Cartoon-Grundlagen: Wie man Bewegung und Action erzeugt

Was ist ein Cartoon ohne jede Art von Aktion? Was ist ein Cartoon, der uns keine Geschichte erzählt? Möglicherweise haben Sie künstlerische Studien des menschlichen Körpers gesehen, die als Referenz von einem Live-Modell gezeichnet wurden. Sie funktionieren sehr gut, um zu verstehen, wie Anatomie und Muskeln reagieren, wenn wir eine Bewegung vorschlagen. Aber die Stimmung hinter dieser Bewegung ist nicht klar! Es ist nur eine Reproduktion des wirklichen Lebens und mehr nicht. Die Art und Weise, Bewegung und Aktion in einer Zeichnung im Cartoon-Stil auszudrücken, unterscheidet sich stark vom wirklichen Leben. Daher ist es wichtig, neben dem notwendigen Wissen, um den Körper Ihres Charakters aufzubauen, die Techniken zu beherrschen, die erforderlich sind, um diesen Formen Leben einzuhauchen. Und darüber werden wir in diesem Tutorial sprechen!

Was du wissen musst

Bei der Entwicklung eines Charakters in einer bestimmten Situation muss der Künstler die entsprechende Aktion entwickeln. Jede Szene, die für deinen Charakter entwickelt wurde, sollte den Zuschauer über die wahre Absicht hinter den Handlungen des Charakters informieren. Ihre Motivationen, ihre Gefühle, ihre Fähigkeiten (oder deren Fehlen) und ihre Persönlichkeit. Und all dies muss auch ohne Dialog erreicht werden. Der Vorteil von Zeichnungen gegenüber Live-Filmen liegt genau darin: Wir können mit Körperausdrücken spielen und Emotionen bis zum Äußersten übertreiben. Sie brauchen keinen Schauspieler, kein Studio oder überhöhte Kosten. Nur Papier und Stift. Ihrer Fantasie sind keine Grenzen gesetzt!

Die Ziele, die verfolgt werden sollten, um diese Ergebnisse im Cartoon zu erreichen, sind:

• Einfachheit;
• Rhythmus.

Wir werden nach und nach die Rolle jedes Einzelnen bei der Komposition einer gezeichneten Szene verstehen.

1. Aktionslinie

Die "Aktionslinie" ist eine imaginäre Linie, die die Bewegung des Körpers Ihrer Figur vereinfacht und allgemein intensiv nachzeichnet. Die Planung Ihrer Zeichnungen basierend auf dieser Linie ist eine hervorragende Technik, um das gewünschte Ziel zu erreichen. Auf diese Weise können Sie den dramatischen Effekt verstärken. Denken Sie daran, wenn Sie Ihre Charaktere das nächste Mal in Aktion zeichnen.

Die Aktionslinie sollte fließend und stromlinienförmig sein, damit wir die wahren Absichten hinter jeder der Aktionen des Charakters klar erkennen können.

Beachten Sie, wie seltsam es aussieht, wenn Ihr Design auf komplexen Aktionslinien basiert:

Ein perfektes Beispiel für Einfachheit und Rhythmus sehen wir im Cartooning. Die Aktionslinie bietet dem Künstler die Möglichkeit, die Wirkung seiner Szenen zu erweitern. Verwenden Sie diese Methode, noch bevor Sie die Proportionen Ihrer Zeichen definieren. Ich versichere Ihnen, dass das Endergebnis der Bewegung äußerst zufriedenstellend sein wird.

Um die Techniken und Prozesse zu verstehen, die verwendet werden, um Cartoon-Zeichnungen zum Leben zu erwecken, müssen wir die theoretischen Prinzipien kennen, auf denen diese Techniken basieren.

2. Die 12 Grundprinzipien der Animation

1981 schrieben zwei der größten Disney-Animatoren (Frank Thomas und Ollie Johnston) ein Buch mit dem Titel "The Illusion Of Life". Darin wurden dem Publikum die "12 grundlegenden Animationskonzepte" vorgestellt, die das Studio (seit 1930) verwendet, um realistischere Animationen zu produzieren. Obwohl diese Konzepte für den Einsatz in der traditionellen Animation entwickelt wurden, bleiben sie heute unverändert – auch für digital erstellte Projekte.

Die Grundkonzepte sind:

• Quetsche und dehne
• Vorwegnahme
• Inszenierung
• Geradeaus Action und Pose zu Pose
• Folgen Sie durch und überlappende Aktion
• Langsam rein und langsam raus
• Bögen
• Sekundäre Aktion
• Zeitliche Koordinierung
• Übertreibung
• Solide Zeichnung
• Appellieren

Da mein Fokus hier nicht darin besteht, Sie mit allen Animationstechniken zu überfordern, werde ich mich nur auf die wichtigsten konzentrieren und herausfinden, was sie zu unseren ansonsten "langweiligen" Designs hinzufügen können.

Quetsche und dehne

Dies ist eine wichtige – wenn nicht die wichtigste – Technik, die berücksichtigt werden sollte, wenn wir versuchen, Dynamik und Bewegung in unsere Charaktere zu bringen. Das Konzept läuft auf die Dehnungs- und Squash-Skala eines Charakters oder Objekts hinaus, während es sich bewegt. Durch die Anwendung dieser Technik erhöhen wir das Gewicht und die Flexibilität der Bewegung. Nehmen Sie das auf ein Objekt angewendete Beispiel:

Das obige Beispiel veranschaulicht die Technik perfekt. Höchstwahrscheinlich werden Sie einen springenden Ball im wirklichen Leben nicht so sehen, aber in Cartoon-Form funktioniert es großartig!

Cool, oder? Diese Technik führt uns zum nächsten Thema.

Übertreibung

Hier gibt es nicht viel zu sagen, da dies ein selbsterklärendes Prinzip ist. Körperliche Ausdrücke zu übertreiben, um den Zeichnungen mehr Dramatik und Wirkung zu verleihen, ist eine obligatorische Regel beim Cartoonieren. Stellen Sie sich vor, was passiert, wenn wir erschreckt oder erschreckt sind – eine unerwartete Reaktion tritt in unserem Körper auf. Das gleiche sollte beim Zeichnen von Cartoons passieren, aber mit einem viel intensiveren Ergebnis!

Nach Disneys Regel soll die Technik naturgetreu sein, muss aber in einer extremeren Form präsentiert werden. Die Übertreibung beinhaltet Änderungen an den physischen Eigenschaften einer Figur oder an einem Element der Szene, in der sie sich befindet. Denken Sie jedoch daran, dass es wichtig ist, bei der Verwendung dieser Technik ein gutes Gespür für die Aktion zu bewahren, die Sie zu veranschaulichen versuchen, um den Betrachter nicht zu verwirren.

Vorwegnahme

Antizipation ist eine Technik, die verwendet wird, um den Betrachter auf eine bevorstehende Handlung vorzubereiten. Es kann verwendet werden, um eine Bewegung oder das Erscheinen eines Objekts oder Charakters vorwegzunehmen, eine Erwartung zu erzeugen und einem Höhepunkt voranzugehen.

Theoretisch besteht die Antizipation aus einer rechtzeitigen Bewegung in eine beliebige Richtung, die durch eine Bewegung in die entgegengesetzte Richtung verstärkt wird. In Cartoons bedeutet es meistens eine Vorfreude auf die Handlung selbst und dann einen Erholungsprozess, um die Sequenz abzuschließen.

Antizipation ist eine Technik, die häufig in Cartoons verwendet wird, um Erwartungen und Wirkung in einer Szene zu erzeugen – sei es animiert oder statisch. Versuchen Sie als Übung, andere Beispiele für die Anwendung dieser Technik zu finden.

Nehmen und akzentuieren

In Cartoons nennen wir Take den Effekt, der einem Akzent vorangeht – verwendet, um den "Überraschungs"-Ausdruck zu verstärken. Dies folgt dem Muster:

• Ein Charakter sieht etwas Überraschendes;
• Die Vorfreude tritt ein (Kopf senkt sich schnell);
• Der "Akzent" tritt auf und der Kopf kommt nach oben;
• Der Charakter beruhigt sich.

Lassen Sie uns diese gemeinsam durchgehen.

Schritt 1

Wir beginnen mit einem Charakter mit einem glücklichen oder natürlichen Ausdruck:

Schritt 2

Der Charakter sieht etwas Überraschendes und nimmt den Moment vorweg, indem er den Kopf mit geschlossenen Augen senkt. Dieser Schritt verstärkt die Vorstellung, dass er etwas Unglaubliches sieht!

Schritt 3

Als nächstes kommt die Überraschungsreaktion und der Kopf hebt sich.

Schritt 4

Der Charakter beruhigt sich und tritt in den Erholungsprozess ein.

Innerhalb dieses Prozesses wenden die Animatoren das Timing der Szene an, einschließlich zusätzlicher Zeichnungen, um weiche Übergänge zu erzeugen.

Wir werden später etwas mehr über das "Timing" sprechen.

Langsam rein und langsam raus

Wenn wir uns auf eine plötzliche Bewegung vorbereiten oder eine Aktion ausführen, die Anstrengung erfordert, braucht unser Körper natürlich einen kleinen Bruchteil der Zeit, um die Energie zu konzentrieren, die für diese Bewegung erforderlich ist. Das Ergebnis ist eine plötzliche Beschleunigung (oder eine konstante, je nach Bewegung), die sich dann verringert, bis sie in ihren normalen Zustand zurückkehrt. Dies ist einer der Gründe, warum die Animation eines Charakters glaubwürdig wird, wenn die Anzahl der Intervalle oder Frames mit der Frequenz variiert – es ist eine übertriebene Übersetzung dessen, was im wirklichen Leben passiert.

Wenn wir in Cartoons mehr Frames am Anfang und am Ende einer Aktion platzieren – um eine bestimmte Bewegung hervorzuheben – und weniger Frames dazwischen aufnehmen, erzeugen wir das sogenannte „Verlangsamen und Verlangsamen“. Dieses Prinzip wird auch häufig in Animationen verwendet, wenn wir Charaktere zwischen extremen Posen bewegen möchten, beispielsweise beim Springen vom Boden.

Tipp: Wenn Sie ein Webdesigner sind, der mit Übergängen arbeitet, um Animationen in Webseiten zu erstellen, sind Sie wahrscheinlich auf die Eigenschaft "timing" der Übergangsfunktion in CSS3 gestoßen. Diese Funktion verwendet unter anderem Werte wie "ease-in" und "ease-out", um den Geschwindigkeitsverlauf der Animation zu beschreiben. Wenn Sie mit After Effects arbeiten, um fantastische Videos zu erstellen, haben Sie wahrscheinlich in der Keyframe-Assistentenleiste die Optionen "Ease Ease", "Ease In" und "Ease Out" bemerkt. In beiden Fällen bedeutet dies, dass Sie dieses berühmte Animationsprinzip bereits auf Ihre Projekte angewendet haben, wenn Sie mit einigen von ihnen (oder beiden) gearbeitet haben!

Appellieren

Die Anziehungskraft lässt sich mit der Ausstrahlung und Persönlichkeit übersetzen, die der Künstler seinen Kreationen verleiht. Ob Gut oder Böse, Held oder Bösewicht, Mann oder Frau, das Wichtigste ist, dass sich der Betrachter mit ihnen identifiziert. Die körperlichen Merkmale bestimmen auch das Verhalten und die Persönlichkeit des Charakters. Daher sollten wir bei jeder Handlung oder Haltung, die der Charakter einnimmt, ihre physischen, sozialen und kulturellen Merkmale berücksichtigen, um den entsprechenden Appell dafür zu replizieren.

Beachten Sie in der obigen Abbildung, wie die Beispiele die Attraktivität jedes Charakters deutlich demonstrieren. Durch subtile Details können wir bestimmte Merkmale hervorheben: Beachten Sie die Silhouette der Frau oder das lange Gesicht des Butlers und seine steife und stets elegante Haltung. Es ist wichtig, die Natur jedes Merkmals zu verstehen und sie zu verwenden, um Ihren Szenen Leben einzuhauchen.

Durchsuchen Sie die Bewegungen und spezifischen Aktionen, die jeder Charakter verwendet, um mit dem Zuschauer zu kommunizieren. Benehmen sie sich als sinnliche Frau? Ein Dieb? Ein Trickster? Ein Butler? Ein Kellner? Eine Stylistin? Was sind die einzigartigen Merkmale, die sie ausmachen? Was für Kleidung tragen sie? Wir sollten immer beobachten, wie alles im wirklichen Leben funktioniert und sich verhält, und es zu unserem Vorteil nutzen.

Lassen Sie uns schnell jedes der verbleibenden Prinzipien durchgehen, damit wir verstehen, was sie bedeuten:

Inszenierung

Inszenierung wird verwendet, um die Aufmerksamkeit Ihres Publikums auf das Wichtigste in einer Szene zu lenken, die mehrere Szenarien oder Objekte beinhalten kann. Grundsätzlich dient es dazu, den Fokus auf das Wesentliche zu lenken und unnötige Informationen zu vermeiden. Dieses Konzept wird auch stark in Comics angewendet. Farben, Lichter und Kamerawinkel können angewendet werden, um den Fokus auf die wichtigsten Details zu verstärken.

Geradeaus-Action und Pose zu Pose

"Straight-Ahead-Action" bedeutet, eine animierte Szene Frame für Frame von Anfang bis Ende zu zeichnen. "Pose zu Pose" bezieht sich nur auf die Gestaltung von Keyframes, die später mit den verbleibenden Intervallen gefüllt werden. Interessanterweise wird die erste Technik nur in 2D-Animationen verwendet. Aber die Technik "Pose to Pose" wird in Storyboards für Film und 3D-Animation immer noch verwendet.

Durchgehende und überlappende Aktion

"Follow through" bezieht sich auf die anhaltende Reaktion in anderen Körperteilen eines Charakters aufgrund einer Bewegung. Wie sich zum Beispiel einige Körperteile weiter bewegen, wenn die Figur abrupt stoppt. "Überlappende Aktion" ist eine Technik, bei der sich einige Körperteile mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten bewegen, beispielsweise wenn sich Rumpf, Gliedmaßen oder Haare in einem anderen Zeitintervall als der Kopf bewegen. Die Kombination dieser beiden Techniken verleiht Animationen mehr Realismus.

Bögen

Die von einer Figur oder einem Objekt getragene Bewegung, die einem Pfad in einem gegebenen Strom folgt, wird als "Bogen" bezeichnet. Stellen Sie sich die sich wiederholenden Bewegungen eines Dirigenten in einem Orchester vor, die subtilen Bewegungen eines Eisläufers oder die Flugbahn eines olympischen Athleten bei einem Sprung. Alle müssen einem Bogen fließender Bewegungen folgen, der sie in ihre spezifischen Kategorien einordnet. Wenn Sie ein Objekt oder eine Figur im Moment der Aktion ohne ersichtlichen Grund aus ihrem natürlichen Bogen bringen, wird Ihre Kunst oder Animation seltsam und unregelmäßig aussehen.

Sekundäre Aktion

Dies ist die Technik, der Hauptaktion der Szene "Sekundäraktionen" hinzuzufügen, um die Botschaft, die Sie senden möchten, hervorzuheben. Stellen Sie sich einen Charakter vor, der unaufmerksam die Straße entlang geht, und Autos, die an ihm vorbeifahren, um die Gefahr hervorzuheben. Oder kreieren Sie in Ihrem Kopf den Gesichtsausdruck, der oszilliert, während eine Figur versucht, auf einem Drahtseil zu balancieren. Dies sind Beispiele für sekundäre Aktionen, die den Hauptgedanken der Szene verstärken und nur als Ergänzung wirken.

Zeitliche Koordinierung

Das "Timing" bezeichnet die Anzahl der Zeichnungen, aus denen eine bestimmte Aktion besteht. Zum Beispiel: Ein Objekt oder Charakter, der sich langsam oder schwer bewegt, ist normalerweise ein schwerer Charakter. Es spiegelt sich also in der Anzahl der Frames wider, die Sie zeichnen müssen, um die Szene realistisch darzustellen. Das gleiche funktioniert umgekehrt mit einem leichteren Objekt.

Timing ist ein äußerst wichtiges Konzept in der Animation und wird häufig verwendet, um den Charakter und seine Aktionen zu komponieren.

Solide Zeichnung

Die "solide Zeichnung" bezieht sich auf die Genauigkeit Ihrer Zeichnungen auf einem Blatt Papier. Sie müssen Volumen und Gewicht haben, um richtig verstanden und geschätzt zu werden. Beachten Sie jedoch, dass sich dies nicht auf die Menge realistischer Details in Ihrer Kunst bezieht, sondern nur auf die Art und Weise, wie Sie Ihr theoretisches Wissen über das Zeichnen von Dingen der Öffentlichkeit präsentieren. Der Künstler, der die Grundlagen des Designs beherrscht, kann in seiner Kunst eine dreidimensionale Illusion erzeugen, selbst wenn er auf einer 2D-Ebene zeichnet. Das ist die wahre Illusion des Lebens.

Einige Stile des Cartoons erfordern eine äußerst getreue Darstellung von Objekten, Kleidung und Artefakten, um eine Szene richtig zu übersetzen oder den Betrachter in eine bestimmte Epoche der Geschichte zu versetzen und winzige Details zu enthüllen. Aus diesem Grund sind theoretische und praktische Kenntnisse der Grundlagen der Zeichnung und der menschlichen Anatomie unabdingbar.

Hier bei Tuts+ haben wir mehrere Artikel und Tutorials von vielen verschiedenen Autoren, die Ihnen helfen, in diese Grundlagen einzutauchen. Auf diese Weise können Sie durch verschiedene Zeichenstile wandern und sich zu einem vollständigen Künstler machen.

3. Sequentielle Bewegungen und Walk-Cycles

Laut Warner Bros.-Animator Ken Harris ist "das Gehen das Erste, was man lernt." Zu lernen, einen Charakter richtig laufen zu lassen, ist eines der schwierigsten Dinge, die in Cartoon-Form dargestellt werden, da es mehrere Möglichkeiten gibt, dies je nach Volumen, Gewicht, Kontext und Intensität der Szene zu tun.

Es ist interessant festzustellen, dass das Gehen nichts anderes ist, als zu lernen, wie wir uns selbst unterstützen können. Mit anderen Worten, wir bemühen uns, nicht mit dem Gesicht auf den Boden zu fallen! Stellen Sie sich vor, ein Baby lernt stehen... es ist der Vorgang, der "Schrittfang" genannt wird.

Wir Menschen haben, wenn wir selbstbewusst gehen, keine ruckartigen Schritte. Tatsächlich heben wir unsere Füße kaum. Unsere Bewegungen sind begrenzt und minimal, mit dem einzigen Zweck, unseren Körper vorwärts zu bewegen.

Nun, in Cartoons funktionieren die Dinge etwas anders. Sie können eine komplette Geschichte mit der Art und Weise erzählen, wie ein Charakter geht. Aus diesem Grund müssen wir einige Techniken der Übertreibung und des Timings anwenden, um ein interessanteres Ergebnis zu erzielen.

Lassen Sie uns den vereinfachten Prozess mit der folgenden Vorlage analysieren:

Beachten Sie im Bild oben, dass die Arme immer in Opposition zu den Beinen stehen und wenn sich der Körper in der Passposition erhebt, ist ein Bein nicht gebeugt.

Jetzt füllen wir die Lücken mit den restlichen Zeichnungen und vervollständigen einen grundlegenden Laufzyklus im Cartoon-Stil:

Verschiedene Arten des Gehens und Laufens

Wie ich bereits sagte, gibt es in Cartoons (und im wirklichen Leben) mehrere Wege zu gehen, und diese können verwendet werden, um Gefühle und Wünsche in Charakteren auszudrücken. Mehrere Vorlagen werden verwendet, um diese Gefühle darzustellen:

Unterschiede zwischen den Spaziergängen von vierbeinigen Tieren

Vierbeinige Tiere sind ein komplexeres Thema, da Sie die Vorder- und Hinterpfoten auf unterschiedliche Weise bewegen müssen (je nach Komplexität der Bewegung auch zu unterschiedlichen Zeitpunkten). Diese Bewegungsflexibilität fügt der Aufgabe eine gewisse Komplexität hinzu, eignet sich jedoch hervorragend für das Studium der Bewegungen des wirklichen Lebens.

Der Gang eines Cartoon-Tiers ist eine vereinfachte Übersetzung dessen, was im wirklichen Leben passiert. Je nach Bewegungsübergang reagieren Muskeln und Gelenke unterschiedlich:

Im Cartoon-Stil gibt es noch einige Arten von Schritten, die anderen Rhythmen folgen. Schauen wir uns unten zwei davon an:

Ein realistischer Geh- oder Laufzyklus hängt von mehreren Faktoren ab, wie Gewicht, Größe, Absicht... Das Wichtigste ist, diese Bewegungen anhand realer Referenzen zu beobachten.

Dieses Thema des Walk/Run-Zyklus ist ziemlich komplex und verdient ein Tutorial, das ausschließlich ihm gewidmet ist. Andere Tiere, wie zum Beispiel Pferde, haben subtile Unterschiede in ihrer Anatomie, die dazu führen, dass sich ihre Vorderbeine beim Gehen etwas anders verhalten. Weitere Informationen finden Sie im Abschnitt "Hundetiere" in meinem vorherigen Tutorial. Um die Bewegungen des Pferdes genauer zu studieren, werfen Sie einen Blick auf dieses hervorragende Tutorial von Monika Zagrobelna.

Alles zusammenfügen

Schließlich ist unten eine animierte Sequenz mit mehreren Beispielen der Techniken, die wir oben gesehen haben. Squash und Stretch, Antizipation, Inszenierung, Timing, Überlappung, Übertreibung, Bögen, Appell... Können Sie sie alle identifizieren?

Das war's Leute!

Es gibt eine aktuelle Debatte, die weiterhin die Rolle der traditionellen Animation in der Kunst des 21. Jahrhunderts diskutiert. Moderne Animationsstudios wie Pixar und Dreamworks verwenden immer noch mindestens 90% der oben besprochenen Techniken. Erwecken Sie eine Zeichnung zum Leben, sei es durch Pin-ups, Comics oder Cartoons – es ist wunderbar. Ein Kind glauben zu machen, dass ein Tier wie ein Mensch sprechen und handeln kann, ist erstaunlich. Wenn Sie beim Betrachter Emotionen hervorrufen können, können keine Worte das Gefühl der Leistung des Künstlers in diesem Moment ausdrücken.

Computer können heute Aufgaben erledigen, die vor 15 Jahren noch unvorstellbar waren. Motion-Capture-Technologie und andere Software ermöglichen es dem Künstler, der Realität immer näher zu kommen. Aber wo ist der Grund, die Realität zu replizieren und die Magie eines Cartoons vollständig zu vermissen? Verzeihen Sie mir, wer anderer Meinung ist, aber die traditionellen Konzepte von Bewegung und Aktion, die vor fast hundert Jahren geschaffen wurden, geben immer noch die Regeln vor – und werden sie noch lange diktieren.

Ich danke allen, die mich bei diesem Abenteuer begleitet haben. Üben Sie weiter und bis zum nächsten Mal!