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¡Hey, todos los aspirantes a artistas de guión gráfico que hay!
Espero que hayas tenido el placer de seguir mi primer tutorial sobre guiones gráficos: How to Storyboard: Una guía básica para artistas aspirantes
Un guión gráfico no debe ser una serie aburrida de dibujos inmóviles. Hay diferentes tipos de tomas de cámara y movimientos para hacer que el guión gráfico sea más vivo, interactivo e interesante.
Hay mucha información disponible sobre el guión gráfico disponible para ser enseñada, pero solo cubriremos los bits fundamentales necesarios para lograr un trabajo típico en un guión gráfico.
En la parte 2 de nuestro tutorial, aprenderemos algunos términos adicionales del guión gráfico, repasaremos los diferentes tipos de tomas y tipos de escenas, y aprenderemos las diversas transiciones que podemos usar para crear fluidez e interés entre nuestras escenas.
Comencemos ... ¡Luces, cámara, acción!
1. La jerga básica del guión gráfico
Storyboarding es un lenguaje visual. Cada cuadro o panel del guión gráfico representa una parte de la historia que el público verá en la pantalla, ya sea un comercial de televisión, una película o un tipo de animación. Su trabajo es más o menos como un mini director, usando habilidades básicas de cinematografía para poder dictar la historia a su público.
Hay algunos términos que debe saber al colocar elementos en un marco o escena.
1. Capas
La configuración de los sujetos dentro de las diferentes capas del cuadro se denomina Layering. Es una característica poderosa que le ayuda a introducir la ubicación de una escena y hacer que sus marcos se destaquen agregando una sensación de profundidad a una toma. Para aplicar capas, debe crear un primer plano, un segundo plano y una capa de fondo.
- Primer plano (FG) (azul): el área más cercana a la vista de la cámara.
- Segundo Plano (MG) (rosa): El área entre el primer plano y el fondo, en el centro del encuadre.
- Fondo (BG) (verde): la parte más alejada de la cámara.
- Superposición (OL): cuando un sujeto o elemento se superpone a otro, y ambos son visibles. Considere colocar elementos superpuestos en el boceto del marco para ayudar a crear profundidad en el tiro.
2. Audio y efectos
Aquí hay una lista de términos o palabras que podrían incluirse en un guión o enfatizarse al crear un guión gráfico, en términos de lo que está sucediendo con el audio, los efectos de sonido y los efectos especiales:
- Voice Over (VO): la voz del narrador se escucha pero no se ve.
- Diálogo: Lo que los personajes se dicen unos a otros o qué le dice el narrador al espectador durante un plano o escena.
- Los efectos de sonido (SFX) son sonidos creados artificialmente para reproducir en una película o producción. Por ejemplo, una bocina de automóvil, aleteo de alas o ruidos de fondo sutiles.
- Los efectos visuales (VFX) son ilimitados. Podrían ser cualquier cosa, desde texto animado a una pintura, 3D, humo o cualquier cosa que se pueda hacer con un programa informático.
- Efectos especiales (SPFX / FX) son ilusiones visuales utilizadas en TV, películas y diferentes tipos de producción. Por ejemplo, la animación con plastilina, animación de cel, maquillaje protésico o imágenes gráficas por computadora (CGI) son las técnicas más modernas que se utilizan.
- Generado por computador (CGI) son gráficos de computadora creados virtualmente, compuestos en una producción.Esta técnica a menudo usa una pantalla verde más actores para aplicar un efecto sobre un fondo simulado.
2. Los diferentes tipos de tomas de la cámara
Tener una buena selección de tomas puede hacer que su historia sea más interesante, dependiendo de lo que quiera que el espectador experimente. Analicemos una selección de tomas de cámara alternativas que ayudarán a su película o animación visualmente.
1. Tipos de tomas panorámicas
Una panorámica es cuando la cámara está en un punto fijo y se mueve de izquierda a derecha o viceversa, como si estuviera girando la cabeza para seguir a un sujeto. Las panorámicas se usan cuando desea crear movimiento entre escenas para que la escena no sea aburrida. Hay varios tipos de fotos panorámicas que puede usar:
- El panorama horizontal estándar es el movimiento de la cámara panorámica estándar de izquierda a derecha o viceversa.
- Panorama vertical, también conocido como Inclinación, es el movimiento hacia arriba y hacia abajo. Aquí, la cámara está en la misma posición pero se inclina en un ángulo para ver hacia arriba o hacia abajo. Se usa comúnmente para revelar algo o para representar la altura.
- La panorámica diagonal se produce cuando la cámara se mueve en diagonal para revelar qué está subiendo o bajando.
- Una panorámica no lineal es panorámica utilizada para seguir sujetos.
- Panorama suave es lento y normalmente permite al espectador inspeccionar una escena.
- Panorama Zip es una panorámica rápida. Crea un efecto veteado o borroso. También conocido como Swish o Panorama latigo. Se usa para mostrar el paso del tiempo o la acción rápida.
- Panorama con superposiciones es cuando la cámara hace una panorámica y hay una superposición o un elemento de primer plano colocado en frente del fondo para simular la profundidad.
2. Una toma de pedestal
En una toma de pedestal, la cámara se mueve hacia arriba o hacia abajo, de forma similar a una inclinación, pero en este caso no está inclinando la lente hacia arriba, sino que está moviendo toda la cámara hacia arriba. Es un movimiento de cámara que está representado por dos símbolos de flecha paralelos. En un pedestal, la distancia entre el sujeto y la cámara siempre se mantiene.
3. Una inclinación holandesa, un rollo holandés y rotaciones
- Dutch Tilt es una técnica similar a inclinar la cabeza hacia un lado. Es una inclinación intencional de la cámara hacia un lado, utilizada en escenas para dar una sensación de drama, desorientación o estar desequilibrado. El ángulo "holandés" también se usa cuando deseas mostrar el misterio, la incomodidad, las escenas de borracho / drogadicción, o momentos de locura o desesperación. También conocido como ángulo inclinado u oblicuo.
- Un rollo holandés es cuando la cámara se tuerce en un ángulo holandés para dar a la escena un efecto de sobredrama.
- Las rotaciones básicamente mueven la cámara de un ángulo a otro para que parezca que hay un movimiento de giro, balanceo o sacudida en una escena. Puede ser un movimiento leve o un giro completo de 360 °.
4. Un ángulo inverso
Un ángulo inverso es el punto de vista inverso de un cuadro anterior. Cortar en un ángulo inverso permite al público identificarse y seguir el diálogo entre personajes o revelar reacciones u objetos.
5. Montaje del coche
Un montaje de automóvil es la vista replicada de una cámara en un vehículo, ya sea desde la vista del pasajero o mirando dentro de un vehículo.
6. Plano de grúa
Básicamente, esto se refiere a una cámara rodada en el aire, usando una gran pieza de equipo llamada grúa que se mueve hacia o lejos de la escena. Se usa para mejorar una vista, por ejemplo, de una gran multitud o escena. Además, se aplica cuando hay acción o suspenso, o como un final de una escena.
7. Toma aérea
Un ángulo de cámara muy alto, similar a la grúa pero generalmente tomado de un helicóptero, dron o avión. A veces se denomina vista de pájaro.
8. Órbita
Imagine que la cámara está en una pista circular, girando alrededor de un punto focal. Con una toma de órbita, la cámara gira 360 ° alrededor del sujeto, que generalmente se fija.
9. Ver a través / Máscara
Ver a través o Máscara es cuando un elemento se coloca delante de una lente para crear un encuadre de una determinada forma, como un marco de ventana, binoculares, ojo de cerradura o telescopio de arma.
10. Inserciones
Una inserción es cuando se inserta un primer plano entre una escena larga o un diálogo. Este tipo de disparos no se centran en las personas. Las inserciones tienen un valor instrumental: se enfocan en ciertos detalles o enfatizan un objeto relevante. Algunos ejemplos pueden ser una letra o escritura a mano, el letrero de una tienda, un cuchillo debajo de una pila de papeles, etc.
3. Tipos de tomas de personajes
Las tomas de personajes describen los personajes en la pantalla o la cantidad de caracteres que se ven en la pantalla en un momento determinado.
1. Toma 1-2-3
- 1 Toma: Un personaje en la pantalla.
- 2 Toma: Primer plano o plano medio de dos caracteres en la pantalla.
- 3 Toma: Primer plano o plano medio de tres caracteres en la pantalla.
- Toma de grupo: De tres a cinco personajes que aparecen en pantalla.
- Toma de multitudes: cinco personajes y más en la pantalla.
2. Toma de revelación
Una toma Revelación es cuando la cámara se enfoca lo suficiente como para mostrar algo invisible que se mueve dentro, fuera o a través de un fotograma, sin mover la cámara. Se usa para generar suspenso o advertencia. Las tomas reveladas se ilustran mediante el uso de flechas y pequeños movimientos en la pantalla.
3. Toma de reacción
Una toma de reacción es una toma cortada a un personaje que reacciona.
4. Pantalla dividida
La pantalla dividida es cuando el marco está dividido en segmentos más pequeños, por lo que el público puede ver muchas cosas o acciones a la vez.
5. Toma de belleza
Una toma de belleza es un primer plano utilizado para cautivar a los espectadores. Por lo general, es limpio, de aspecto muy comercial, y se supone que evoca una respuesta agradable de la audiencia.
6. Toma fuera de cámara / fuera de pantalla (OC / OS)
Una toma fuera de pantalla (O / S) es cuando los espectadores no ven nada en la pantalla, pero hay un diálogo o sonido o un personaje entra o sale del cuadro. Puede ilustrar un cuadro oscuro con burbujas de diálogo, o simplemente un cuadro oscuro con el acrónimo OC.
4. Cómo hacer la transición entre escenas
Una transición es el 'corte' de una escena a la siguiente. Aquí hay algunos básicos para aprender:
1. Fundido
Un fundido de entrada comienza oscuro y se desvanece a brillo completo. Ilustrado por < en el marco
Un fundido de salida se oscurece gradualmente o se desvanece a negro. Ilustrado por > en el marco. Fundido generalmente significa fundido a negro. Los desvanecimientos a menudo se usan para separar escenas o cuando necesita cambiar la ubicación de la escena.
2. Lavado
Un lavado es similar a un fundido, pero en lugar de ir hacia o desde negro, cambia a blanco o a un color más claro, similar a la sobreexposición. También se conoce como Flash Fade o Fade to White.
3. Disolver
Una transición de disolución es gradual, pasando de una imagen a otra.
Cross Dissolve es el efecto en el que una imagen se reemplaza sutilmente superponiendo otra imagen en la siguiente escena, de modo que la primera imagen se desvanece gradualmente hasta que desaparece, y la siguiente escena se desvanece de 0% a 100%. Usualmente se usa para mostrar una transición a otro lugar o para indicar un corto tiempo. Está ilustrado con líneas de punto de cruz.
A Ripple Dissolve es un efecto similar a las ondas de agua, y se ilustra utilizando líneas onduladas. Este tipo de distorsión de transición se usa generalmente para indicar un flashback de tiempo o para transportar a los espectadores a un evento o memoria imaginarios.
4. Cortes
Los cortes son simplemente cuando las tomas terminan y comienza la siguiente. Hay varios tipos de cortes.
Una toma de Cutaway es una toma de edición corta que no es parte de la primera toma, pero es seguida por regresar a la primera toma. Normalmente se usa para mostrar un avance en el tiempo o para condensar el tiempo en una escena.
Corte de salto es el corte de una toma a otra toma del mismo sujeto tomada desde la misma posición de la cámara, para hacer que la escena parezca "saltar" de forma repentina, como si saltara hacia adelante a tiempo. Se usa para dar una sensación de velocidad a un evento.
5. Barrido
Un barrido es cuando una toma reemplaza a otra y viaja de un lado de la pantalla al otro empujando la primera imagen fuera de pantalla.
Un Barrido de borde es una técnica de limpieza que pasa de una escena a la otra con un movimiento de barrido de izquierda a derecha o viceversa.
Un Barrido de reloj pasará de una escena a la otra a través de un reloj circular que limpia el movimiento.
6. Deslizar
Una transición de deslizar es similar a un barrido, pero se moverá de una escena a la otra moviéndose al siguiente marco de escena desde el lado derecho.
7. Iris
Una toma de iris es una técnica que generalmente se utiliza para finalizar una escena, en la que se cierra una máscara de círculo negro para finalizar la escena.
Un Barrido Iris es cuando una imagen se abre desde un área circular pequeña en la pantalla y se abre hacia afuera para revelar la imagen completa, también conocida como Iris Out.
Un Iris, también conocido como Iris-In, se usa a menudo para cerrar una escena, moviéndose desde afuera hacia adentro.
8. Morfear
Es cuando el sujeto en un marco de escena pasa o se disuelve a una nueva versión del sujeto en el cuadro.
¡Todo listo para Storyboarding!
Ahora está equipado con algunos términos de captura de cámara, referencias visuales y referencias del guión gráfico para ayudarlo a crear escenas más complejas.
No te excedas con la mezcla en demasiadas tomas diferentes. Depende de usted elegir las tomas de cámara correctas para ayudar a entregar su historia a la audiencia.
Sea creativo pero simple, dibuje algunas tomas artísticas y esté atento a cualquier problema antes de que se filme.
Al final, se trata de ser eficiente, profesional y entregar el mensaje correcto a los espectadores. Espero que hayan disfrutado siguiendo este tutorial y hayan aprendido algo nuevo. Siéntete libre de compartir cómo fueron tus storyboards en la sección de comentarios a continuación.
¡Feliz storyboarding!
