() translation by (you can also view the original English article)
В продолжение наших статей по истории искусства я собрала коллекцию из нескольких чудесных людей неевропейского происхождения в искусстве. Очень часто, обсуждая влиятельных художников, мы ожидаем услышать о Да Винчи, Моне и так далее. Хотя мы будем обсуждать и несколько знакомых вам лиц, я надеюсь, мой список затронет неизвестных вам художников и откроет новые двери для исследования течений и стилей в искусстве.
Этот список, без определённого порядка, освещает некоторых чудесных художников, оставивших неизгладимый след и сделавших великий вклад в историю искусства.
Диего Ривера
Возможно, во мне говорит уроженка Детройта и любовь к залу Диего Риверы в Институте искусств Детройта, если я помещаю этого художника так высоко в списке. Собираясь написать эту статью, я немедленно подумала об изображениях Детройта кисти Риверы и его способе использовать пространство больших стен. Хотя я опережаю сама себя.
Диего Ривера (1886–1957) был мексиканским художником, известным своей росписью стен и социальными посланиями в них. Когда ему был 21 год, Ривера изучал искусство в Европе, получив финансирование от правителя Веракрус. На него повлиял кубизм и подобные течения в искусстве того времени. В 1921г. в возрасте 35 лет он вернулся в Мексику. В это время он начал создавать большие фрески. Первая из них была профинансирована правительством Мексики и была сделана в Национальной подготовительной школе в столице Мексики.
Работы Риверы были яркими, и на них всё больше влияла его родина. Он взялся за социальную жизнь Мексики ("Революция", 1910г.), левые политические взгляды и принял антирелигиозную позицию. Его работы в деталях иллюстрировали события, рассказывали историю смело и подробно, часто взъерошивая перья в обществе и до сих пор оставаясь противоречивыми.
Ривера был женат пять раз, дважды на Фриде Кало, о которой я рассказывала в прошлой статье по истории искусства. Настенная живопись и картины Риверы можно встретить в нескольких странах, среди них - 27 фресок в Институте искусств Детройта.
Р. К. Горман
Рудольф Карл Горман (1931–2005) был представителем народа навахо и художником, рождённым в Чинле в Аризоне. Его называли "Пикассо юго-западного искусства" или "Пикассо искусства американских индейцев". Как и многие дети, он рисовал с ранних лет. Его поощряли развивать интерес к искусству, что в итоге привело к получению им стипендии от Совета племени навахо для учёбы в колледже Мехико.
Его страсть к влиянию его собственной культуры на искусство привела к персональной выставке в Манчестерской галерее в Нью-Мексико в 1965г. Благодаря своему успеху, Р. К. Горман открыл Галерею навахо в Таосе, Нью-Мексико, которая годами служила ему студией и домом.
На работы Гормана повлияли Диего Ривера и Дэвид Сикейрос. Он толкал свои работы в сторону абстрактного реализма, играя с абстрактными формами и пытаясь создать единый стиль. Многие его картины сосредоточены на женщинах навахо, их роли в нации навахо и их отношении к женщинам мира.
Изначально Горман работал маслом, акриловыми красками или пастелью. Со временем он переключился на литографии (особенно для создания печатных копий своих собственных работ) и керамику. На протяжении жизни Горман был невероятно успешен в создании большого объёма работ и продаже картин и их печатных копий из своей галереи.
Утамаро
Китагава Утамаро (1753–1806) был родом из Японии и запомнился как один из крупнейших мастеров укиё-э в истории. Его работы во многом состоят из женских портретов (бидзинга) и исследований природы, воспроизведённых на деревянной гравюре. Искусство укиё-э обычно представляет красивых женщин, кубуки, сумо, народные сказания, природу и эротику. Этот жанр не считался серьёзным искусством и был направлен на аудиторию простых людей.
Жизнь Утамаро не была хорошо задокументирована. Известно, что его учил Торияма Секейн, художник, обучавшийся в школе рисования Кано, но позже Утамаро сосредоточился на укиё-э. Он иллюстрировал популярную литературу и актёров кабуки под именем Китагава Тоёаки.
В начале 1780-х годов он сменил имя на Утамаро и в какой-то момент стал работать лишь над портретами женщин. Ему позировали в основном модели из района наслаждений. Именно эти работы принесли ему известность из-за предмета рисования и идеализированных стилизаций женских форм.
В 1804г. Утамаро попал в неприятности с законом о цензуре, изобразив запрещённый исторический роман. Его приговорили либо к наручникам, либо к тюремному заключению сроком на 50 дней (мнения различаются). Говорят, что это тяжёлое испытание опустошило его и привело к депрессии, от которой он так и не оправился и умер через два года.
Утамаро был плодовитым художником. За свою карьеру он создал более 2000 оттисков и много картин, иллюстрированных книг и так далее. Его работы были хорошо известны и любимы на протяжении его жизни и после его смерти. Когда вы думаете или слышите об искусстве бидзинга или укиё-э, именно работы Утамаро возвышаются над остальными и остаются одними из величайших работ его времени.
Жан-Мишель Баскиа
Жан-Мишель Баскиа (1960–1988) был американским художником с яркой, но короткой жизнью, который умер от передозировки героином в возрасте 27 лет. Его работы затрагивали социальные проблемы, например, силовые структуры, расизм и классовую борьбу. Он начал рисовать граффити в 1976г. под именем SAMO, продолжая до конца 1970-х годов.
Его работы привлекли к себе внимание в 1980г., когда он участвовал в групповой выставке в галерее. Вскоре он уже продавал картины стоимостью до 50000 долларов за штуку. Баскиа принадлежал к движению неоэкспрессионистов, которые часто изображали узнаваемые предметы в эмоциональном стиле. В середине 1980-х годов он сотрудничал с Энди Уорхолом над серией работ, которые во многом включали в себя элементы шелкографии Уорхола, а Баскиа добавлял элементы краской.
Личные работы Баскиа часто состояли из слов и текстур, похожих на граффити. Он затрагивал проблемы своего афро-карибского наследия, примером чего может послужить картина из нескольких частей, рассказывающая историю египетской и атлантической торговли рабами. Многие его картины выполнены в стиле набросков или каракулей. Яркие цвета и грубо нарисованные образы покрывали холсты, страницы тетради для набросков и многое другое.
Его картины вдохновили очень многих на создание эмоциональных, небрежно написанных и вдумчивых работ. Благодаря таким художникам, как Баскиа, работы, вдохновлённые урбанизмом, появились в галереях и стали частью серьёзного мирового искусства.
Роберт С. Дункансон
Роберт С. Дункансон (1821–1872) был афро-американским художником, связанным со Школой Хадсон Ривер - движением в искусстве, сосредоточенном на пейзажах и находящимся под влиянием романтизма. У него не было официального образования, но он оттачивал свои навыки, занимаясь наблюдением и копируя печатные оттиски. В 1840-х годах была организована его первая выставка в г. Цинциннати в Огайо. Семье Дункансона не разрешили посетить это событие, потому что она имела афро-американское происхождение, а сегрегация была на её пике. На протяжении 1840-х годов Дункансон сосредоточился на портрете.
После того как он переключился на пейзажи, его работы взлетели. Чарльз Эйвери, аболиционист, заказал картину у Дункансона. Это привело к появлению сети покровителей, выступавших за отмену рабства и поддерживавших искусство, и они уделяли постоянное внимание его карьере. Его пейзажи были больше, чем просто изображение физического пространства. Они несли в себе социально-политические послания, в том числе того времени.
Во время Гражданской войны Дункансон уехал в Канаду. Он находился под сильным влиянием канадских пейзажей, даже когда уехал в Великобританию и позже вернулся в г. Цинциннати в Огайо. Он был одним из первых американских художников, который поселился в Канаде и сосредоточился на её пейзажах. Он добавил в свои работы лёгкие штрихи собственного опыта жизни чёрного в довоенной Америке, хотя его работа и не подпадала под строгую категорию "афро-американской", что в то время было бы препятствием в карьере.
Абаниндранат Тагор
Абаниндранат Тагор (1871–1951) был индийским художником, писателем и основателем художественного течения Бенгальской школы. Он известен тем, что был первым индийским художником, получившим всемирное признание. Он учился в Школе искусств в Калькутте у европейских художников О. Гиларди и Чарльза Палмера.
Тагор считал западное искусство "материалистическим" и вместо этого сосредотачивался на художественных традициях Индии. Наибольшее влияние на его ранние работы оказала Монгольская живопись, японское искусство и каллиграфия, что заметно по его акварелям. Тагор развивал так называемый "индийский стиль живописи", сочетая современные образы с религиозными чертами. "Бхарат Мата" ("Мать Индия") была одной из таких картин. На ней изображена женщина с четырьмя руками, похожая на образ индийских богинь.
Этот художественный стиль продвигался как национальный стиль в искусстве, получивший всемирную известность и позволивший индийскому искусству и художникам попасть в галереи Европы. До сих пор Бенгальская школа живописи остаётся постоянным наследием художников и каллиграфов.
Амрита Шер-Гиль
Амрита Шер-Гиль (1913–1941) была индийско-венгерским художником, считавшейся одной из наиболее важных женщин-художников Индии ХХ века. Она начала рисовать, будучи девочкой из Венгрии, и её работы расцвели, когда она уехала в Индию в 1934г. в возрасте 21 года. Её работы запечатлели бедняков Индии, в красках изобразив их мир и жизни.
Она запечатлела индийскую реальность, показав истощённые фигуры с пассивным, капризным выражением лиц. Она была сосредоточена на фермерах, медсёстрах и других обычных людях Южной Индии. Её стиль был вдохновлён европейским модернизмом, но включал в себя растущую независимости Индии как страны и культуры.
После её смерти её работы стали известными в Индии и Европе. Она также считается самым дорогим индийским художником, одна из её картин была продана за 6.9 крор рупий в 2006г. (в то время грубо за 1,5 миллиона долларов). Её работа вдохновляла и продолжает вдохновлять современных индийских художников.
Тарсила до Амарал
Тарсила до Амарал (1886–1973) была бразильским художником-модернистом, в чьих работах сочетались бразильские идеи и эстетика авангарда. Тарсила была рождена в привилегированной семье, но, в отличие от других привилегированных женщин Бразилии того времени, её семья поддерживала её образование и художественные занятия. Она изучала искусство в Париже, где на неё оказал влияние кубизм и Фернан Леже.
Она являлась членом "Группы пятерых" (“Grudo dos Cinco”), которая организовывала "Неделю современного искусства" ("Semana de Arte Moderna") в Сан-Паулу в 1922г. Художники, участвовавшие в ней, бросали вызов учреждению консервативного искусства своей современной эстетикой. Это событие и его участники стали основой бразильского движения в современном искусстве и продвигали культуру Бразилии в мире через искусство.
В 1923г. Тарсила вернулась в Париж и соединила свою культуру с кубизмом и похожими модернистскими стилями. Благодаря поездкам домой в Бразилию, её работы основывались на бразильской тематике и воспроизводили пейзажи и народ Бразилии через современные идеи кубизма.
Освалд де Андраде, поэт и член "Группы пятерых", написал поэму, которую она проиллюстрировала. Его работа призывала художников передавать бразильскую культуру в мир, особенно в Европу, которая оказала огромное влияние на Бразилию. Они старались оказать влияние на мир через бразильскую культуру и, благодаря нескольким картинам, Тарсила была довольно успешной.
Тарсила оставила после себя наследие в 230 картин, которые помогли принести модернизм в Латинскую Америку и поделиться бразильской культурой с миром. Её работы и намерения повлияли и продолжают влиять на художников, делясь традиционными бразильскими концепциями и темами в искусстве.
Вэнь Чжэнмин
Вэнь Чжэнмин (1470–1559) был китайским художником, каллиграфом и поэтом и считается одним из мастеров (одним из четырёх) живописи династии Мин. Работы Вэня часто были сосредоточены на простых вещах, таких как дерево или тема изоляции и одиночества. Его работы также восхваляли жизнь и общество элиты, потому что оттуда происходили его покровители. Он обучался и находился под влиянием основателя школы Ву - Шен Жоу.
Вэнь создавал работы в разных стилях, становясь плодовитым художником и поэтом. Его картины искали коллекционеры, их даже стали подделывать во время позднего периода династии Мин.
Вэнь стал ведущей фигурой периода династии Мин, влияя на художников следующих лет. Он стал независимым лидером школы Ву, привлекая многих студентов и вдохновляя собственных сыновей следовать по его следам.
Кемаль-ад-Дин Бехзад
Кемаль-ад-Дин Бехзад (ок. 1450 – ок. 1535) был персидским художником, который был известен созданием миниатюр и декорированных манускриптов. Бехзад создавал манускрипты в своём собственном стиле, взяв за основу геометрические композиции, обычные для персидского искусства, и сделав их более просторными, добавив в свои работы действие и движение. Он также умел органично направлять глаза зрителей вдоль композиции, создавая в своих работах естественные выражения и фигуры.
Работы Бехзада выглядели естественно игривыми и выразительными, что было необычным для персидских работ того времени. Он ввёл натурализм в персидское искусство, используя реалистичные жесты и выражения своих фигур и сосредотачиваясь больше на человеке внутри композиции, а не на заполнении пространства рисунком и узорами.
Он считается одним из самых великих художников персидских миниатюр, и его работы и эстетика повлияли на персидское и даже индийское искусство следующих лет.
Заключение
Этот список слишком короткий и неполный, он состоит только из десяти художников со всего мира и из всей истории. Посмотрите нашу предыдущую статью по истории искусства, рассказывающую о десяти чудесных женщинах в искусстве:
Каковы ваши любимые художественные влияния? Кто оставил неизгладимый след в мире? О ком вы сегодня узнали впервые? Поделитесь с нами своими ответами в комментариях ниже!
