German (Deutsch) translation by Katharina Grigorovich-Nevolina (you can also view the original English article)
Als Künstler besteht Ihre Aufgabe darin, Ihre Zuschauer in eine von Ihnen gebaute Welt einzutauchen und sie sicher durch sie zu führen. Künstler haben viel mit Geschichtenerzählern gemeinsam. Geschichtenerzähler haben mehrere Tricks, mit denen sie ihre Leser dazu bringen, mehr zu bekommen. Ähnlich wie Geschichtenerzähler können Künstler ähnliche Tricks verwenden, um sie dabei zu unterstützen, faszinierendere Kunstwerke zu produzieren. In diesem Artikel werden wir 5 grundlegende Fähigkeiten erklären, die jeder Künstler beherrschen sollte. Lass uns einen Blick darauf werfen!
1. Zusammensetzung
Der wichtigste Aspekt der Kunst ist für mich persönlich die Komposition. Es schafft die Bühne für alles andere. Auf diese Weise können Sie den Betrachter so führen, dass er das Gefühl hat, tatsächlich in Ihrem Bild zu sein. Wenn dieser Teil des Prozesses nicht ordnungsgemäß erstellt und gesteuert wird, kann und wird alles andere möglicherweise auseinanderfallen. Das bedeutet nicht, dass Sie jede kleine Regel befolgen müssen. Tatsächlich haben viele sie gebrochen und sehr erfolgreiche Kunstwerke geschaffen. Es ist zu wissen, wie und wann man sie brechen kann, um es erfolgreich zu machen. Aber bevor Sie so etwas versuchen, müssen Sie zuerst die Regeln lernen und sehen, wie sie funktionieren und funktionieren.
Drittel-Regel
Das ist die einfachste und meist verwendete Kompositionstechnik, die ich selbst häufig benutze. Weil es einfach zu lernen ist, ist es etwas, das für Anfänger und für Anfänger empfohlen wird, die sich mit den Grundlagen der Komposition noch nicht auskennen. Bei Verwendung wird das Bild in 9 gleiche Teile unterteilt, die durch zwei horizontale und vertikale Linien getrennt sind.
Die Hauptidee dahinter ist, Ihr wichtigstes Element/Objekt an einer der Kreuzungen zu platzieren, an der die Linien zusammenlaufen (die Pluszeichen) sowie entlang oder nahe der vertikalen Linie der Stelle, an der sich Ihr Fokus befindet.
Es wird vermutet, dass, wenn dies verwendet wird und sich Ihr Motiv/Fokus auf einem dieser Punkte befindet, mehr Interesse für Ihr Bild entsteht, als dass es zentriert wird.
Ikonisch
Im Gegensatz zu dem oben Gesagten setzt diese bestimmte Komposition den Brennpunkt direkt in die Mitte des Bildes. Obwohl es meistens für zeichenbasierte Stücke verwendet wird, bedeutet dies nicht, dass es nicht für andere Mittel verwendet werden kann, sondern es erklärt auch, warum ein zentraler Fokus erwünscht ist.
Für Charakterkünstler besteht eines ihrer Ziele darin, den Charakter direkt vor Ihnen zu platzieren und möglichst viel Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Es gibt keinen besseren Weg, als sie in den Mittelpunkt der Dinge zu stellen. Aus diesem Grund ist diese Komposition für Charaktere besonders ansprechend (aber lassen Sie sich auch hier nicht vom Experimentieren abbringen).
Neben dem zentralen Fokus zeigt die rautenförmige Führung, wo wir unsere Aufmerksamkeit und unser Detail am meisten einsetzen sollten. Der Betrachter wird Ihre Arbeit mit diesen Anleitungen offensichtlich nicht sehen können, also müssen Sie ihnen zeigen, was in Ihrem Stück am wichtigsten ist, und zwar durch Beleuchtung, Farbe, Details und viele andere Dinge. Alles, was sich außerhalb dieses Diamanten befindet, ist bei weitem nicht so wichtig und sollte nicht so viel oder mehr Aufmerksamkeit auf sich ziehen als das, was sich darin befindet.
Sie können diese grundlegenden Anleitungen entweder als Ausgangspunkt für komplexere Kompositionen oder zum Erstellen eines ganzen Stücks verwenden. Die Wahl liegt bei Ihnen, aber ich empfehle Ihnen, sie vollständig kennenzulernen, bevor Sie komplexere Kompositionen annehmen. Außerdem gibt es mehr Kompositionsregeln und Beispiele, die viele andere Punkte ansprechen, als die, die ich hier aufführe. Ich ermutige Sie, sie herauszufinden und zu lesen.
Das Auge führen
Sehen wir uns nun einige weitere Beispiele an, wie man das Auge des Betrachters auf den Brennpunkt richten kann.
In PI-2 können Sie sehen, wie das Licht das Auge aufgrund der Stärke und Intensität sofort in den Brennpunkt bringt. Andere Faktoren sind Farbe, Platzierung innerhalb der Komposition (Drittel-Regel) und da fast jeder in der Szene auf den Brennpunkt schaut, entsteht eine implizierte Linie, die auch Sie dazu bringt. Was uns hier jedoch im Brennpunkt hält, ist die kreisförmige Bewegung der in der Luft schwebenden Menschen.
Crysis 2 (unten) verwendete der Künstler Licht, Farbe und Platzierung innerhalb der Komposition, um den Fokus zu lenken. Die augenfälligsten und schönsten Lichter kommen von den Scheinwerfern und Scheinwerfern aus dem Fahrzeug, die alle auf den Brennpunkt zeigen. Zweitens haben Sie Schüsse aus den Waffen, die darauf konvergieren und Ihren Blick direkt darauf richten. Schließlich verwendete der Künstler die Drittelregel für die Platzierung in dieser Komposition. Ein weiterer Punkt könnte darauf hingewiesen werden, wie viele Maßnahmen in diesem Bereich stattfinden. All das hat zu einem erfolgreichen Stück geführt, das den Schwerpunkt und die umliegenden Bereiche klar definiert.
In dem folgenden Stück verwendet der Künstler die Fußwege, die sich um die Säule herum bilden, um den Betrachter in den Brennpunkt zu führen. Während die Drachen um sie herum fliegen, folgen wir ihnen, was uns länger in dieser Gegend hält. Da sich die Säule im Schatten befindet und direkt hinter ihr helles Licht steht, hat der Künstler auch Werte und Kontrast verwendet, um ihn noch weiter hervorzuheben.
In dem Kunstwerk unten habe ich eine Reihe von Elementen verwendet, um die Aufmerksamkeit des Betrachters auf den Brennpunkt (die Burg) zu lenken. Der Bogen im Hintergrund und die Brücke über den Wasserfall führen direkt in die Burg. Da das Bild einen leichten Winkel hat, scheinen alle Berge zur Burg zu führen, wodurch der Betrachter auch in diese Richtung weisen kann. Eine weitere Sache, die das Schloss hervorstechen lässt, ist die Farbe, die auf den Gipfeln verwendet wird. Dies steht im Kontrast zu den Gelb-, Grün- und Rottönen, die es umgeben.
In dem Bild unten habe ich gezeigt, wie Sie verhindern können, dass das Auge des Betrachters durch Framing leicht aus dem Bild entkommt. Sie können wahrscheinlich sehen, wie dies funktioniert, wenn Sie das Bild betrachten. Aber was ich hier gemacht habe, war die Verwendung der "Arm" -Teile, die aus dem roten Element kommen, um das Bild zu rahmen. Diese Technik kann verwendet werden, um den Betrachter im Stück zu "sperren" und länger zu halten. Es kann übertrieben werden, aber wenn Sie es auf einem vernünftigen Niveau halten, kann es nützlich sein. Ein Nachteil ist, vor allem bei Überbeanspruchung, dass es ärgerlich werden kann und der Betrachter früher gehen möchte.
2. Perspektive
Alles hat eine Perspektive. Schauen Sie sich auf der Straße um und sehen Sie, welche Seite der Gebäude Sie sehen können und warum Sie sie alle aus verschiedenen Blickwinkeln sehen. Wenn Sie gerade dabei sind, schauen Sie eine Straße hinunter. Warum scheint alles kleiner zu werden, je weiter es von Ihnen entfernt ist? All diese Dinge müssen sich mit der Perspektive dieser Objekte und Ihrem Standpunkt beschäftigen.
Perspektiven sind eine wesentliche Fähigkeit zum Erlernen aus architektonischen, ökologischen und vielen anderen Gründen. Sie bieten uns die Möglichkeit, Elemente und Objekte zu erstellen und zu erstellen und diese korrekt in der Bildebene zu platzieren. Perspektiven verlassen sich auf die Horizontlinie (oder manchmal auch auf Augenhöhe), um einen sogenannten Fluchtpunkt zu finden. Fluchtpunkte sind der Ursprung Ihrer perspektivischen Linien (sehen Sie Beispiele).
Ein-Punkt-Perspektive
Das ist die einfachste aller zu erlernenden Perspektiven, die jedoch aufgrund ihrer Einschränkungen nicht häufig verwendet wird. Davon abgesehen kann es sehr vorteilhaft sein, je nachdem, welche Szene Sie erstellen. In dieser Perspektive gibt es einen einzelnen Fluchtpunkt, der auf die Horizontlinie zurückgeht, auf die das Objekt zurückgeht.
Zwei-Punkte-Perspektive
Wenn mehr als eine Seite Ihres Objekts in mehrere Bereiche zurückspringt, müssen Sie ein Zwei-Punkt-Perspektivensystem verwenden. Bei Verwendung erstellen Sie zwei Fluchtpunkte auf jeder Seite des Objekts/Elements. Diese Punkte werden wieder von der Horizontlinie ausgehen, und die Perspektivlinien verlaufen von diesem Punkt bis zum Objekt. Dort kann man wirklich beginnen, Perspektiven zu verändern.
Meistens befindet sich Ihr Fluchtpunkt außerhalb Ihres Bildes, aber machen Sie sich keine Sorgen. Wenn Sie traditionell arbeiten, können Sie immer zusätzliches Papier verwenden, um die genaue Entfernung zu messen. Wenn Sie digital arbeiten, ziehen Sie die Leinwand so weit heraus, bis Sie Ihren Fluchtpunkt finden.
Drei-Punkte-Perspektive
Das Dreipunktsystem wird verwendet, wenn Sie eine extreme Situation wirklich vermitteln möchten. Das kann für Szenen hilfreich sein, die spielerisch sind (eine Szene aus der Vogelperspektive oder aus der Vogelperspektive), aufregend (Action) und vieles mehr. Um diese Perspektive zu erreichen, verwenden Sie dasselbe System vom Zweipunkt aus, fügen jedoch einen dritten Fluchtpunkt hinzu, der sich entweder oberhalb und unterhalb des Objekts/Elements befindet.
Der dritte Punkt verhält sich genauso wie die anderen beiden, also lass dich nicht davon stolpern, da ist nichts hinterlistig. Der einzige Unterschied besteht darin, dass die Ober- oder Unterseite (die Vertikalen) Ihres Objekts an diesem Punkt haften bleiben und wieder zurückgehen. Welches verleiht uns dieses verzogene Aussehen und Gefühl.
Schauen wir uns einige Beispiele an, die einen guten Einsatz von Perspektive zeigen:
3. Wert
Werte sind der Bereich der Helligkeit und Dunkelheit in Ihrem Bild. Sie sind weiß, schwarz und alles dazwischen. Auch bei Farbe ist es ein Wert, wie dunkel oder hell diese Farbe ist (Tönungen oder Schattierungen). Je näher sich etwas im Vordergrund befindet, desto dunkler wird es (je nach Beleuchtung und anderen Dingen natürlich). Alles, was sich von ihm entfernt, wird allmählich heller, wenn es in den Horizont übergeht (in Bezug auf die Landschaft). Schauen Sie sich die Grafik unten an und verwenden Sie sie als Referenz, wenn Sie das weiter unten ausführlicher besprechen.
Noch mehr als bei den Farben sind die Werte Ihrer Arbeit eines der wichtigsten Elemente für den Erfolg Ihres Stücks. Wenn die Werte nicht korrekt gelesen werden (FG von MG in BG und/oder den Fokus von der Umgebung unterscheiden können), spielt es keine Rolle, wie groß Ihre Komposition, Beleuchtung und Farben sind Ganzes scheitert, weil die Werte nicht richtig gelesen werden.
Was meine ich damit, dass sie richtig lesen können? Nun, schauen wir uns mal um. Das Bild unten ist eine Wertstudie von Claire Almon, die für eine ihrer Marie Antoinette-Stücke erstellt wurde (weitere WIP mit Farbe ist unter diesem Bild angegeben). Beachten Sie alle unterschiedlichen Werte innerhalb des Bildes und wie Sie jedes Element klar voneinander unterscheiden können. Mithilfe von Werten können Sie die Gesamtbeleuchtung in Ihrer Szene bestimmen und bestimmen, wie ein Objekt gegen ein anderes aussieht (was bei der Komposition und einer ganzen Liste von Dingen hilfreich sein kann).
Noch wichtiger ist jedoch, dass die Werte die Entfernungen innerhalb der Bodenebene voneinander trennen, und bei dieser Trennung kann der Betrachter, wenn er richtig ausgeführt wird, Ihre Arbeit wie beabsichtigt lesen und ihr Auge zum Brennpunkt führen. Von hier aus können Sie dann Ihre Farbschemata bearbeiten und mit der Fertigstellung beginnen (sehen Sie unten).
Hier sind ein paar weitere Beispiele für die korrekte Verwendung von Werten. Beachten Sie die unterschiedlichen Werte, die in einem Bild/Design verwendet werden, um jedes Element voneinander unterscheiden zu können.
4. Farbe
Ähnlich wie beim Licht hängt die Farbe Ihres Stücks von vielen Dingen ab. die Tageszeit, Jahreszeit, Ort und so weiter. Es ist wichtig, das Farbschema frühzeitig zu bestimmen, auch wenn dies von Anfang an möglich ist. Denken Sie daran, dass sich die Dinge immer ändern und weiterentwickeln werden, so dass die Farben Ihres Stücks höchstwahrscheinlich auch dazu passen. Wie bei allem, nur weil etwas an einem Punkt gut aussieht, heißt das nicht immer, dass es immer so ist. Scheuen Sie sich also nicht, die Dinge auf dem Weg durcheinander zu bringen und etwas zu finden, das für Ihre Arbeit vielleicht besser geeignet ist. Denken Sie daran, dass es sehr einfach ist, auch mit Farbe über Bord zu gehen.
Die Wahl des Farbschemas hängt von der Tageszeit, dem Wetter/Himmel, der Jahreszeit und der Frage ab, ob Sie sich auf einem fremden Planeten oder im Weltraum befinden. Es gibt unzählige Dinge, die dazu beitragen könnten, die Farben Ihres Gemäldes zu formen. Daher ist es am besten, eine Vorstellung davon zu bekommen, was sie sind, um Kopfschmerzen zu minimieren, bevor Sie in die Endphase gehen.
Die von Ihnen gewählte Farbe sollte alle Emotionen oder Situationen anzeigen, die Sie dem Betrachter vermitteln möchten. Wenn Sie Spaß oder Action haben, können helle und lebendige Farben die beste Wahl sein, um diesen Sinn für Aktion und Intensität zu zeigen. Wenn Sie etwas Stimmungsvolleres und Zurückgezogeneres suchen, können Sie sich immer für ein dunkleres und weniger gesättigtes Gesamtfarbschema entscheiden, wobei Ihr Fokuspunkt jedoch lebhafter ist als in den anderen Bereichen. Es gibt viele Variablen, mit denen Sie bestimmen können, welche Art von Farbe Sie für Ihr Stück verwenden. Ihre Aufgabe ist es herauszufinden, welcher von ihnen am besten funktioniert.
Hier einige Beispiele, wie Farbe effektiv eingesetzt wird, um Storytelling und Emotionen zu unterstützen und das Auge des Betrachters zu lenken:
Im GOLEM-Bild hat der Künstler eine starke Farbe um den Brennpunkt herum aufgebaut, was deutlich zeigt, wo die meiste Aufmerksamkeit auf Sie gerichtet werden sollte. Die Farben, die die Spielzeugfigur umgeben, verleihen der spielerischen Natur dieses Stücks eine geheimnisvolle Fantasie. Die äußeren Teile der Komposition haben Erdtöne, die nicht zu gesättigt sind. Das hilft, den Fokus weiter vom Rest des Bildes zu unterscheiden (und dabei das Gleichgewicht zu wahren), und die spielerische Seite des Themas/Themas kann vollständig erforscht werden.
Hier haben wir einen Farbkontrast, der den Fokus hervorhebt. Das ist eine der meist genutzten Möglichkeiten, Farbe zu verwenden, um eine gute Komposition zu erreichen, da sie sowohl effektiv als auch dramatisch ist, was Komposition und Storytelling anbelangt.
In diesem Stück habe ich die holografischen Bildschirme der Landeplätze verwendet, um sie von allen anderen Elementen der Szene zu unterscheiden. Da das der am meisten gesättigte Teil der Komposition ist, wusste ich, dass das Auge des Betrachters immer wieder in diesen Bereich zurückkehren würde, da es am interessantesten war. Ich wollte auch das Gefühl einer älteren Science-Fiction-Arbeit, deshalb habe ich mich von wirklich lebhaften Farben ferngehalten.
5. Beleuchtung
Wie bei allen wichtigen Kunstelementen ist die Beleuchtung von entscheidender Bedeutung. Hauptsächlich, weil der durchschnittliche Betrachter weiß, wie eine realistische Beleuchtung aussieht, selbst wenn er nicht genau weiß, was ihn wirklich aussehen lässt. Sie können normalerweise feststellen, ob etwas funktioniert oder nicht. Manchmal kann man Glück haben und sie täuschen, aber meistens kann es den Schuss brechen und all die harte Arbeit, die in dein Stück gesteckt wurde, verschwendete Zeit und Arbeit. Und das wollen wir definitiv nicht.
Um zu wissen, wie Licht auf die Umgebung und die verschiedenen Materialien reagiert, gehen Sie nach draußen und studieren Sie es. Wenn Sie ein Stück von etwas anderem abgrenzen (z. B. sind Sie Ihre fotografische Platte in Bezug auf Mattmalerei oder Anatomie für Maler), sollten Sie sie so lange studieren, bis Sie jemand anderen sicher sagen können, wie er aussieht, sich anfühlt und funktioniert. Die Verwendung von Fotos ist in Ordnung, aber es gibt eine fast unendliche Quelle außerhalb der Wände, auf die Sie warten.
Ähnlich wie bei Farbe kann Beleuchtung viel Emotion und Tiefe vermitteln. Lassen Sie uns einen Blick darauf werfen, wie das erreicht werden kann.
In der Abbildung unten ist wieder eine starke Beleuchtung auf den Brennpunkt gerichtet. Die Schatten im Vordergrund erzeugen Tiefe im Bild und ermöglichen dem Betrachter eine klare Sicht auf den Fokusbereich, ohne dass der Vordergrund unbemerkt bleibt. Da sich der Vordergrund fast im Schatten befindet und wir im Mittelpunkt den größten Teil unseres Lichts sehen, kann der Betrachter einen größeren Einfluss auf den Brennpunkt und das Geschehen in der Szene haben. Fast sofort sehen sie die Zerstörung der Welt um sich herum, als wären sie auf der Straße.
Als Meister seines Fachs macht dieses Stück von Dylan Cole keine Ausnahme. Sowohl der Vordergrund als auch der Hintergrund sind beleuchtet, um die gesamte Arbeit anzuzeigen, während die Komposition Sie in den Hintergrund in Richtung des Brennpunkts drückt.
Schlussfolgerung
Nun, da wir uns mit all diesen Themen befasst haben, werden Sie sich sicher fragen, wie Sie sie einsetzen und in Ihre Arbeit integrieren können. Wie bei allem anderen geht es darum, sich mit ihnen vertraut zu machen und zu üben, bis Sie ein klares Verständnis davon haben, was sie sind und wie Sie sie richtig einsetzen. Denken Sie daran, dass wir alle unterschiedlich lernen. Wenn es Ihnen nicht leicht fällt, lassen Sie sich nicht entmutigen. Machen Sie einfach weiter mit kleinen Studien zu jedem dieser Themen. Nach einer Weile werden Sie Dinge bemerken, die Sie vorher nicht gemacht haben, und dann werden Sie anfangen zu lernen und sich wirklich zu drängen.
Vielen Dank, dass Sie sich die Zeit genommen haben, diesen Artikel zu lesen. Ich hoffe wirklich, dass Sie davon Gebrauch machen können und es auf Ihre Arbeit anwenden und daraus lernen können. Denken Sie daran, dass jeder große Künstler, zu dem Sie aufschauen, von Grund auf begann und sich all diese Fähigkeiten durcharbeiten musste. Schieben Sie sich weiterhin mit einem starken Ziel in die richtige Richtung, und Sie können bei dem, was Sie tun, großartig werden.
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