Spanish (Español) translation by Pat5 (you can also view the original English article)
Cuando consigues una tableta gráfica por primera vez, es difícil frenarte a ti mismo antes de ponerte a pintar todas las ideas que tienes en tu cabeza. Lo intentas, el resultado es peor de lo que esperabas, pero sigues intentándolo. A veces tienes la sensación de que tal vez deberías practicar antes de ponerte a pintar de verdad, ¡pero los ejercicios son tan aburridos! Tú quieres pintar un dragón, no un par de bloques sombreados.
¡Te entiendo! Por eso he preparado un conjunto de ejercicios que harán que aprendas sin tener que pintar cosas aburridas. Pinta lo que quieras utilizando cualquiera de estas técnicas, ¡y verás progresos enseguida!
1. Pinta Solo Con Luz
Normalmente empezamos con un lienzo blanco, pero eso es solo un vestigio del medio tradicional. Esta posición "por defecto" nos obliga a pintar tanto la luz como la sombra, aunque la sombra no sea realmente algo en sí — es la ausencia de luz (mira mi artículo sobre la luz y la sombra para aprender más).
Al empezar con un lienzo blanco, te estás forzando a ti mismo a pintar solo con luz, haciendo que la sombra sea lo que debería ser—un área sin luz.
Paso 1
Prepara un boceto para tu objeto.
Paso 2
Invierte los colores (en Photoshop puedes utilizar el atajo Control-I) y rellena el fondo de negro.
Paso 3
Reduce la Opacidad del boceto (haz que sea casi transparente).
Paso 4
Aquí es donde empieza la diversión. Define tu fuente de luz, deduce qué áreas alcanza, y píntalas de blanco.
Paso 5
Esa luz principal rebota contra el suelo, creando una luz ambiental debajo del objeto. Utilízala para sombrear el objeto un poco más, esta vez con una sombra más oscura.
Paso 6
¡Eso es todo! Puedes terminar el ejercicio aquí, o ir más allá y pulir el dibujo. Puedes dejarlo tal y como está, o utilizarlo como una capa de sombra (en modo Multiplicar) para una capa de color para crear un dibujo "normal".
2. Limita Tus Colores
Hay tantos colores en la rueda de colores de Photoshop, ¡que puede ser hasta mareante! Tampoco existe una guía para utilizarlos—todos parecen iguales, así que, ¿qué colores deberías escoger para empezar? ¿Verde? ¿Amarillo? ¿Verde amarillento?
La verdad es que la mayoría de los objetos tiene una paleta de colores limitada. Normalmente son dos o tres colores principales, y uno o dos colores para los detalles. Si utilizas más, puede que empiece a parecer falso.
Para practicar el uso de los colores sin gastar mucho tiempo seleccionándolos, prepara un esquema de colores antes de empezar:
- color principal 1
- color principal 2
- color para detalles 1
- color para detalles 2
Para hacerlo aún más fácil, crea las sombras para cada color:
- media luz (más oscuro, más azulado)
- sombra (aún más oscuro y más azulado)
- luz reflejada (un poco más claro que la media luz, más azulado y menos aturado)
Utiliza el ajuste de Tono/Saturación de Photoshop (Control-U) para crear estos tonos a partir del esquema principal.
Ahora, ¡olvídate de la rueda de color y empieza a pintar!
Paso 1
Pinta tu objeto con los colores de sombra.
Paso 2
Usa los colores de media luz para pintar todas las áreas que no sean huecos.
Paso 3
Usa el color principal para pintar las áreas directamente iluminadas.
Paso 4
Usa el color de luz reflejada en el lado opuesto al de la fuente de luz.
Paso 5
Termina el dibujo. Ahora puedes añadir otros colores aquí y allá, pero estos no deberían provocar cambios dramáticos.
Como puedes ver, planificar tu paleta de colores al principio hace que todo el proceso sea más rápido y más conveniente. También puedes probar cualquier combinación de colores antes de invertir tiempo y esfuerzo en un objeto detallado.
. 3. Copia Colores de la Realidad
Sueles escuchar a los profesionales decir: "Las fotos no son buenas referencias, usa la realidad en su lugar — aprenderás más". Esto es verdad, ¡pero raramente mencionan lo difícil que es!
Digamos que quieres pintar un determinado objeto. Para poder pintarlo, lo vemos como un conjunto de colores en varias áreas. ¿Por dónde empezar? ¿Qué color escoges primero? ¿Y cómo escogerlo, si se ve diferente en función de sus vecinos?
Si hubieras utilizado una fotografía, podrías usar la Herramienta Cuentagotas y ver qué tonos hay en la imagen. Seguramente te sorprenderías—¡encontrarías tonos que nunca habrías esperado ver ahí! Un objeto negro puede contener tonos de azul y amarillo, la piel humana blanca puede contener tonos verdes y violetas... ¡Tus ojos te están mintiendo!
Vamos a dejar la Herramienta Cuentagotas a un lado, y utilizar algo más educativo en su lugar.
Paso 1
Vas a necesitar una tarjeta, si es posible rígida y de un color neutral. Si no tienes una, puedes imprimirla utilizando 50%K.
Utiliza unas tijeras o un cúter para cortar dos agujeros cuadrados en ella. Uno de ellos debería ser de unos 10mm de alto, y el otro de unos 5mm.
Paso 2
Busca una escena que quieras pintar. Si lo consideras solo como un ejercicio, eres libre de sacar una foto y preparar el line art a partir de ella. Sin embargo, si tienes pensado publicar el resultado como algo más que un estudio, ¡puede que tus fans se sientan engañados!
Paso 3
Usa tu tarjera para separar un color del resto. Después trata de conseguir el mismo color en tu programa. Intenta mirar la tarjeta como si los colores estuvieran impresos en ella (cerrar un ojo puede ser de ayuda).
Utiliza el agujero más grande para áreas grandes, y el pequeño para las más pequeñas. También puedes utilizar los dos para hacer comparaciones cuando dos tonos parezcan idénticos a simple vista. Si un tono es demasiado pequeño para poder ser separado incluso con el agujero pequeño, significa que deberías pintarlo al final, cuando todos los tonos más grandes ya estén definidos.
Empieza con los colores que más abunden en la escena. Una vez que los has establecido, puede que ya no necesites la tarjeta—tus ojos tendrán la ayuda suficiente en tu pintura para ayudarte a escoger los colores ópticamente.
¡Eso es todo! Puede que sea terriblemente difícil al principio, pero con el tiempo te volverás tan eficiente en ver colores que ya no necesitarás la tarjeta. Este ejercicio es el mejor que hay para aprender los colores y las relaciones entre ellos. Al contrario que utilizando la Herramienta Cuentagotas, aquí decides conscientemente qué colores utilizar y dónde, y esa decisión permanece en la memoria.
Lo que puede que notes después de terminar este ejercicio es que tu mente empieza a analizar los colores a tu alrededor. Es una experiencia divertida, pero si te molesta, no te preocupes—¡con el tiempo se irá!
4. Pinta Utilizando un Pincel Grande
Pintamos para representar las visiones que tenemos en nuestra cabeza. Aunque esa visión parece estar completa desde el principio, pintar es un proceso, y debes hacerlo paso a paso—no hay modo de tenerlo todo hecho así como así.
Esto genera otro problema. Si quiero pintar un dragón, ¿por dónde empiezo? ¿Debería pintar primero las alas, o mejor los ojos? ¿Y qué hay de las escamas? ¿Y cuándo lo sombreo?
La solución a estos problemas está en los niveles de detalle. Empiezas a lo grande y menos definido, y luego vas a lo más pequeño y más detallado. Esto te permite mantener la uniformidad en tu pintura—nunca debes tener una cabeza detallada por un lado y una pata esbozada por el otro. Tampoco deberías malgastar tiempo buscando "el pincel perfecto". ¡Escoge uno grande y empieza a pintar!
Este ejercicio es muy corto. A partir de ahora, empieza todas tus pinturas con un pincel grande e irregular. Luego úsalo para establecer la iluminación, y si ves que algo bueno está naciendo, continúa como siempre. Si no, empieza de nuevo—no lleva mucho tiempo. Este método no te garantiza el éxito en todos tus trabajos, pero te da la oportunidad de aprender de los fallidos antes de invertir tiempo en ellos.
Para que quede claro, cuando digo "pincel grande" no hablo de trazos grandes—estos deberían ser grandes en proporción al objeto. Así que, si quieres prepararte para pintar una serie de "bocetos rápidos", ¡puede que tu pincel sea bastante pequeño!
5. Sombrea Sin una Fuente de Luz Direccional
Cuando aprendes sobre el sombreado y la iluminación, sueles empezar escogiendo una fuente de luz. Una vez que sabes dónde está, sabes qué partes del objeto deberían estar iluminadas, y cuáles oscurecidas por la sombra.
Sin embargo, si miras a tu alrededor, verás que los objetos rara vez están claramente iluminados por una sola fuente de luz en una dirección definida. Suelen estar inundados de luz ambiental—un tipo de luz que puede que provenga de una sola dirección, pero que luego se distribuye por todo, lo que hace que parezca que esté "por todas partes".
Si quieres sombrear tus objetos de manera natural en vez de dramáticamente, necesitas dominar esta manera de iluminar. ¡Es muy simple, una vez la conoces!
Para usar este ejercicio solo necesitas comprender una regla. Normalmente sombreamos un objeto con dos luces: la luz principal y la luz reflejada. Todo lo que hay entremedio es sombra.
Una idea mejor para escenarios más realistas es sombrear el objeto incluso antes de introducir las luces. Para hacerlo, utiliza un tono ligeramente más claro al del color de sombra y pinta todo lo que no sea un hueco o algo similar.
Si lo haces correctamente, tu objeto durante la primera fase de iluminado debería parecerse más a 2 que a 1.
¡Eso es todo el ejercicio! Si no has pillado la regla, aquí la pongo de nuevo: antes de empezar a sombrear de la manera clásica, imagina que hay una luz sutil por todas partes e ilumina el objeto en base a ella. Solo entonces podrás empezar a sombrear. ¡Puede que descubras que tu dibujo ni siquiera necesita una luz tan potente como creías!
6. Estudia Antes de Pintar
"Wow, este pájaro es increíble, ¡voy a pintar un grifo con estos colores! ¡Va a quedar impresionante!" Abres Photoshop y... ¡para! No empieces a pintar todavía. Pregúntate a ti mismo: ¿alguna vez he dibujado un pájaro? ¿O un gato grande? Puede que un grifo sea una criatura imaginaria, pero sus partes se basan en las de criaturas reales. No puedes pintar algo y decirle a alguien que es el pico de un grifo cuando ni siquiera se parece a ningún pico, solo porque "los grifos no existen, así que tú qué sabrás si..."
Si nunca has dibujado algo, no esperes que te salga bien a la primera. Puede que seas capaz de reconocer un águila cuando veas una, pero eso no significa que sepas cómo dibujar algo tan reconocible como un águila. Si nunca le has prestado atención, ¡no puedes saberlo! Puedes aprender más sobre este fenómeno en mi artículo ¿Por qué Es Tan Difícil Dibujar Desde la Imaginación?
Si piensas que puedes dibujarlo, pruébalo antes de empezar. Haz un boceto del ala de un águila o de las patas de un león. ¿Ha sido fácil? Genial, ya puedes empezar tu maravillosa obra nueva. ¿Ha sido difícil/imposible de hacer? ¡Genial! Te acabas de ahorrar horas de trabajo en una pintura que no eres capaz de pintar correctamente (todavía).
Haz este ejercicio cada vez que quieras pintar alguna gran idea nueva. Descubre de qué elementos se compone, y luego haz un boceto de cada uno por separado. Si están correctos, eres libre de empezar. Si no, reúne muchas referencias y ponte a dibujar, muchísimo. Puedes encontrar ejercicios hechos específicamentes para esto en mi artículo sobre construir una base de datos visual.
El tema no es lo único que deberías estudiar antes de pintar. Practica la luz, los colores, la composición...¡No dejes que tu futura obra maestra sea un simple laboratorio de pruebas para tus habilidades!
7. Aprende los Valores de los Colores
Si empiezas a pintar en escala de grises y añades los colores después, puedes hacer que el proceso sea más fácil y menos confuso. Sin embargo, esto hace que ignores una parte importante de la composición—el valor.
Los colores tienen un brillo determinado, pero también tienen un valor—el azul más claro siempre será más oscuro que el amarillo más claro. He explicado esto en detalle en mi artículo Cómo Dominar los Valores, así que échale un vistazo si quieres saber más. Aquí te enseñaré un ejercicio que puedes incorporar a tus pinturas "normales".
Si conviertes la rueda de colores clásica a la escala de grises, verás esto:
Puede que parezca confuso, pero necesitas comprender que el verde es un gris claro, el rojo es un gris medio, y el azul es un gris oscuro. El resto de colores que son una mezcla de estos también son una mezcla de sus valores, así que es fácil calcular su valor propio.
¿Por qué es tan importante? Digamos que has pintado este pájaro en escala de grises:
Ahora quieres añadirle estos colores:
Empiezas a pintar estos colores en una capa separada, y luego cambias su Modo de Fusión a Color. Y... esto es lo que pasa:
¿Por qué? Los colores se han ajustado a la capa de sombreado, que no contiene ninguna información sobre el valor. Por ejemplo, el azul sobre un tono claro se hace más claro reduciendo su Saturación. Y funciona—el azul se hace más claro, pero no de la manera que querías. ¡Pero Photoshop no puede leer tu mente!
Para arreglar esto, antes de añadir los colores usa Multiplicar Capa para "colorear" el objeto con grises. Utiliza un gris oscuro en vez de azul, el gris claro en vez de verde, y así.
Si añades los colores ahora, ¡será como magia!
Lo mejor de entender los valores es que te permite planificar el impacto final de los colores. Nuestros ojos buscan el contraste primero, y los colores son menos importantes. No importa lo colorido que sea tu dibujo, si los valores están mal no "funcionará" adecuadamente para los espectadores.
Los valores no solo son importantes para pintar en escala de grises—incluso si quieres pintar con colores en una sola vez, debes comprender ese cuarto atributo que se esconde detrás del Tono, la Saturación, y el Brillo. Recuerda: para los ojos no solo es "azul" o "amarillo"—¡es "oscuro" y "claro"!
¡Eso es Todo!
¡Espero que estos ejercicios te permitan ver progresos rápidos! Si te ha gustado este tutorial y tienes ganas de más, también puedes echarle un vistazo a 10 Errores Básicos en Pintura Digital y Cómo Solucionarlos. O, si quieres algo más práctico, prueba uno de mis tutoriales de pintura digital como por ejemplo Cómo Borrar las Líneas de un Dibujo o Crea una Mascota Peluda.
By
