5 Habilidades fundamentales que todo artista debería dominar

Como artista, tu trabajo es sumergir a tus espectadores en un mundo que has construido y guiarlos de forma segura a través de él. Los artistas tienen mucho en común con los cuenta cuentos Los narradores tienen varios trucos que utilizan para que sus lectores vuelvan por más. Al igual que los narradores de cuentos, los artistas pueden usar trucos similares para ayudarlos a producir ilustraciones más atractivas. En este artículo, explicaremos 5 habilidades fundamentales que todo artista debe dominar. ¡Vamos a ver!

1. Composición 

El aspecto más importante del arte para mí personalmente es la composición.  Establece el escenario para todo lo demás.  Esta es su forma de guiar y llevar al espectador para que se sienta como si estuviera realmente en tu mundo. Si esta parte del proceso no se crea y controla adecuadamente, todo lo demás puede y probablemente se desmorone.  Eso no quiere decir que tengas que seguir cada pequeña regla de composición que encuentres.  De hecho, muchos las han roto y creado obras de arte muy exitosas. Es saber cómo y cuándo romperlas lo que te permitirá hacerlo con éxito. Pero antes de intentar algo como eso, primero debes aprender las reglas y ver cómo funcionan ...

La Regla de los Tercios 

Esta es la técnica de composición más simple y más utilizada, es la que uso mas yo en mis composiciones. Por que es simple de aprender, es la que recomiendo a utiliza a principiantes y aquellos que son nuevos en los fundamentos de composición. Cuando se usa, dividirá la imagen en 9 partes iguales separadas por dos líneas horizontales y verticales.

La idea principal detrás de esto es colocar tu elemento / objeto más importante en una de las intersecciones donde las líneas convergen (los + 's), así como a lo largo o cerca de la línea vertical dondequiera que se encuentre tu punto principal.

Se cree que cuando se usa esto y su sujeto / focal se sienta en uno de estos puntos, crea más interés en su imagen en lugar de centrarla.

Icónico

A diferencia de lo que se dijo anteriormente, esta composición particular establece el punto focal directamente en el centro de la imagen.  Aunque se usa principalmente para piezas basadas en caracteres, eso no significa que no se pueda usar para otros medios, sino que también explica por qué se desea un punto focal central.

Para los artistas de personajes, uno de sus objetivos es colocar al personaje justo frente a ti y atraer tanta atención a él como sea posible. No hay mejor manera que el ponerlos en el centro de las cosas. Por eso esta composición es muy atractiva para los personajes (no dejes que eso te impida experimentar).

Además del enfoque central, la guía en forma de diamante nos muestra dónde debemos colocar la mayor parte de nuestra atención y detalle.   Obviamente, el espectador no verá su trabajo con estas guías, por lo que debe mostrarles lo que es más importante en su pieza a través de la iluminación, el color, los detalles y muchas otras cosas. Cualquier cosa fuera de ese diamante no sera tan importante y no debería atraer tanta o más atención que lo que está dentro de ella.

Puedes utilizar estas guías básicas como punto de partida para composiciones más complejas o para crear una pieza completa. La elección depende de ti, pero mi sugerencia es aprender sobre ellos por completo antes de tomar composiciones más complejas. Además, hay más reglas de composición y ejemplos que muestran muchos otros puntos que los que aquí menciono. Te animo a buscarlos y leerlos.

Regla de la mirada

Ahora, echemos un vistazo a algunos otros ejemplos de cómo dirigir el ojo del espectador al punto focal.

In PI-2, puedes ver ver como la luz inmediatamente capta tu atención lo que hace que sea el punto de enfoque de tu composición. Otros factores de esto son el color, la ubicación dentro de la composición (regla de los tercios) y debido a que casi todos en la escena están mirando el punto focal, crea una línea implícita y también lo hace a usted. Sin embargo, lo que nos mantiene encerrados en el punto focal aquí es el movimiento circular de las personas que flotan en el aire. 

En Crysis 2 (abajo), el artista usó luz, color y ubicación dentro de la composición para guiar el punto focal.  Las luces más obvias y hermosas provienen de los focos y los faros del vehículo, que apuntan hacia el punto focal  En segundo lugar, usted tiene los disparos de las armas que convergen en él, dirigiendo su ojo directamente hacia él. Por último, el artista usó la regla de los tercios para la ubicación en esta composición.  Podría hacerse de otro punto acerca de la cantidad de la acción que se está llevando a cabo dentro de esa área. Todo esto ha llevado a una pieza exitosa que define claramente el punto focal y las áreas que lo rodean. 

En la pieza a continuación, el artista utiliza los pasillos que se forman alrededor del pilar para llevar al espectador al punto focal.  Mientras los dragones vuelan alrededor, los seguimos, lo que nos mantiene en esta área por más tiempo. Debido a que el pilar está en la sombra y la luz brillante está directamente detrás de él, el artista también ha utilizado los valores y el contraste para que se destaque aún más. 

En la obra de arte a continuación, utilicé una serie de elementos para dirigir la atención del espectador hacia el punto focal (el castillo). El arco en el fondo y el puente sobre la cascada van directamente al castillo.  Como la imagen tiene un ángulo leve, parece que todas las montañas conducen al castillo, lo que ayuda a apuntar al espectador en esa dirección también.  Otra cosa que ayuda a que el castillo se destaque es el color utilizado en la parte superior, que contrasta con los amarillos, verdes y rojos que lo rodean. 

En la imagen a continuación, he mostrado cómo puedes evitar que el ojo del espectador escape fácilmente de la imagen a través del encuadre.  Probablemente puedas ver cómo funciona esto simplemente mirando la imagen. Pero lo que hice aquí fue usar las partes del "brazo" que están saliendo de la entidad roja como una forma de enmarcar la imagen. Esta técnica se puede utilizar para "bloquear" al espectador en la pieza y mantenerlos por más tiempo.  Puede ser exagerado, pero si lo mantienes a un nivel razonable, puede ser útil.  Una desventaja de esto, especialmente si se usa en exceso, es que puede volverse molesto y hacer que el espectador quiera irse antes.

2. Perspectiva

Todo tiene una perspectiva. Al pararte en la calle, mira a tu alrededor y observa de qué lado de los edificios puede ver y por qué los vea a todos desde diferentes puntos de vista. Luego, mientras estás en eso, ve hacia adelante y mira hacia un camino, ¿por qué todo parece hacerse más pequeño estando más lejos de ti? Todas estas cosas tienen que ver con la perspectiva de esos objetos y su punto de vista. 

Las perspectivas son una habilidad esencial para aprender, por razones arquitectónicas, ambientales y muchas otras.  Nos proporcionan una forma de crear y construir elementos y objetos y colocarlos correctamente dentro del plano de la imagen.  Las perspectivas dependen de la línea del horizonte (o a veces llamada línea del nivel del ojo) para encontrar lo que se llama Punto de fuga. Los puntos de fuga son donde se originarán sus líneas de perspectiva (ver ejemplos a continuación). 

Perspectiva de un punto 

Esta es la más simple de todas las perspectivas para aprender, pero una que no se usa mucho debido a sus limitaciones.  Dicho eso, puede ser muy beneficioso, dependiendo de la escena que estés creando.  En esta perspectiva, hay un único punto de fuga que se remonta a la línea del horizonte, al cual el objeto está retrocediendo.

Perspectiva de dos puntos

Cuando más de un lado de su objeto está retrocediendo a áreas múltiples, necesitará usar un sistema de perspectiva de dos puntos. Cuando lo use, creará dos puntos de fuga, cada uno en un lado del objeto / elemento. Estos puntos se originarán nuevamente en la línea del horizonte, y las líneas de perspectiva se ejecutarán desde este punto hasta el objeto.  Allí es donde realmente puedes comenzar a ver las perspectivas cambiar.

La mayoría de las veces tu punto de fuga estará fuera de tu imagen, pero no te preocupes. Si trabajas tradicionalmente, siempre puedes usar papel extra para medir la distancia exacta. Si trabajas digitalmente, extiende tu lienzo hasta que encuentres tu punto de fuga.

Perspectiva de tres puntos

El sistema de tres puntos se usa cuando realmente quieres transmitir una situación extrema. Puede ser útil para escenas que son lúdicas (haciendo una escena desde la vista de un pájaro o de un perro), emocionantes (acción) y muchas más. Para lograr esta perspectiva, usarás exactamente el mismo sistema desde el punto dos, pero agregarás un tercer punto de fuga que está arriba y abajo del objeto / elemento.

El tercer punto actúa exactamente igual que los otros dos, así que no te confundas, no hay nada furtivo al respecto. La única diferencia aquí es que la parte superior o inferior (las verticales) de tu objeto se adherirá y retrocederá hasta este punto. Que es lo que nos da esa apariencia deformada.

Veamos algunos ejemplos que muestran un gran uso de la perspectiva:

3. Valor

Los valores son el rango de brillo y oscuridad dentro de su imagen.  Son blancos, negros y todo lo demás. Incluso con el color, qué tan oscuro o claro es ese color (matices o sombras) es un valor. Cuanto más cerca esté algo en primer plano, más oscuro aparecerá (dependiendo de la iluminación y de otras cosas, por supuesto), cualquier cosa que se aleje de él gradualmente se volverá más clara a medida que desaparezca en el horizonte (en términos de paisajes). Observa el gráfico siguiente y úsalo como referencia para cuando lo analicemos a fondo más abajo.

Incluso más que los colores, los valores de tu trabajo son uno de los elementos más importantes para saber si tu pieza será exitosa o no. Si los valores no se leen correctamente (pudiendo distinguir FG de MG a BG, y / o el punto focal del área circundante), entonces no importará qué tan buena sea tu composición, iluminación y colores, la pieza como un todo fallará porque los valores no se leen correctamente.

Entonces, ¿qué quiero decir con que puedan leer se correctamente? Bien, echemos un vistazo.  La imagen a continuación es un estudio de valor de Claire Almon que se hizo para una de sus piezas de María Antonieta (más información con color se publica debajo de esta imagen). Toma nota de todos los diferentes valores dentro de la imagen y cómo puede distinguir claramente cada elemento del otro. Los valores ayudan a determinar la iluminación general en la escena y cómo se ve un objeto contra otro (lo que puede ayudar con la composición y una lista completa de otras cosas).

Sin embargo, lo más importante es que los valores separan las distancias dentro del plano de tierra, y es con esta separación, cuando como se realiza correctamente, permite al espectador leer tu trabajo de la manera en que lo deseas y dirigir su mirada al punto focal. Es desde aquí que puedes trabajar y comenzar a finalizar tus esquemas de color como se muestra a continuación.

Aquí hay un par de ejemplos más de cómo usar los valores correctamente. Tome nota de los diferentes valores utilizados en una sola imagen / diseño para ayudar a distinguir cada elemento.

4. Color

Al igual que la iluminación, el color de tu pieza depende de muchas cosas; la hora del día, la temporada, la ubicación, etc. Es importante hacer la determinación del esquema de color desde el principio, incluso desde la planeacion si es posible. Recuerda que las cosas siempre cambian y evolucionan, por lo que los colores de tu pieza también lo harán. Como con todo, el hecho de que algo se vea bien en un punto, no necesariamente significa que siempre lo hará. Así que no temas mezclar cosas en el camino y encontrar algo que se adapte mejor a lo que estás trabajando. Ten en cuenta que es muy fácil ir por la borda con el color también, así que aprende a distinguir cuándo no meterse con él.

Saber cómo elegir tu combinación de colores depende de la hora del día, el clima / cielo, la estación del año en que te encuentres y si estás o no en un planeta extraño o en el espacio. Hay innumerables cosas que pueden ayudarte a darle forma a los colores de tu pintura, por lo que es mejor tener una idea clara lo más pronto para minimizar dolores de cabeza antes de pasar a las etapas finales.

El color que elijas debe mostrar cualquier emoción o situación que desees transmitir al espectador. Si tienes una pieza divertida o de acción, los colores brillantes y vibrantes podrían ser tu mejor opción para mostrar ese sentido de la acción y la intensidad. Si buscas algo un poco más temperamental y retraído, puedes optar por un esquema de color general más oscuro y menos saturado, pero que su punto focal sea más vibrante que las otras partes. Hay muchas variables que pueden otorgarle al tipo de color que usas para tu pieza. Tu trabajo es descubrir cuál de ellos funcionará mejor. 

Aquí hay algunos ejemplos de cómo el color se usa efectivamente para ayudar a contar historias, a transmitir emociones y a guiar el ojo del espectador:

En la imagen de GOLEM, el artista ha creado un color fuerte alrededor del punto focal, lo que significa claramente dónde debe ponerse la mayor parte de tu atención. Los colores que rodean la figura del juguete confieren a la naturaleza lúdica de esta pieza, además de agregar una capa de misterio y fantasía. Las partes externas de la composición tienen tonos tierra, que no están demasiado saturados.  Esto ayuda al punto focal a mantenerse separado del resto de la imagen (manteniendo el equilibrio) y permite explorar completamente el lado lúdico del objecto / tema.

Aquí tenemos un contraste de color, que hace que el punto focal se destaque.  Esta es una de las formas más utilizadas de usar el color para lograr una buena composición porque es tanto efectiva como dramática en términos de composición y narración de cuentos.

En esta pieza, utilicé las pantallas holográficas en las almohadillas de aterrizaje para diferenciarlas de todos los demás elementos de la escena. Dado que es la parte más saturada de la composición, sabía que el ojo del espectador siempre gravitaría de regreso a esta área porque era lo más interesante. También quería dar la sensación de un trabajo de ciencia ficción más antiguo, así que me mantuve alejado de colores realmente vibrantes.

5. Iluminación

Como todos los elementos principales del arte, la iluminación es crucial.  Principalmente porque el espectador promedio sabe qué aspecto tiene la iluminación realista, incluso si no saben exactamente qué es lo que la hace parecer real. Por lo general, pueden decir si algo está funcionando o no.  A veces puedes tener suerte y engañarlos, pero la mayoría de las veces puede romper tu tiro y hacer que todo el trabajo duro que se puso en tu pieza sea tiempo y trabajo perdido. Y eso definitivamente no es lo que queremos. 

Entonces, para saber cómo reacciona la luz al medio ambiente y a los diferentes materiales, sal y estudia. Si estás basando una pieza en la iluminacion de algo por ejemplo Matte painting, estudia hasta que puedas decirle a otra persona con confianza cómo se ve, se siente y funciona. Usar fotos está bien, pero hay una fuente casi infinita justo afuera de esas paredes que está esperando por ti.

Al igual que el color, la iluminación puede transmitir mucha emoción y profundidad.  Echemos un vistazo a cómo se puede lograr esto. 

Una vez más, en la imagen de abajo, hay una fuerte iluminación que se proyecta sobre el punto focal. Las sombras en el primer plano crean profundidad en la imagen y permiten al espectador obtener una vista clara del área focal sin que el primer plano pase desapercibido. Debido a que el primer plano está en una sombra casi completa y el medio es donde vemos la mayor parte de nuestra luz, esto permite que el espectador tenga un mayor impacto en el punto focal y lo que está sucediendo en la escena. Casi inmediatamente ven la destrucción del mundo a su alrededor como si estuvieran allí en la calle.

Siendo un maestro de su oficio, esta pieza de Dylan Cole no es una excepción.  Tanto el primer plano como el fondo se iluminan para mostrar todo el trabajo que se realizó en él, mientras que la composición lo empuja el fondo hacia el punto focal.

Conclusión

Entonces, ahora que hemos cubierto todos estos temas, estoy seguro de que te estás preguntando cómo usarlos e incorporarlos a tu trabajo. Esto, al igual que cualquier otra cosa, se trata de familiarizarte con ellos y practicar hasta que tengas una comprensión clara de lo que son y cómo usarlos adecuadamente. Recuerda que todos aprendemos de manera diferente, por lo tanto, si no te resulta fácil, no te desanimes. Solo sigue presionando con pequeños estudios de cada uno de estos temas. Después de un tiempo de hacerlas, notarás cosas que antes no tenías y es entonces cuando comenzarás a aprender y realmente te empujaras a experimentar en tu trabajo.

Gracias por tomarte el tiempo para leer este artículo. Realmente espero que puedas aprovechar esto, y puedas aplicarlo a tu trabajo y aprender de él. Solo recuerda que cada gran artista que admiras comenzó desde abajo y tuvo que abrirse camino a través de todas estas habilidades. Continúa empujándote en la dirección correcta con un objetivo fuerte en mente y puedes ser grandioso en lo que haces.