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Grafikdesigner können ein verwirrender Haufen sein - manchmal fühlt es sich an, als würden sie eine völlig andere Sprache sprechen. Wenn Sie am Ende von "Agentur sprechen" stehen, fühlen Sie sich vielleicht etwas überfordert, aber oft ist die Bedeutung hinter kompliziert klingenden Phrasen leicht zu verarbeiten, wenn Sie erst einmal übersetzen können.
Dies wird ein unverzichtbarer Leitfaden für die Entschlüsselung von Designer-Jargon für jeden sein, der relativ neu in der Welt des Designs ist oder nur eine Aktualisierung benötigt. Lesen Sie weiter, um mehr über die einzigartige und oft verwirrende Sprache der Designer zu erfahren ...
1. "Wir müssen es anders spülen"
Nein, das hat nichts mit Toiletten zu tun. "Flushing" bezieht sich eigentlich auf die Ausrichtung von Text auf einem Layout.
Es gibt verschiedene Möglichkeiten, wie Text auf der Seite ausgerichtet werden kann. Die am häufigsten verwendete Methode ist Links ausrichten (die Standardoption für englischsprachige Designsoftware), Rechts ausrichten und Zentrum zentrieren. Sie können auch alle Zeilen (die Textzeilen über den gesamten Textrahmen strecken, um einen festen Textblock zu erstellen - eine übliche Taktik, die in Zeitungslayouts verwendet wird, um so viel Text wie möglich in Spalten einzufügen) oder die linke Zeile auszurichten oder richtig. Wenn Sie mit Doppelseiten arbeiten, z. B. für ein Buch- oder Zeitschriftenlayout, haben Sie auch die Möglichkeit, den Text Hinein oder Hinaus von der Wirbelsäule auszurichten.
Wechseln Sie in Adobe InDesign zu Fenster > Typ & Tabellen > Absatz, um den gesamten Bereich der Ausrichtungsoptionen anzuzeigen.
Text auf die eine oder andere Weise zu löschen, hat die Macht, das Aussehen Ihres Layouts zu verändern. Einige der ungewöhnlicheren Ausrichtungsoptionen sind eine großartige Möglichkeit, die Norm zu brechen und größeren Textstücken mehr Persönlichkeit zu verleihen. Sie können auch ein Layout ausgewogener gestalten, indem Sie die Ausrichtung verschiedener Textabschnitte miteinander mischen - eine Ecke ist beispielsweise links ausgerichtet, die andere Ecke ist beispielsweise rechts ausgerichtet. Dies verhindert, dass das Layout auf einer Seite zu stark aussieht.
2. "Lass es uns atmen"
Ihr Design hat nicht aufgehört zu atmen, aber es könnte aufgrund der schieren Menge an "Zeug" auf der Seite kämpfen.
Dies ist Code für ein anderes Nugget von Designer sprechen - "weißer Raum".
Leerraum muss nicht einmal weiß sein (ja, verwirrend) - es bezieht sich nur auf einen "leeren" Bereich in Ihrem Layout. Dies kann tatsächlich mit Farbe oder einem Hintergrundbild gefüllt werden, aber es sollte keine störenden Elemente wie Text oder starke Grafiken haben.
Schon mal auf eine tolle Zeitschriftenauflage oder ein schönes Posterdesign geschaut und sich gefragt, warum es so gut aussieht? Ein Teil des Grundes liegt wahrscheinlich daran, dass der Designer Teile des Designs für das Auge leer erscheinen ließ. Dies erlaubt dem Betrachter, sich zu entspannen, da er nicht mit visuellen Inhalten aus allen Bereichen des Designs überfrachtet wird, was es wiederum ermöglicht, sich auf die Attraktivität der belebteren Elemente zu konzentrieren.
Obwohl es nicht das offensichtlichste Element im Arsenal eines professionellen Designers ist, ist Leerraum eine der effektivsten Techniken, um Layouts sofort und manchmal unmerklich attraktiver erscheinen zu lassen.
Stellen Sie also sicher, dass Sie Ihren Designs eine wohlverdiente Chill-Pille geben und ihnen etwas Platz zum Atmen geben.
Willst du dich selbst trainieren, um mehr Leerraum für deine Designs zu schaffen? Sehen Sie sich dieses einfache Tutorial an, um ein Flyerdesign zu entwirren:
3. "Lass es flach aussehen"
Es war einmal, alle wollten, dass zweidimensionale Druckdesigns aussehen, als wären sie alles andere als. Stattdessen waren 3D-Designeffekte, die größer als das Leben waren, an der Tagesordnung.
Aber das war vor einem Jahrzehnt, und jetzt ist das große Schlagwort in der Grafik "flaches" Design. Dies hängt mit der zunehmenden Beliebtheit von Vintage-Designstilen zusammen, die collagenartige Grafiken und Schriften verwenden, um lithografische Druckstile zu imitieren. Digitales Design hat flaches Design auch an neue Orte gebracht - flache Icons, Buttons und Illustrationen geben Websites und Apps ein minimales, einfaches Aussehen, das sie super intuitiv zu bedienen macht.
Wie können Sie den gewünschten flachen Look in Ihren eigenen Designs erreichen? Vermeiden Sie Farbverläufe, Schatten, metallische Texturen und alles andere, was ein Design zu realitätsnah erscheinen lässt.
Erwägen Sie, Fotos durch Illustrationen zu ersetzen, und halten Sie Ihre Grafiken einfach, minimal und sogar ein bisschen kindlich. Schauen Sie sich das Druckdesign der 1950er und 1960er Jahre an, um die ultimative flache Design-Inspiration zu finden.
Machen Sie ein paar kleine Swaps in Ihren Designs wird Ihnen helfen, das flache Aussehen in einem Instant-ersetzen metallischen oder hochglänzenden Texturen mit Papier oder Kreide Textur stattdessen zu erreichen; bevorzugt neutrale, matte Farbtöne über grell leuchtenden Farben; Wählen Sie Prägeeffekte über Schlagschatten, um einen trendigen Buchdruck zu imitieren.
4. "Bringen Sie ein Infografik"
Wenn Sie noch nicht wissen, was eine "Infografik" ist, verzweifeln Sie nicht. Es wird vielleicht ein weit verbreiteter Begriff, aber es ist immer noch ein sehr spezifischer Zweig des Grafikdesigns.
Der heute sehr populäre Grafikstil, also "Informationsgrafik", ist eine visuellere Art der Darstellung von Daten wie Statistiken, Umfrageergebnissen oder wissenschaftlichen Erkenntnissen. Eine Infografik, die einen Schritt von Ihrem durchschnittlichen Diagramm oder Diagramm entfernt ist, kann Illustrationen, Karten, Typografie oder sogar interaktive Elemente verwenden, um Daten auf kreative Weise darzustellen. Infografiken neigen dazu, die Lücke zwischen Grafikdesign und Illustration zu schließen und bringen Techniken und Inhalte aus jedem Bereich zusammen.
Wenn Sie lieber nicht tagelang mit benutzerdefinierten Illustrationen arbeiten möchten, haben Sie Glück: Immer mehr Inhalte sind auf den Infografik-Markt ausgerichtet, sodass Sie vorgefertigte Icons und Illustrationen für datengetriebene Designs erhalten . Schauen Sie sich die riesige Auswahl an Infografik-Elementen auf dem Envato Market an.
In diesem Tutorial erfahren Sie, wie Sie Ihre eigenen Infografik-Elemente direkt in Adobe InDesign erstellen können:
5. "Was ist der DPI / PPI von diesem?"
Dies mag erschreckend klingen, aber beide verkürzten Begriffe beziehen sich nur auf die Auflösung Ihrer Raster-Designs (nicht Vektor, siehe Hinweis unten *). Sie möchten eine hohe Auflösung in Ihren Druckdesigns erzielen, um sicherzustellen, dass das Endergebnis nicht verschwommen oder verpixelt erscheint.
DPI ist "Punkte pro Zoll" und dies ist besonders wichtig für das Druckdesign. Ein Drucker erzeugt das gedruckte Design über eine Reihe von Punkten. Wenn weniger Punkte pro Zoll vorhanden sind (ein niedriger DPI-Wert), wird das Ergebnis stärker verpixelt. Mehr Punkte pro Zoll (ein hoher DPI) erzeugt ein dichteres, qualitativ hochwertigeres Ergebnis. Der Standard-DPI für qualitativ hochwertiges Druckdesign beträgt 300 DPI.
PPI ist sehr ähnlich, bezieht sich jedoch auf "Pixel pro Zoll". Sie werden bemerken, dass Adobe Photoshop in PPI funktioniert. Wenn Sie ein Rasterbild in Photoshop vergrößern, reduzieren Sie automatisch die PPI und reduzieren dadurch die Qualität des Bildes und erhöhen die Sichtbarkeit der Pixelierung.
Wenn ein Designer sagt, dass er die DPI oder PPI eines Bildes wissen möchte, deutet er wahrscheinlich an, dass das Bild derzeit eine zu geringe Auflösung hat, um mit einem hohen Qualitätsstandard gedruckt zu werden. Wenn Sie die DPI-Werte über 300 halten und sicherstellen, dass Sie die endgültigen gedruckten Abmessungen des Objekts kennen, können Sie die Auflösung und die allgemeine Qualität der Grafiken in Ihrem Design besser im Auge behalten.
* DPI und PPI gelten nur für Rasterbilder, die aus einer Reihe von farbigen Punkten bestehen. Wenn Sie ein Rasterbild neu skalieren, können die farbigen Punkte größer und voneinander entfernter erscheinen, wodurch der gefürchtete pixelierte Effekt entsteht. Wenn Sie mit großformatigen Designs arbeiten oder einfach sicherstellen möchten, dass Ihre Grafiken optimale Qualität aufweisen, arbeiten Sie besser mit Vektorgrafiken, die skalierbar sind.
Machen Sie sich mit den technischen Problemen vertraut, die Sie beim Drucken mit diesem nützlichen Handbuch beachten müssen:
6. "Wir müssen die Schrift / Schrift / Typografie ändern"
Hier präsentiere ich Ihnen einen der größten Unterschiede zwischen dem, was ein Kunde sagen wird und was ein Designer sagen wird.
"Schriftart" ist die digitale Version einer Schriftart - Sie laden und installieren Schriftarten und wenden sie auf Ihren Dokumenten auf dem Bildschirm an. Wenn Sie Ihr Kunstwerk drucken, wird aus der Schrift eine Schriftart, die gedruckte Inkarnation der Schriftdatei. Sie werden hören, dass Kunden meistens nach einer "Schriftart" fragen, die geändert werden muss, aber die meisten Designer werden wahrscheinlich "Schriftart" sagen.
Obwohl sie verschiedene Dinge sind, weisen sowohl der Kunde als auch der Designer auf das Gleiche hin. Beide möchten, dass das Aussehen des Schrifttyps unterschiedlich ist. Schriften haben unterschiedliche Persönlichkeiten und Eigenschaften - wenn der Designer nicht glaubt, dass eine Serif funktioniert, kann es daran liegen, dass er zu traditionell oder formal aussieht. Die Umstellung auf eine serifenlose Schrift lässt ein Design moderner und minimaler aussehen.
Wenn Sie mit einer Schriftherausforderung konfrontiert werden, versuchen Sie herauszufinden, was genau nicht funktioniert - welche Eigenschaften bringt die aktuelle Schrift dem Design? Kannst du die ganze Stimmung des Designs anpassen, indem du zu etwas anderem wechselst?
"Typografie" könnte gut Schrift enthalten, aber es ist auch viel breiter als das. Typografie bezieht sich auf die Art und Weise, wie der Typ auf der Seite angeordnet und formatiert wird.
Wenn das Problem des Designers mit der Typografie des Designs zusammenhängt, könnte sich dies auf eine ganze Reihe von Dingen beziehen, die zusammenkommen, um darzustellen, wie der Text angeordnet ist, wie zB der Abstand zwischen Textzeilen, Groß- oder Kleinschreibung (Groß- / Kleinschreibung), Tracking (der Abstand zwischen allen Zeichen) oder Initialen (wobei die ersten oder ersten Zeichen eines Absatzes vergrößert werden).
Da die Typografie so umfassend ist, müssen Sie genau bestimmen, was genau die Anordnung von Text ist, die nicht ganz richtig ist - sieht sie zu voll, zu weit, zu groß, zu klein aus?
In jedem Designer-Arsenal gibt es eine große Auswahl an klassischen und modernen Stilen, die für alle Arten von Layouts geeignet sind. Erstellen Sie Ihre Sammlung mit der fantastischen Zeichensammlung auf dem Envato Market.
Seien Sie nicht im Dunkeln über Typografie mit diesem definitiven A bis Z Leitfaden für alle Arten von Typ:
7. "Lass uns eine Identität schaffen"
Es ist nicht nötig, dass Sie schnell einen Reisepass fälschen, Jason Bourne-Stil, denn eine "Identität" im Design-Sprechen bezieht sich nur auf eine Markenidentität.
Die meisten größeren Unternehmen haben eine Markenidentität, genauso wie viele einzelne Produkte, aber was bedeutet das? Eine Markenidentität besteht aus visuellen Markern, die für dieses Geschäft oder Produkt einzigartig sind, wie ein Logo, ein Maskottchen oder ein Slogan. Weiter entwickelte Identitäten könnten eine eigene Farbpalette, Schriftarten (siehe 6, oben) und grafische Elemente wie Illustrationen und / oder Fotografien aufweisen, die auf die Marke zugeschnitten sind.
Wenn ein Designer eine Identität erstellen möchte, könnte dies eine vollständige Identität mit allem Drum und Dran bedeuten, oder sie könnten nur ein Logo-Design bedeuten - Letzteres ist in Agentur-Pitch-Szenarien üblich, wenn die Zeit knapp ist. Stellen Sie sicher, dass Sie wissen, was benötigt wird, bevor Sie eine vollständige komplexe Identität von Grund auf erstellen.
Wenn ein Kunde oder Designer eine "Reihe von Identitäten" sehen möchte, könnte dies bedeuten, dass sie ein paar, vielleicht drei bis fünf, Logo-Designs sehen möchten, die den Namen des Unternehmens in einer vorgeschlagenen Markenschrift enthalten oder nicht ' auch. Das stärkste Logo Design (s) kann dann verfeinert werden, und die Farben und Stil erweitert nach außen, um die anderen Teile der Identität zu schaffen.
Es ist keine leichte Aufgabe, starke Markenidentitäten zu schaffen, aber Sie können auf einer sicheren Basis beginnen, indem Sie den Prozess zur Erstellung unserer eigenen Marke Envato Tuts + 'Team Awesome' verfolgen:
8. Können wir das Gitter ändern?
Seien Sie überrascht, wenn ein Klient das aufgreift (Respekt vor ihnen, wenn sie es tun!), Aber ein Designer wird nicht davor zurückschrecken, Ihnen zu sagen, wenn das Raster auf Ihrem Layout ein wenig ausfällt.
Grids sind die unbesungenen Helden erfolgreich gestalteter Layouts; Sie sind der Grundbaustein für jedes Design. Jedes Layout kann in eine Reihe von quadratischen oder rechteckigen Abschnitten unterteilt werden, um ein Raster zu erstellen, das die unsichtbaren Spalten und Reihen bildet, die Elemente auf Ihrem Design ausschneiden. Sie können in den meisten Designprogrammen ein Raster einfügen (z. B. in Adobe InDesign unter Ansicht > Raster & Hilfslinien > Dokumentraster anzeigen), das sich hinter dem Inhalt Ihres Dokuments oder Ihrer Zeichenfläche befindet.
Wenn Sie die Größe Ihres Rasters ändern, um kleinere und größere Bereiche zu erstellen, können Sie die Balance in Ihrem Layout verbessern und verhindern, dass es zu modular aussieht. Wenn Sie beispielsweise ein Bild über vier quadratische Bereiche Ihres Rasters und ein anderes Foto in nur einem quadratischen Bereich platzieren, wird es besser aussehen als zwei gleich große Bilder.
Mit diesem kurzen Tutorial erhalten Sie Tipps zum Erstellen von Rastern in Grafiken sowie zwei weitere Tipps, um Ihre Designs sofort professioneller aussehen zu lassen:
9. 'Über die nativen Dateien senden'
Das ist genug, um das Herz jedes jungen Designers zu erschrecken. Sie haben stundenlang oder sogar Tage damit zugebracht, Designs auf Ihrem Computer zu untersuchen, nur um an das Ende des Prozesses zu kommen und zu hören, dass Sie etwas finden müssen, das als "native Datei" bezeichnet wird. Was um Himmels Willen ist das?
Eine native Datei ist ein industrieller Begriff für die ursprüngliche digitale Kopie Ihrer Grafik. Wenn Sie beispielsweise an einer Vektorgrafik in Adobe Illustrator oder Inkscape gearbeitet haben, haben Sie möglicherweise eine JPEG- oder PNG-Version der endgültigen Illustration bereitgestellt. Wenn der Kunde oder die Agentur auch die "native Datei" möchte, möchte sie die Original-Grafikdatei, möglicherweise in AI, oder häufiger im EPS-Format. Dies bedeutet, dass die Datei vom Client oder anderen Designern bearbeitet werden kann, um beispielsweise Farben umzuschalten oder Grafiken anzupassen.
Wenn Sie an einer Adobe InDesign-Datei gearbeitet haben, vielleicht für ein Verlagsprojekt wie ein Buch oder eine Broschüre, ist das Senden einer nativen Datei ein etwas komplizierterer Vorgang. In diesem Fall müssen Sie die Datei zuerst "verpacken" (Datei > Paket). Dadurch werden alle im Dokument verwendeten Schriftdateien und alle mit dem Dokument verknüpften Bilder gesammelt und zusammen mit einem neuen Ordner abgelegt eine Kopie der InDesign-Datei. Sie müssen auch daran denken, eine IDML-Kopie der InDesign-Datei (Datei > Speichern unter > InDesign CS4 oder höher [IDML]) zu verwenden, wenn der beabsichtigte Empfänger eine andere Version der InDesign-Software verwendet (z. B. wenn Sie dies wünschen) mit CC und sie verwenden CS6).
Je nachdem, an wen Sie Ihre Grafikdateien senden, sollten Sie Vorsicht walten lassen. Wenn Sie von einer Agentur beauftragt wurden, bei einem Pitch oder einem anderen Projekt zu helfen, können Sie von Ihnen unter Umständen aufgefordert werden, ein Dokument zu unterschreiben, in dem davon ausgegangen wird, dass sie das Copyright für Ihr Design besitzen. In diesem Fall ist es akzeptabel und üblich, dem Client Ihre nativen Grafikdateien zur Verfügung zu stellen.
Wenn Sie nicht als freiberuflicher Dienstleister arbeiten, sondern als Künstler, liegt es in Ihrem Interesse, das ausschließliche Urheberrecht an Ihren Entwürfen zu behalten. Sie sollten dies beachten, wenn Sie Bilddateien an Galerien oder Shops senden. Oft ist eine hochauflösende JPEG-Version Ihres Designs für den Zweck geeignet und hilft anderen zu verhindern, dass Ihre Arbeit bearbeitet oder kopiert wird.
10. "Machen wir es kommerziell"
Egal, ob Sie für eine Agentur oder im Haus arbeiten, an ein Wort müssen Sie sich gewöhnen: an "kommerzielle".
"Kommerziell" ist eines dieser Wörter, das die Kraft hat, von einem leidenschaftlichen Designer oder Künstler die Lebenskraft zu saugen. Dies liegt daran, dass "kommerziell" die entgegengesetzte Bedeutung von "künstlerisch" oder "kreativ" hat. Kommerzielles Design hat ein Ziel und nur ein Ziel - zu verkaufen. Anzeigen, Zeitschriftenumschläge oder Flyer mit eher kommerzieller Ausrichtung werden eher in Verkäufe umgewandelt als in kreativere Designs.
Für Designer kann dies manchmal frustrierend sein, da kommerzielles Design nicht das kreativste aller Outlets ist. Wenn jemand möchte, dass etwas kommerzieller aussieht, wollen sie, dass es schmackhafter, kultureller im Trend und weniger offensiv oder herausfordernd für die Öffentlichkeit erscheint.
Wenn Ihr Kunde oder Kollege möchte, dass Ihr Design kommerzieller erscheint, müssen Sie möglicherweise darauf vorbereitet sein, es etwas abzumildern oder Elemente Ihres Designs so zu modifizieren, dass es modischer erscheint oder einen Massenmarkt anspricht.
Aber nicht verzweifeln - Kommerzialität und Kreativität können ausgeglichen werden, und dies kann nicht nur zu günstigen Verkäufen, sondern auch zu ikonischen, kreativen Designs führen.
Bucheinbände sind ein perfektes Beispiel für diesen Kompromiss. Besonders für Vintage-Ausgaben oder Literaturromane werden Buchgestalter oft dazu ermutigt, so kreativ wie möglich zu sein. Der Verleger könnte dann Möglichkeiten vorschlagen, das Design weiter zu vermarkten und beispielsweise die Farbe oder Typografie anzupassen, um die Abdeckung für verschiedene Demografien und Märkte zu verbessern.
Erfahren Sie, wie Sie mit diesem Tutorial ein klassisches Buchcover für einen modernen Markt maßschneidern:
Herzliche Glückwünsche! Sie können jetzt 'Designer' sprechen
Designer Jargon klingt vielleicht einschüchternd, aber mit etwas geschärften Übersetzungsfähigkeiten haben Sie kein Problem, die wahre Bedeutung zu entschlüsseln. Wenn also Ihr Kunde oder Agenturchef bei der nächsten Präsentation Ihrer Designs nach einem der folgenden Punkte fragt, wissen Sie genau, wovon sie sprechen:
- "Wir müssen es anders machen" - Übersetzung: "Wir müssen die Ausrichtung des Textes ändern."
- "Lass es uns atmen" - Übersetzung: "Mach es weniger überfüllt, mit mehr Leerraum."
- "Lasse es flacher aussehen" Übersetzung: "Entferne alle 3D-Elemente wie Farbverläufe oder Schlagschatten."
- "Bringen Sie eine Infografik-Übersetzung mit:" Bringen Sie Grafiken, Symbole oder Diagramme ein, um die Daten oder Informationen visuell auszudrücken.
- "Was ist der DPI / PPI davon?" - Übersetzung: "Sie müssen die Auflösung Ihrer Bilder verbessern."
- "Wir müssen die Schriftart / Schriftart / Typografie ändern": Lassen Sie den Schriftschnitt (des Textes) anders aussehen.
- "Let's create a identity'-translation:" Lassen Sie uns eine Markenidentität für das Unternehmen / Unternehmen / Kunden erstellen, die wahrscheinlich mit einigen Ideen für ein Logo beginnt. "
- "Können wir das Raster ändern?" - Übersetzung: "Das gesamte Layout und die Anordnung der Elemente auf der Seite muss verbessert werden."
- 'Senden Sie mir die Übersetzung der nativen Dateien': 'Senden Sie mir Ihre originalen digitalen Grafikdateien, entweder im bearbeitbaren AI-, EPS- oder PSD-Format, oder als gepackte InDesign-Dateien.'
- "Machen wir es kommerzieller" - Übersetzung: "Reduzieren Sie die Arty-Sachen und lassen Sie sie mehr im Trend erscheinen, mit Massenmarkt-Appeal."
Haben Sie weitere Designer-Jargons, für die Sie die Übersetzung freigeben möchten? Ich würde gerne über sie in den Kommentaren unten hören!
