Spanish (Español) translation by Óscar Salas Fernández (you can also view the original English article)
El arte vectorial y los cómics son una pareja hecha en el paraíso. Debido a esto no es una sorpresa que a muchos ilustradores vectoriales les encantaría ilustrar su propio cómic o novela gráfica algún día. Para ayudarte a alcanzar esta meta, aqui hay 10 lecciones que no tienen precio sobre la ilustración de cómics por un grupo de leyendas de la industria de primer nivel.
1. Inspírate y desarrolla el trabajo de los anteriores artistas del personaje -- Dan Scott
Dan Scott es un ilustrador independiente establecido cerca de Kansas City, Missouri. Ha trabajado en proyectos con Cómics Dark Horse, Warhammer 40K, Magos de la Costa y Cómics DC. Dan Scott es ampliamente conocido por su obra artística en CG e ilustraciones utilizando ordenadores para crear su arte digital. En una entrevista con 3D Total, resume su proceso de investigar los personajes con los que está trabajando para desarrollar los rasgos clave que han sido establecidos en el pasado:
Con una pintura que muestra a un personaje icónico como él [Superman], sentí que necesitaba investigar cómo había sido representado en el pasado. Muy a menudo hay un poco de tiempo de investigación que se necesita antes incluso de poner un lápiz en el papel (o quizás debería decir el stylus en la tableta), ya sea para ver que tipo de plantas se encuentran en la escena de jungla que vas a dibujar, o para asegurarte que conoces la musculatura apropiada para ese caballo que te estás preparando para representar. En este caso busqué varios libros en rústica del oficio, tenía que ver cómo otros artistas lo habían mostrado. Tome notas mentales de lo que me gustaba y lo que no sobre ellos y lo regurcité todo en mi propia perspectiva personal del personaje.
2. Desarrolla y afina tu estilo de ilustración de personajes mientras los números avanzan -- Brian Denham
Brian Denham trabajó como el ilustrador detrás del cómic Expediente-X basado en la popular serie de televisión. Como cómic basado en una serie de personajes de la vida real la recreación del parecido de Mulder y Skully demostró ser un reto. En una entrevista Brian Denham habla de cómo ajusta su estilo a lo largo de los números para acercarse a una representación realista de sus sujetos:
Creo que Mulder es el más difícil. Dibujé una foto de Mulder increíble en el #1 pero una página después no era tan bueno. Cosas como esta funcionarán por si mismas durante la marcha.
He conseguido el control de Scully desde el principio, pero me di cuenta de que lo que se veía bien en blanco y negro no se veía tan bien a color. Así que cambié algunas cosas sobre cómo dibujo a Scully. Intento no dibujar demasiadas sombras negras en sus labios como hice en el número cero. El parecido se fue en las últimas páginas como puedes ver. Abandonaré algunas cosas sobre la marcha y se conseguirá una versión más ajustada de los personajes.
3. Colabora y discute las ideas con el editor, utilizando bocetos y fotos como referencias -- Simone Bianchi
Simone Bianchi es un ilustrador de cómics italiano que es el artista actual del personaje de los X-Men Lobezno y ha producido algunas portadas espectaculares para Cómics Detective. En una entrevista online de la Comic Con de Nueva York de 2007 describe cómo trabaja junto a los editores durante la creación de la obra de arte antes incluso de que empiece a bocetar. Esto ayuda a asegurar que todo el trabajo realizado es algo que el editor va a querer usar y minimiza la cantidad de trabajo que es descartado en la edición final.
El proceso medio es que yo hablo con mi editor Peter Tomassi, lanzamos algunas ideas juntos a través del teléfono y comienzo a bocetar tomando algunas fotos como referencia y dibujando la portada.
4. Céntrate en la narración no sólo en el arte del cómic -- Mark Brooks
Mark Brooks es un ilustrador profesional de cómics Marvel que como dibujante interpreta la historia y crea los personajes en cada secuencia. Recientemente ha trabajado en Ultimate Fantastic Four y en el anual de X-Men. Cuando se le preguntó en la Comic Con de Nueva York dijo algo importante sobre crear arte que relate la historia cuidadosamente:
He aprendido que hay mucho más que hacer con la narración que sólo arte bonito... Los cómics son mucho más que arte, veo a muchos arriba y prometedores que se meten en los cómics en la misma situación en la que yo estaba y les veo centrarse muy profundamente en la manera en la que dibujan y haciendo portadas y pin-ups y cosas como esas y no veo mucha concentración en la narración, que es algo en lo que realmente he intentado centrarme en los últimos pocos años. Creo que si alguien puede aprender de mi experiencia, céntrate en eso justo tanto como te centras en tu arte.
5. Usa expresiones faciales para transmitir emoción y subtexto- Alex Toth
Alex Toth es un maestro activo del arte del cómic desde los años 40 hasta los 80. Su trabajo más reconocible incluye proyectos con Hanna-Barbera, Super Friends y Space Ghost. En una entrevista en TwoMorrows habla sobre su uso de las expresiones faciales para transmitir emoción en su arte:
En primer lugar, el romance era muy especial. Se trataba con las emociones de una manera diferente a las historias de aventuras de Slam-Bang. Hay muchas cosas bajo la superficie... una línea de diálogo podría decir "esto", pero la expresión de la persona diría "aquello". Quizás sólo la cámara / nosotros / el punto de vista de los lectores revelaría la verdad cuando ella dijo, "Yo también te quiero, George". Su cara, ¡los ojos estaban diciendo algo más! Y el lector sabe eso, ¡pero "George" no! ¡Él no puede ver eso! Por lo tanto había todos estos pequeños matices de las líneas de lectura, de actuar, de reaccionar, la interpretación, las capas de personalidad del personaje, la integridad, etc., la gente poniéndose de patitas en la calle unos a otros... eso era de repente muy adulto, a diferencia de Slam-Bang... Era todo un nuevo juego de pelota, y realmente me forzaba a prestar atención, y mirar, aprender y escuchar.
6. No retrates una acción y una consecuencia en el mismo marco si puedes evitarlo -- Lee Sullivan
Lee Sullivan es un artista de cómic británico que ha trabajado en títulos que incluyen Transformers, Thundercats, Doctor Who y Robocop. Cuando SciFi Pulse le entrevistó menciona de pasada un consejo cuando se retratan secuencias de acción en formato cómic:
Creo que una de mis situaciones menos favoritas es cuando un escritor me pide acción y consecuencias en el mismo marco; por ejemplo: el primer tipo entra por la puerta, un segundo tipo le golpea y el primer tipo se estrella contra la mesa. Puede que te salgas con la tuya con las últimas dos acciones combinadas, pero realmente no puedes mostrarlas con la primera. ¡Ése es otro panel!
7. Sé fiel a tu propio talento mejor que seguir tendencias -- Tony O'Donnell
Tony O'Donnell es un artista de cómic de talento que ha trabajado en títulos que incluyen Ghostbusters de Marvel UK y Starblazer de Thomson DC. En una entrevista para la revista británica de cómics Vicious él ofrece su consejo para aspirantes a ilustradores de cómics.
¡Guarda un cuaderno de dibujo y utilizalo! No intentes imitar al actual artista "favorito" - quizás para cuando puedas dibujar como él o ella ese estilo esté pasado de moda. Intenta ser fiel a tu propio talento y dibujar para complacerte a ti mismo, mejor que seguir tendencias temporales. Todo de este consejo es difícil de seguir y ojalá lo hubiera seguido yo mismo. ¡Aun así, mejor tarde que nunca! En el pasado he hecho trabajar demasiado a mis lápices para hacerlos tan "buenos" como sea posible, mientras que ahora creo que es mejor adoptar un enfoque más flexible y quizás tener más confianza en tu propio estilo personal. Me dió este consejo en 1982 Steve Dillon, el cual pienso que cree que ser un perfeccionista le puede quitar la "diversión" a dibujar cómics.
8. Dibuja lo que realmente quieres ver como lector -- Scott McCloud
Scott McCloud es un artista de cómic y escritor que no sólo ha producido ilustraciones para Cómics DC, sino que también ha lanzado varios libros relacionados con la industria. Más recientemente produjo la tira de cómic del comunicado de prensa para el navegador Google Chrome. En una entrevista en 2006 se le preguntó qué consejo le daría a los próximos artistas:
Escribe y dibuja lo que realmente quiere ver como lector. No intentes escribir y dibujar lo que crees que otros comprarán o lo que otros quieren ver, porque si no estás interesado en el tema que nos estás contando, después eso se va a notar. Y esa carencia de entusiasmo va a debilitar tu trabajo. Te tiene que importar sumamente lo que estás haciendo. Si lo haces, entonces siempre habrá al menos alguien más ahí fuera a quien le importe tan a fondo como a ti. Pero si estás intentando venderte, si estás intentando crear la clase de historias que crees que le gusta a la gente, siempre vas a ser el segundo por detrás de gente que tiene un amor más genuino por ese material. Así que para el caso, escribe sólo lo que te gusta.
9. No dependas de las personificaciones convencionales de personajes populares como base para tu trabajo -- Lee Bermejo
Lee Bermejo ha tenido éxito muy recientemente como artista junto al escritor Brian Azzarello con el lanzamiento de Joker novela gráfica. Había parecidos sorprendentes entre su interpretación del Joker y la del lanzamiento de la popular película El Caballero Oscuro, a pesar de estar en marcha con sus ilustraciones del personaje del Joker antes incluso de que Heath Ledger estuviera en el reparto. En una entrevista se le preguntó si es importante para los artistas incorporar elementos visuales de las películas para salvar la distancia con los cómics:
Creo que la única cosa que realmente importa es que la esencia de los personajes permanezca igual sin importar el medio. Los elementos superficiales y algunos problemas psicológicos son divertidos para jugar con ellos y torcerlos un poco, pero sólo necesitas dar a la gente lo que sabe de ese personaje para "conseguirlo" para varias audiencias. Prefiero ver enfoques personales de la gente que personajes convencionales. Es algo que disfruto y prefiero ver mil tomas diferentes de estos tipos que tener todo que empieza a adaptarse a lo actual, a la encarnación de mayor éxito.
10. Presenta sólo tu mejor trabajo -- Lee Sullivan
Lee Sullivan, como se muestra arriba, también ha recopilado una guía extremadamente útil para escribir y dibujar cómics en su sitio web. Cubrir extensas áreas de la industria e incluir muchos consejos útiles es una gran lectura para cualquier persona con un interés en la ilustración de cómics. Uno de los puntos que presenta es cómo exponer tu trabajo:
Conseguir que tu trabajo sea visto es muy difícil y muy desalentador - los editores raramente tiene tiempo para mirar tu material y la mayoría no reconocerían un buen trabajo aunque les saltara encima y les golpeara en la nariz, al menos, eso es lo que parece. Muy poca gente puede dar el salto entre lo que tienes en tu folio y lo que ellos están buscando. Un consejo aquí sobre los portafolios - descarta todo con lo que estés incluso ligeramente insatisfecho en términos de calidad - SIEMPRE le baja el nivel a todo lo demás. ¡A menudo eres juzgado por tus peores trabajos!
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