist dunkel". Egal, was Sie vorhatten, Sie beginnen mit einer dunklen Farbe, nur weil Sie den hellsten Hintergrund verwendet haben! Alles ist dunkel im Vergleich dazu.
In der traditionellen Kunst verwenden wir einen weißen Hintergrund, weil es technisch einfacher ist, hell zu leuchten als umgekehrt. Aber es gibt keinen Grund dafür in der digitalen Kunst! Eigentlich könnte man sogar mit einem schwarzen Hintergrund anfangen, aber es ist genauso schlecht wie reines Weiß. In der Praxis ist die "neutralste" Farbe, die wir bekommen können, 50% hellgrau (#808080).
Warum? Die Farbe des Hintergrunds verändert die Wahrnehmung anderer Farben. Auf einem weißen Hintergrund erscheinen dunkle Schatten zu dunkel, so dass Sie sie meiden. Auf einem schwarzen Hintergrund wird es mit hellen Farben genauso funktionieren. Das Ergebnis in beiden Fällen ist ein schwacher Kontrast, den Sie bemerken, wenn Sie versuchen, einen anderen Hintergrund hinzuzufügen. Hier ist der Beweis:
Erfahrene Künstler können ihr Bild mit jeder Farbe beginnen und das Beste daraus machen, aber wenn Sie sich mit der Farbtheorie nicht sicher sind, fangen Sie immer mit etwas Neutralem an - weder zu dunkel noch zu hell.
3. Vermeiden eines starken Kontrastes
Natürlich kann Ihre Wahrnehmung von hell und dunkel manchmal durch die schlechte Qualität Ihres Bildschirms gestört werden. Wenn Sie einen Laptop benutzen, haben Sie wahrscheinlich bemerkt, wie sich der Kontrast ändert, wenn Sie Ihr Bild aus einem Winkel betrachten. Wie können Sie einen richtigen Kontrast erzielen, den jeder als richtig sieht, egal welche Bildschirme sie verwenden?
Selbst wenn Ihr Bildschirm gut ist, nachdem Sie sich lange Zeit auf ein Bild konzentriert haben, ist auch Ihre Wahrnehmung nicht ungestört. Wenn Sie die Schattierungen Schritt für Schritt ändern, scheint dieser Kontrast nur deshalb gut zu sein, weil er besser ist als fünf Schritte zuvor. Das Objekt unten sieht vielleicht gut aus ...
.... bis Sie es mit einem Objekt mit einem stärkeren Kontrast vergleichen. Und wer weiß, vielleicht, wenn Sie das andere mit dem anderen vergleichen würden, würde der wahrgenommene Kontrast automatisch fallen?
Photoshop hat ein Werkzeug, das in dieser Situation hilft. Es heißt Ebene, und es ist eigentlich ein Histogramm - es zeigt Ihnen, wie viel von jedem Farbton auf dem Bild ist. Sie können dieses Fenster öffnen, indem Sie zu Bild > Anpassungen > Ebenen (Image > Adjustments > Levels) gehen oder den Shortcut Control-L verwenden.
Wie funktioniert es? Sehen Sie sich diese vier Beispiele an:
- Fast die gleiche Anzahl an Weiß-, Schwarz- und Mitteltönen
- Nur schwarze und dunkle Mitteltöne
- Nur weiße und helle Mitteltöne
- Nur schwarz und weiß, fast keine Mitteltöne
Können Sie es aus dem Histogramm lesen?
Sie können die Ebenen ändern, indem Sie die Schieberegler ziehen. Während es die allgemeine Menge der Schattierungen reduziert, hilft es, sie an der richtigen Stelle im Histogramm anzuordnen.
Das Histogramm zeigt uns, dass es in unserem Objekt viele Mitteltöne gibt, aber es gibt auch einen sichtbaren Mangel an dunklen und hellen Bereichen. Egal, was wir sehen, das sagt der Computer! Obwohl es kein perfektes Rezept für Level gibt (alles hängt von der Beleuchtung Ihrer Szene ab), ist ein völliger Mangel an dunklen und hellen Bereichen ein schlechtes Zeichen.
Sehen Sie, was passiert, wenn wir die Schieberegler in die Mitte bewegen!
Gibt es eine Möglichkeit, von Anfang an richtige Schattierungen zu verwenden, so dass das alles nicht nötig ist? Ja, und es wird tatsächlich weniger Zeit als gewöhnlich brauchen! Die Lösung besteht darin, weniger Schattierungen zu verwenden - einen dunklen, einen hellen, einen Mittelton und ein bisschen Schwarz und Weiß.
Um das in der Praxis zu tun, planen Sie Ihre Beleuchtung auf einer Kugel, bevor Sie ein Bild beginnen:
- Zeichnen Sie einen Kreis und fülle ihn mit der dunkelsten Farbe (schwarz nicht empfohlen).
- Fügen Sie einen Mittelton hinzu.
- Fügen Sie die hellste Farbe hinzu (weiß nicht empfohlen).
- Fügen Sie ein oder zwei Mitteltöne dazwischen hinzu.
- Fügen Sie eine Prise schwarz und weiß hinzu.
Sehen Sie, wo all diese Teile auf dem Histogramm liegen? Wenn wir sie zusammenführen, erscheint das so. Verwenden Sie diese Kugel als eine Reihe von Farbfeldern für Ihr Objekt und schattieren Sie sie auf die gleiche Weise - dunkelsten Schatten, Mittelton, hellstes Licht, mehr Mitteltöne, dunkelste Spalten und hellste Lichtflecke. Dann können Sie alles vermischen!
Eine letzte Sache. Wenn Sie diese beiden Köpfe noch einmal vergleichen, einen mit dem richtigen Kontrast von Anfang an und einen korrigierten, bemerken Sie den Unterschied. Deshalb kann der zunehmende Kontrast Ihre Szene nicht wirklich korrigieren, wenn Sie die Werte nicht von Anfang an berücksichtigt haben - jedes Material hat seine eigene Farbpalette. Zum Beispiel ist der dunkelste Teil einer weißen Oberfläche viel heller als der dunkelste Teil einer schwarzen Oberfläche. Es bedeutet, dass Sie so viele Kugeln vorbereiten sollten, wie es verschiedene Materialien in Ihrer Szene gibt.
Denken Sie daran: Ein helles Objekt, das mit dunklen Schattierungen schattiert ist, ist so falsch wie ein dunkles Objekt, das mit hellen Schattierungen schattiert ist!
4. Verwenden von zu komplizierten Pinseln und zu großen Strichen
Wenn Sie traditionelle Pinsel mit denen von Photoshop vergleichen, fällt der Unterschied so auf, dass Sie sich vielleicht fragen, warum sie denselben Namen haben. Schließlich lassen sich mit klassischen Pinseln nur mehr oder weniger chaotische Striche malen, während mit digitalen Malwerkzeugen selbst Kunstwerke entstehen.
Und hier ist der Haken. Wenn sie alleine etwas erschaffen, geben Sie Ihre Kontrolle auf. Professionelle Künstler verwenden die meiste Zeit einfache Striche und unterstützen sich von Zeit zu Zeit mit komplizierteren. Die tägliche Verwendung komplexer Pinsel macht nicht nur faul - es hält Sie auch davon ab zu lernen, wie Sie selbst einen Effekt erzielen können, denn das ist nicht nötig!
Wenn Sie Ihr Abenteuer mit digitaler Malerei beginnen, ist es natürlich, nach Wegen zu suchen, wie Sie so schnell wie möglich Fortschritte erzielen können. Sie wollen Ergebnisse, hier und jetzt. Benutzerdefinierte Pinsel sind die Antwort dafür. Sie wollen Pelz - hier ist der Pelzpinsel; Sie wollen Skalen - hier ist der Skalpinsel. Sie können nichts malen - laden Sie ein Werkzeug herunter, das kann.
Benutzerdefinierte Pinsel sind nicht schlecht - sie sind tatsächlich sehr nützlich. Das Problem tritt auf, wenn Sie sie als Grundlage für Ihre "Fähigkeit" verwenden. Wenn Sie tatsächlich Zeit damit verbringen zu verstehen, wie man Fell schnell malt, werden Sie verstehen, dass es nicht wirklich aus einzelnen Haaren besteht, die Sie nacheinander malen müssen. Sie würden lernen, dass die Vision von etwas in unseren Köpfen oft nicht mit der Realität übereinstimmt. Sie würden lernen, wie man aussieht und wie man das erstellt, was man sieht, nicht das, was man zu sehen glaubt.
Stattdessen geben Sie auf, nachdem Sie eine halbe Stunde damit verbracht haben, einzelne Haare zu malen und nach einem Pinsel zu suchen, der das für Sie tut. Sie finden es, Sie sind glücklich, Sie sind bereit weiterzugehen. Es ist so einfach, dass es süchtig macht, und Sie hören überhaupt auf zu lernen - Sie würden lieber alle Tricks herunterladen, wenn es möglich wäre.
Aber wie überwinden traditionelle Künstler das? Sie haben nicht wirklich so viele Pinsel. Wie malen sie Fell? Die Antwort ist einfach - genauso wie Sie es auch tun würden, wenn keine benutzerdefinierten Pinsel vorhanden wären. Wenn Sie sich verbessern wollen, wenn Sie diesen Anfängerfluch schlagen wollen, werfen Sie eine Weile komplizierte Büsche ab. Halten Sie sich an ein einfaches Set, zum Beispiel dieses, und lernen Sie, wie Sie das Beste daraus machen können. Suchen Sie nicht nach Abkürzungen, wenn es schwierig wird. Kämpfen Sie sich durch, und Sie bekommen unbezahlbare Erfahrung statt billiger Tricks.
Zu groß werden
Ein weiterer häufiger Fehler in Zusammenhang mit Pinseln ist die Verwendung zu großer Striche. Es basiert wiederum auf Ungeduld. Die Regel besagt, dass 80% der Arbeit 20% der dafür aufgewendeten Zeit beanspruchen, was bedeutet, dass Sie 80% der Arbeitszeit für die Fertigstellung Ihrer Kunstwerke aufwenden müssen. Wenn Sie die Skizze, die Grundfarbe, die Grundfarben und die einfache Schattierung in zwei Stunden erstellt haben, sind noch acht Stunden übrig. Außerdem werden Sie in diesen acht Stunden weniger Fortschritte sehen als während der ersten beiden! Wie entmutigend ist das?
Man kann es deutlich in den Prozessstücken sehen, die Künstler manchmal ihrer Öffentlichkeit zeigen, wie hier. Die ersten Schritte sind riesig - etwas aus dem Nichts entsteht. Und dann wird es langsamer. Sie können kaum einen Unterschied zwischen den letzten paar Schritten sehen, und doch nahm dieser feine Unterschied wahrscheinlich mehr Zeit in Anspruch als alle vorherigen!
Das ist das Problem. Wenn Ihr Bild fast fertig ist, spüren Sie den Drang, es zu beenden und es bereits fertig zu machen. Aber das ist der Moment, an dem Sie eigentlich anfangen sollten! Ich erinnere mich, einen Kommentar unter einem dieser Malprozesse gelesen zu haben: "Ich würde bei Schritt 4 anhalten" [von 10]. Und das ist der Unterschied zwischen dem Anfänger und dem Profi! Denn der andere Teil dieser Regel ist: das letzte, langsame und subtile 20% der Arbeit trägt zu 80% zum endgültigen Effekt bei.
Die Lösung ist einfach. Sie sollten Ihr Bild niemals mit großen Strichen beenden (es sei denn, es handelt sich um ein Speedpainting). Sie sind für den Anfang reserviert, für diese 20% der Zeit. Verwenden Sie sie, um die Formen zu blockieren, um Beleuchtung zu definieren, um große Farbbrocken hinzuzufügen. Und dann nach und nach kleiner werden, heranzoomen, aufräumen, Details hinzufügen. Sie werden sehen, dass Sie fertig sind, wenn Sie mit einem sehr kleinen Pinsel in einer sehr großen Nahaufnahme arbeiten. Im Allgemeinen, je mehr Stellen in Ihrem Bild Sie mit Ihrem Pinsel berühren (und je mehr Sie es ändern, z. B. einen kleinen Unterschied in Helligkeit oder Farbton mit jedem kleinen Strich hinzufügen), desto raffinierter wird es aussehen.
Diese Regel hat eine helle Seite. Da 80% des Stückes nicht so viel zum Endergebnis beitragen, müssen Sie sich nicht zu sehr darauf konzentrieren. Beginnen Sie Ihre Bilder schnell und locker und sparen Sie all Ihre Bemühungen für später. Denken Sie daran: Nicht jedes Bild muss fertig sein, nur weil Sie es begonnen haben. Indem Sie etwas verwerfen, an das Sie nicht glauben, sparen Sie sich vier Mal so viel Zeit, wie Sie bereits verschwendet haben!
5. Zu viele Farben verwenden
Traditionelle Künstler haben nicht zu viele Farben bereit zu verwenden. Sie müssen lernen, wie man sie erstellt, wie man sie mischt, um den gewünschten Effekt zu erzielen. Diese Unannehmlichkeit ist in der Tat ein Segen. Sie haben keine andere Wahl, als etwas über die Farbenlehre zu lernen. Sie, als digitaler Anfänger, haben alle Farben in Ihrer Reichweite. Und das ist ein Fluch!
Wir verstehen Farben nicht intuitiv. Das ist in unserem täglichen Leben nicht nötig. Aber als Künstler müssen Sie Ihre Perspektive komplett ändern. Sie können sich nicht mehr auf Intuition verlassen, weil es in diesem Thema schlecht funktioniert. Sie müssen aufhören, über Farben nachzudenken, wie Sie sie kennen, und das Konzept von Farbton, Sättigung, Helligkeit und Wert erfassen.
Farben existieren nicht alleine. Sie basieren auf Beziehungen. Wenn Sie beispielsweise eine Farbe heller machen möchten, können Sie entweder die Helligkeit erhöhen oder die Helligkeit des Hintergrunds verringern. Rot, genannt eine warme Farbe, wird warm oder kühl je nachdem, was sein Nachbar ist. Sogar Sättigung ändert sich wegen der Beziehungen!
Ein Anfänger, der all dies nicht weiß, füllt seine Skizze mit einer ganzen Reihe zufälliger Farben. Sie wählen ein Blau und fügen dann ein Grün hinzu, ohne irgendeine Ahnung, dass sie sie aus Tausenden von anderen Farben mit bläulichen und grünlichen Tönen auswählen, und dass sie alle eine Art von Kraft haben!
So sieht ein Anfänger die Farben:
- Blau
- Schlammiges Blau
- Grau
- Schwarz
Aber ... warum haben wir sogar so viele Schattierungen, wenn sie nutzlos sind? Die Antwort ist, sie sind nicht. Sie müssen nur verstehen, woher sie kommen und was sie bedeuten. Lassen Sie uns den gleichen Farbwähler sehen, wie er von einem Profi gesehen wird:
- Entsättigtes Blau
- Gesättigtes Blau
- Helles Blau
- Dunkles Blau
Sieht kompliziert aus? Wahrscheinlich, aber es ist kein Grund, es zu ignorieren! Wenn es zu überwältigend ist, bleiben Sie eine Weile bei Graustufen. Verstehen Sie das Problem von Beleuchtung, Schattierung und Mischung, und Sie erhalten eine solide Basis für die Zukunft. Mehr, Farben (oder eher: Farbtöne) sind ein Sahnehäubchen auf diesem Kuchen, der dein Kunstwerk genannt wird. Sie können es süßer machen, aber sie können nicht die Basis dafür sein. Keine Menge an Zuckerguss macht einen schlechten Kuchen gut!
Und wenn Sie sich entscheiden, Ihren Farbkurs zu beginnen, versuchen Sie diese Artikel für einen Anfang:
- Verbessern Sie Ihre Kunstwerke, indem Sie lernen, Licht und Schatten zu sehen
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Farbgrundlagen: Schattierung
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Farbgrundlagen: Erweiterte Färbung
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Das Geheimnis der realistischen Malerei: Wie man den Wert beherrscht
6. Farben direkt aus einer Referenz auswählen
Es ist schwer, dieser Versuchung zu widerstehen, so schwer, dass es Sie zum Weinen bringt. Ich weiß es ganz gut. Wenn Sie jedoch digitales Malen wirklich lernen möchten, dürfen Sie das Pipette-Werkzeug (Eyedropper Tool) nicht verwenden, um eine Farbe von einer Referenz zu entlehnen. Warum ist es so wichtig?
Anfänger verwenden normalerweise nur wenig gesättigtes Orange/Pink für die Haut. Es scheint offensichtlich, aber die Wirkung ist weit von natürlich. Wenn Sie jedoch eine Referenz verwenden, ist das eine andere Geschichte! Fast jedes Pixel hat einen anderen Farbton, nicht nur Rosa, sondern auch Rot-, Gelb-, Orange- und sogar Violett-, Grün- und Blautöne. Sättigung und Helligkeit ändern sich ständig, und trotzdem ähnelt der letzte Effekt nicht dem Chaos.
Wenn Sie Farben aus einer Referenz auswählen, erhält Ihr eigenes Bild neues Leben. Das Problem ist, dass es nicht anders ist als die Verfolgung. Im Ergebnis der Verfolgung erhalten Sie Linien, die Sie nicht selbst wiederholen konnten, und wenn Sie Farben auswählen, erhalten Sie schöne Schattierungen, die Sie auch nicht wiederholen konnten. Der Effekt ist erstaunlich - aber Sie können nicht dafür verantwortlich gemacht werden.
Da ist noch etwas. Die Auswahl der Farben stoppt Ihren Fortschritt. Sie "kaufen" die Farbsätze, anstatt zu lernen, wie Sie sie selbst erstellen. Sie haben Ihr Farbrad mit allen Schiebereglern; Jede Farbe, die Sie auswählen, kann von Ihnen selbst erstellt werden. Aber Sie entscheiden sich immer noch dafür, die bereits erstellten zu verwenden - es ist schnell und effektiv, aber Sie wissen, was noch schneller und effektiver ist? Ein Foto machen.
Um eines Tages unabhängig von Referenzen zu werden, müssen Sie lernen, die Farben zu sehen. Sehen Sie sich irgendein Objekt in Ihrer Nähe an - was ist sein Farbton, Helligkeit, Sättigung? Es ist extrem schwer zu sagen, oder? Aber wenn Sie die Farben mit dem Pipettenwerkzeug auswählen, lernen Sie es nie. Sie können kein Rennen mit Ihren Trainingsrädern beginnen.
7. Hinzufügen von Farben zu Graustufen ohne geeignete Werte
Dieses Bild habe ich 2011 gemalt. Das ist sicherlich eine schöne, herzerwärmende Szene, die mir immer noch gefällt. Ich erinnere mich, dass ich es in Graustufen gemalt und dann Farben hinzugefügt habe, wahrscheinlich mit ein paar Mischmodi (Color, Multiply, Overlay). Ich erinnere mich daran, dieses eine lästige Problem zu haben: Wie bekomme ich ein richtiges Gelb, wenn ich über Graustufen male?
Ich habe die Originaldatei nicht mehr, aber so sah die Graustufenversion wahrscheinlich aus. Beachten Sie, dass sowohl die grünen als auch die gelben Bereiche gleich dunkel sind. Das ist in Wirklichkeit nicht wahr!
Als ich ein Anfänger wie du war, glaubte ich, dass Licht alle Farben gleichmäßig heller macht, und Schatten macht sie einheitlich dunkler. Deshalb erschien das Malen in Graustufen so praktisch. Ich hätte mich auf die Schattierung konzentrieren und später Farben hinzufügen können. Leider hat dieser Trick nicht funktioniert, und ich habe lange gebraucht (hauptsächlich, weil ich es nicht wirklich versucht habe), warum.
Die einfache Antwort ist unterschiedliche Farben haben unterschiedliche Helligkeit unabhängig von der Beleuchtung. Wenn Sie es ignorieren, erhalten Sie schlammige Farben als Ergebnis. Farben, die Sie direkt zu einem Bild in Graustufen hinzufügen, haben keinen wichtigen Teil von ihnen. Wenn Sie mehr darüber erfahren wollen, habe ich ein komplexes Tutorial zum Thema Wert geschrieben.
8. Schattierung mit das Ausweichen und Brennen-Werkzeug
Das Ausweichen und Brennen-Werkzeug (Burn Tools) sind einer der Anfänger Favoriten. Sie passen gut zu der Annahme, dass Photoshop ein "Malprogramm" ist. Sie müssen nur die Grundfarben auswählen und dann die Bereiche auswählen, die Sie schattieren möchten. Der Rest wird von fortschrittlichen Algorithmen gesteuert, nicht von Ihnen, und das ist großartig, weil Sie sowieso nicht wissen würden, was Sie tun sollen.
Es ist jedoch nicht so einfach. Diese Werkzeuge sind nicht völlig nutzlos, aber wenn Sie Anfänger sind, ist es besser, sich von ihnen fern zu halten. Sie sind keine "Schattierungswerkzeuge". Das Ausweichen-Werkzeug (Dodge Tool) ist nicht gleich "Licht hinzufügen", und das Brennen-Werkzeug ist auch nicht gleich "Schatten hinzufügen". Das Problem ist, dass sie einer Anfänger-Vision über die Schattierung so gut entsprechen, dass es schwierig ist, die Versuchung zu überwinden.
Das Problem liegt nicht in den Werkzeugen, sondern in einem Missverständnis der Schattierung selbst. Anfänger denken oft, dass Objekte etwas Farbe haben, und diese Farbe wird dunkler im Schatten und heller im Licht. Es ist nicht so einfach. Es kann gut für Zellschattierungen oder für Cartoon-Zwecke funktionieren, aber selbst dort ist das nur eine Abkürzung.
Wenn es "irgendwie" funktioniert, warum nicht einfach benutzen?
- Es ist eine andere Technik, die Ihren Fortschritt blockiert. Wenn Sie es benutzen, merken Sie nicht einmal, was Sie vermissen. Die Schattierung ist ein komplexes Problem, und Sie beschränken es auf die "dunkler-aufhellen"-Regel, weil es einfach ist. Photoshop ist hier, um für Sie zu arbeiten, nicht an Stelle von Ihnen. Lassen Sie es sich nicht vom Lernen abhalten.
- Es flacht das schattierte Objekt ab. Egal, wie viele Texturen Sie danach hinzufügen, es funktioniert wie ein großer Pinsel - Sie können also ein Bild damit beginnen, aber nie so enden.
- Es stellt die Farben falsch dar; Sie sollten von der Umgebung abhängig sein (direktes Licht, Umgebungslicht), aber weder das Ausweichen-Werkzeug noch das Brennen-Werkzeug wissen etwas über den Hintergrund, den Sie verwenden. Sie schattieren alles auf die gleiche Weise!
Shading mit Schwarz und Weiß
Die Erweiterung dieser Technik ist eine Schattierung, indem Weiß für Licht und Schwarz für Schatten verwendet wird. Das ergibt sich aus der Überzeugung, dass jede Farbe als Schwarz (im Schatten) beginnt und als Weiß (im Licht) endet. Das kann zwar für über- oder unterbelichtete Fotos gelten, sollte aber in der Malerei keine Rolle spielen.
Wir alle suchen nach einfachen Regeln, die leicht zu merken und zu benutzen sind. Aber das bedeutet nicht, dass wir einfache Regeln erfinden sollten, die nichts mit der Realität zu tun haben, wie: "fügen Sie Weiß hinzu, um es heller zu machen, fügen Sie Schwarz hinzu, um es dunkler zu machen". Das gilt nur für Graustufen! Wenn Sie erfahren möchten, welche Regeln Sie zum Schattieren mit Farben verwenden können, lesen Sie diesen Artikel.
Unvariable Schattierung
Wenn Sie das vorherige Problem überwinden, können Sie in ein anderes fallen. Nehmen wir an, Sie haben Orange als Basisfarbe für Ihren Charakter ausgewählt. Sie entscheiden, dass die Lichtquelle gelb ist und das Umgebungslicht blau (Himmel) ist. Dementsprechend verschieben Sie den Farbton der Grundfarbe im Licht auf Gelb und im Schatten auf Blau, und das ist alles. Es macht die Schattierung viel interessanter als wenn Sie Schwarz und Weiß verwendet haben, aber es ist immer noch eine Abkürzung, die nicht unbedingt zu den gewünschten Ergebnissen führt.
Warum ist es eine Abkürzung? Indem Sie nur drei Grundschattierungen für Ihr Objekt erstellen, platzieren Sie es automatisch in einer künstlichen Umgebung, in der alles zu 100% vorhersagbar reflektiert wird.
In Wirklichkeit prallt das Licht ständig von allem ab, einschließlich der "Hügel und Täler" Ihres 3D-Objekts. Daher kann die Schattierung selten auf zwei oder drei Farben beschränkt werden. Das Blau des Himmels kann einige Schatten auf dem Objekt blau machen, aber in einigen anderen Spalten können sie grünlich aussehen, weil das Licht vom Gras reflektiert wird. Außerdem können einige Schatten aufgrund des Lichts, das durch das Hindernis in den "Schatten" gelangt ist, tatsächlich hell und gesättigt sein (sehen Sie Untergrund-Streuung).
Wenn Sie das berücksichtigen und beschließen, indirekte Lichtquellen zu verwenden, um die Schattierung abwechslungsreicher zu gestalten, werden Sie gezwungen sein, absichtlicher zu malen - und das ist großartig! Sie können hier keinen großen Pinsel verwenden, weil er die Farben mischt und Sie dadurch verlieren würden. Und ein kleiner Pinsel bedeutet, dass Sie im Handumdrehen eine Textur erstellen!
9. Mischen mit einem weichen Pinsel
Es gibt zwei Hauptmethoden, die Anfänger verwenden, um Schattierungen zu mischen, die beide für schnelle Effekte entwickelt wurden:
- Mischen mit einem weichen Pinsel
- Mischen mit dem Wisch/Weichzeichner-Werkzeug (Smudge/Blur Tool)
Wie wir bereits gelernt haben, bedeuten schnelle Effekte oft, dass sie außerhalb unserer Kontrolle sind. In diesem Fall flacht das Mischen mit großen Strichen das Objekt ab und macht es unnatürlich glatt. Selbst wenn Sie nachträglich eine Fototextur hinzufügen, wird dieser "plastische" Effekt nicht entfernt. Auch dieses Verfahren kann nur für diese Startphase gut sein.
Wenn Sie eine schöne, subtile Textur erhalten möchten (was für die meisten natürlichen Materialien gut ist), verwenden Sie einen härteren Pinsel mit Flow, der durch den Stiftdruck gesteuert wird (je härter Sie drücken, desto fester ist der Strich).
Mit dieser Art von Pinsel können Sie steuern, wie viel Farbe Sie verwenden möchten.
Dank dieses Attributs müssen Sie die Grenze zwischen zwei Farben nicht mischen. Fangen Sie einfach mit der Grundfarbe an und bedecken Sie sie leicht mit der anderen. Dann können Sie eine weitere Schicht der gleichen Farbe hinzufügen, wodurch sie fester wird.
Wenn Sie es glatter machen wollen, wählen Sie irgendwo dazwischen eine Farbe und malen Sie leicht über den Rand.
Verwenden Sie für eine stärkere Textur einen strukturierten Pinsel (mit rauhen Kanten).
Gemäß der 80-20-Regel sollten Sie sich in der ersten Phase nicht um das Mischen kümmern. Verwenden Sie einen großen Pinsel und machen Sie die Kanten sichtbar, wodurch eine übertriebene Schattierung entsteht.
Später können Sie einen kleineren, strukturierten Pinsel verwenden, um die Kanten zu überblenden. No Smudge Tool, kein weicher Pinsel, nur das Pipette-Werkzeug (Eyedropper Tool) und Ihr harter Pinsel mit variablem Fliessen (Flow). Denken Sie daran: Das Mischen hängt von der Textur der Oberfläche ab, sodass Sie nicht für jedes Material die gleiche Art des Mischens verwenden können!
10. Verwenden von 2D-Texturen für 3D-Formulare
Fototexturen sind der letzte Ausweg für Anfänger, wenn das Objekt theoretisch fertiggestellt, gefärbt und schattiert ist, aber immer noch wie ein Plastikspielzeug aussieht. Eine Textur selbst kann es jedoch noch schlimmer machen.
Nehmen wir an, wir möchten dieser großen Katze eine Textur hinzufügen.
Das Objekt muss vor dem Hinzufügen von Texturen schattiert werden. Der schwierige Teil ist, dass es keine vollständige Schattierung sein muss. Die Mischmethode hängt von der Textur ab - wenn Sie eine Mischung ohne Textur erstellen, erhalten Sie eine Nicht-Textur-Mischung (glatte Oberfläche).
Sie können eine Textur aus dem Internet herunterladen oder eines der Photoshop-Muster verwenden. In den Standardsets sind viele davon enthalten. Dieses ist mein Lieblingsmuster für Skalen, umgekehrte Bildschirm-Tür.
Wenn Sie den Mischmodus (Blend Mode) der Textur zu Überlagerung (Overlay) ändern, wird er auf die Schattierung angewendet. Beachten Sie jedoch, dass einige Teile aufgehellt wurden. Sie mögen es vielleicht, wenn die Schattierung nicht richtig gemacht wurde, aber es ist ein weiterer Fall, in dem Sie die Kontrolle aufgeben. In den meisten Fällen möchten wir nicht, dass die Textur eine eigene Version der Schattierung erstellt. Während der Überlagerung-Modus nicht die beste Lösung ist, können Sie sehen, wie die Textur auf dem Objekt aussieht.
Jetzt der wichtigste und übersehene Teil. Wenn das Objekt 3D sein soll, kann es nicht gut mit einer 2D-Textur bedeckt werden. Wir müssen seine Form an die Form anpassen, die es abdeckt. Es gibt drei Möglichkeiten, das zu tun: experimentieren und Ihren Favoriten finden:
- Das Frei Transformieren-Werkzeug (Free Transform Tool) (Control-T) im Deformieren(Warp)-Modus
- Filter > Verflüssigen (Filter > Liquify)
- Bearbeiten> Puppet-Deformieren (Edit > Puppet Warp)
Der Overlay-Modus hellt die Teile der Ebene auf, die mit weißen Bereichen der Textur bedeckt sind. Wir könnten stattdessen Multiply verwenden (es macht weiße Bereiche transparent), aber es würde schrittweise Töne (Grautöne) dunkler als notwendig machen. Es gibt ein weiteres Werkzeug, mit dem Sie die Transparenz einer Textur perfekt anpassen können.
Doppelklicken Sie auf die Ebene und spielen Sie mit den Blend-If-Schiebereglern. Kurz gesagt, können Sie die Transparenz von Weiß und Schwarz mit ihnen einstellen.
Wir müssen verstehen, was eine Textur wirklich ist. Es ist kein "grobes Muster" direkt auf dem Objekt platziert. Es ist eigentlich die Rauheit einer Oberfläche. Wenn Licht auf eine glatte Oberfläche trifft, wird es gleichmäßig reflektiert. Wenn die Oberfläche rau ist, d. h. aus winzigen Unebenheiten und Spalten besteht, erzeugt das auftreffende Licht eine ganze Reihe winziger Schatten. Und das ist die Textur, die wir sehen.
Eine andere Tatsache kann daraus abgeleitet werden. Wenn Licht eine sichtbare Textur erzeugt, kann es keine Textur ohne Licht geben. Und was ist Schatten, wenn nicht Lichtmangel? Daher müssen wir die Textur in dunklen Bereichen reduzieren (wenn Umgebungslicht vorhanden ist) oder sie überhaupt entfernen (kein Licht, keine Textur). Sie können dafür die Ebenenmaske verwenden oder mit den Blend-If-Schiebereglern (der zweiten Reihe) spielen. Beachten Sie, dass die Spalten der Textur tatsächlich Schatten sind, also sollten sie nicht dunkler sein als der "normale" Schattenbereich.
Das Anwenden einer Textur ist schnell und einfach, sobald Sie wissen, welche Aktionen Sie nach der Auswahl ergreifen müssen. Das ist jedoch nicht das Ende. Jede Textur ist anders, und während einige von ihnen bei direkter Anwendung gut aussehen, erfordern die meisten etwas mehr Arbeit.
Auch hier gilt die 80-20-Regel. Das Hinzufügen einer Textur ist einfach, aber es ist am meisten Zeit, es zum Laufen zu bringen. In meinem Beispiel habe ich die Schattierungskanten mit einzelnen Skalen gemischt. Dinge wie diese sind sehr zeitaufwendig, aber sie verändern alles!
Schlussfolgerung
Wie wir gesehen haben, kommen die meisten Anfängerprobleme von dem Drang, großartige Dinge so schnell wie möglich mühelos zu erreichen. Es geht also nicht wirklich um mangelnde Fähigkeiten - es geht vielmehr um die tiefe Überzeugung, dass Photoshop ein Kunstprogramm ist. Das führt zu einer ständigen Suche nach Werkzeugen und Tricks, anstatt sich zu bemühen, das Problem zu verstehen und zu lösen.
Sie können nicht an einem Tag digitaler Künstler werden, nur weil Sie eine fortgeschrittene Grafiksoftware erworben haben. Photoshop ist einfach ein Werkzeug, das bequemer zu benutzen ist als Pigmente und Pinsel, aber es ist immer noch ein Werkzeug. Es kann nicht mehr tun, als Sie vorhaben! Wenn Sie das Beste daraus machen wollen, behandeln Sie es als digitale Leinwand mit digitalen Farben. Vergessen Sie alle diese tollen Werkzeuge, Filter, Pinsel oder Mischmodi. Malen Sie einfach wie auf einer echten Leinwand.
Lernen Sie Farbenlehre, Perspektive, Anatomie - all diese Dinge, die "normale" Künstler lernen müssen. Mit der Zeit werden Sie verstehen, wie Sie die Werkzeuge von Photoshop verwenden, um die gleichen Dinge einfacher und schneller zu machen - aber stellen Sie den Wagen nicht vor das Pferd, indem Sie versuchen, großartige Effekte zu erzielen, ohne sie zu verstehen. Geduld ist der Schlüssel!
