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10 Pessoas Influentes da Cor ao Longo da História da Arte

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This post is part of a series called A Beginner's Guide to Art History.
10 Influential Women of Art Throughout History

Portuguese (Português) translation by Felipe Code (you can also view the original English article)

Em continuidade com nossos aspectos de história da arte, eu coletei algumas pessoas fantásticas em termos de cor na arte. Então, com muita frequência, quando artistas influentes são discutidos, são suspeitos usuais Da Vinci, Monet, etc. Enquanto discutimos alguns nomes familiares, eu espero que essa lista apresente alguns artistas que podem não ser muito familiares para você e abra portas para novos momentos e estilos de arte para explorar.

A lista a seguir, sem uma ordem particular, destaca alguns artistas fantásticos que deixaram uma marca indelével e contribuíram grandemente para o mundo da arte ao longo da história.

Diego Rivera

Talvez seja minha naturalidade Metro-Detroiter e amor por Rivera Court no Detroit Institute of Arts que coloca Rivera no topo dessa lista. Ao considerar esta lista, eu imediatamente pensei sobre as representações de Rivera sobre Detroit e sua forma de utilizar espaço em grandes murais. Eu estou saltando muito além de mim mesmo, no entanto.

Detroit Industry South Wall 1932-1933
Indústria de Detroit, Parede Sul (1932-1933)

Diego Rivera (1886-1957) foi um pintor mexicano conhecido pelos seus murais e críticas sociais implícitas neles. Aos 21 anos, Rivera estudou arte na Europa, sendo patrocinado pelo governador de Veracruz. Ele foi influenciado pelo cubismo e movimentos de arte modernos similares. Em 1921, aos 35 anos, ele retornou ao México. Foi nessa época que ele começou a criar grandes muriais. Primeiro foi patrocinado pelo Governo Mexicano e criado na National Preparatory School na Cidade do México. 

The Arsenal 1928
O Arsenal (1928)

O trabalho de Rivera é vibrante e foi cada vez mais influenciado pela sua terra natal. Ele abordou assuntos sociais dentro do México, como a Revolução de 1910, crenças políticas de esquerda e posturas antirreligiosas. Seu trabalho foi amplamente ilustrativo, contando histórias em cada espaço de seus afrescos, em uma moda ousada e detalhada que frequentemente franzia o cenho da sociedade e ainda permanecem controversos até hoje.

The Day of the Dead 1924
O Dia dos Mortos (1924)

Rivera foi casado cinco vezes, duas com Frida Kahlo, de quem falei em um artigo sobre história da arte anterior. Os murais e pinturas de Rivera podem ser encontrados em vários países, alguns dos quais incluem o lar original das peças, tais como os 27 afrescos que residem no Instituto de Artes de Detroit.

R.C. Gorman

Rudolph Carl Gorman (1931-2005) foi um pintor navajo nascido em Chinle, Arizona. Gorman foi aclamado como "o Picasso da Arte do Sudoeste" ou "o Picasso da Arte Índio-Americana". Ele, como muitas crianças, desenhava desde cedo. Ele era encorajado para desenvolver seu interesse na arte, o qual eventualmente o levou do Conselho Tribal Navajo para uma bolsa na Mexico City College.

Navajo Return
Retorno Navajo

Sua paixão para influências culturais na arte o conduziu para uma exibição em solo em 1965 na Manchester Gallery, no Novo México. Devido ao seu sucesso, ele abriu a R. C. Gorman Navarro Gallery em Taos, Novo México, onde permaneceu em estúdio e residência nos anos seguintes.

O trabalho de Gorman foi influenciado por artistas como Diego Rivera e David Siqueiros. Ele empurrou seu trabalho para um reino de realismo abstrato, jogando com formas abstratas para criar seu próprio estilo. Muitas de suas pinturas focam em mulheres navajos, seus papéis dentro da nação navajo e como elas se relacionavam com mulheres em todo o mundo.

La chilera
La Chilera

Inicialmente Gorman trabalhou com óleo, acrílico ou papel. Com o passar do tempo, ele passou para litografias (especialmente na criação de impressos de seu próprio trabalho) e cerâmica. Gorman foi incrivelmente bem-sucedido durante sua vida em criar uma ampla gama de trabalho e vender suas pinturas e impressos de sua galeria.

Utamaro

Kitagawa Utamaro (1753-1806) nasceu no Japão e é lembrado como o melhor artista de ukiyo-e na história. Seu trabalho consiste muito em retratos de mulheres (bijin-ga) e estudos naturalistas impressos em blocos de madeira. Arte ukiyo-e aborda tipicamente assuntos como: mulheres bonitas, kubuku, sumo, folclore, natureza e erotismo. O gênero não é considerado arte séria, sendo direcionada a uma audiência de pessoas comuns.

Takashima Ohisa using two mirrors to observe her coiffure night of the Asakusa Marketing Festival
Takashima Ohisa usando dois espelhos para observar seu "coiffure" noturno do Asakusa Marketing Festival

A vida de Utamaro não foi muito bem documentada. É sabido que ele foi ensinado por Toriyama Sekein, um artista que foi treinado na escola de pintura de Kano, mas  mudou seu próprio foco para trabalhos ukiyo-e mais tarde na vida. Sob o nome Kitagawa Toyoaki, Utamaro ilustrou literatura popular e atores kabuki.

No início da década de 1780, ele mudou seu nome para Utamaro e eventualmente trabalhou exclusivamente em retratos de mulheres. Suas modelos eram em grande parte do distrito do prazer. É com essas peças que ele se torna famoso, pelo seu tema e estilizações idealizadas da forma feminina.

Ase o fuku onna Woman Wiping Sweat Ukiyo-e 1798
Ase o fuku onna (Mulher Secando o Suor), Ukiyo-e, 1798

Em 1804, Utamaro tem problemas com leis de censura por retratar um romance histórico proibido. Ele foi sentenciado a ser algemado ou preso por 50 dias (as contas diferem). É dito que a provação foi devastadora para ele que o levou à depressão, da qual ele nunca se recuperou até sua morte dois anos depois.

Utamaro era prolífico. Ele produziu mais de 2000 impressões durante sua carreira e criou muitas pinturas, livros ilustrados e muito mais. Seu trabalho foi bem conhecido e amado durante sua vida e além. Quando você pensa ou ouve falar de bijinga ou arte ukiyo-e, é o trabalho de Utamaro que se sobrepõe sobre todos os outros e continua a estar entre os melhores de seu tempo. 

Jean-Michel Basquiat

Jean-Michel Basquiat (1960-1988) foi um artista americano cuja vida curta foi brilhante antes de uma overdose de heroína aos 27 anos. Seu trabalho abordava questões sociais, incluindo estruturas de poder, racismo e classicismo. Em 1976 ele começou com pintura em spray sob o nome SAMO, continuando com isso até o final da década de 70.

Scull 1981
Scull (1981)

Em 1980, quando ele foi destacado em um grupo de exposições, seu trabalho chamou a atenção. Logo ele estava vendendo pinturas por valores acima de $50.000 por peça. Basquiat foi parte do movimento neoexpressionista, o qual frequentemente retratava objetos ou ideias reconhecíveis de maneira emocional. Em meados dos anos 80 ele se associou com Andy Warhol, em uma série de peças colaborativas, que amplamente envolvia Warhol com elementos de impressão em tela e Basquiat adicionando componentes de pintura.

Poison Oasis 1981
Poison Oasis (1981)

O trabalho pessoal de Basquiat frequentemente incorporava palavras e texturas estilo grafite. Ele abordava questões influenciadas por sua herança afro-caribenha, incluindo painéis de pinturas múltiplas contando histórias dos egípcios e trocas de escravos pelo Atlântico. Muitas de suas peças eram esboços ou eram preenchidas com rabiscos. Cores brilhantes e imagens grosseiramente desenhadas cobriam as telas, páginas de sketchbooks e mais.

Black Tar and Feathers 1982
Black Tar & Feathers (1982)

Seu trabalho inspirou muitos na criação de obras emocionais, rabiscadas e pensativas. Graças a artistas como Basquiat, trabalhos inspirados em meio urbano entraram nas galerias no mundo da arte mais séria.

Robert S. Duncanson

Robert S. Duncanson (1821-1872) foi um pintor afro-americano associado com a Hudson River School, um movimento artístico focado em paisagens e influenciado pelo romantismo. Ele não foi formalmente treinado, mas honrou suas habilidades através de cópias impressas e observação. Na década de 1840 ele debutou uma exibição em Cincinnati, Ohio. A família de Duncanson não foi permitida a comparecer no evento por serem afro-americanos e pela segregação no seu auge. Ao longo da década de 1840, Duncanson focou em retratos.

Landscape with Rainbow 1859
Paisagem com Arco-Íris, 1859

Não foi só até que ele tenha mudado o seu foco para paisagem que seu trabalho decolou. Charles Avery, um abolicionista, encomendou uma pintura de Duncanson. Isso o levou para uma rede de patronos que eram antiescravismo e apoiadores das artes; eles sustentaram sua carreira. Suas paisagens eram mais que apenas rendições do espaço físico. Elas carregavam mensagens sócio-políticas.

Ellens Isle Loch Katrine 1871
Ellen's Isle, Loch Katrine (1871)

Duncanson se exilou no Canadá durante a Guerra Civil. Ele foi fortemente influenciado pelas paisagens canadenses, mesmo após sua partida para o Reino Unido e mais tarde retornou para Cincinnati, Ohio. Ele foi um dos primeiros pintores americanos a obter residência no Canadá e focar em suas paisagens. Seu trabalho adicionou toques sustis de suas próprias experiências como um homem negro em Antebellun America, sem seu trabalho ser categorizado estritamente como "afro-americano" em uma época onde isso poderia ser uma limitação de carreira.

Abanindranath Tagoe

Abanindranath Tagore (1871-1951) foi um artista indiano, escritor e fundador da escola Bengal do movimento artístico. Ele é notado como o primeiro artista indiano a ganhar reconhecimento mundial. Ele estudou na Calcutta School of Art sob os pintores europeus O. Ghilardi e Charles Palmer.

Bharat Mata c 1905
Bharat Mata (c. 1905)

Tagore considerou arte ocidental como "materialística" e focou em tradições artísticas indianas. Arte mughal foi uma precoce e importante influência em seu trabalho, como também arte e caligrafia japonesas, as quais podem ser vistas em suas peças de aquarela. Tagore desenvolveu seu "estilo indiano de pintura", como é bem conhecido, combinando imagens modernas com qualidades espirituais. Bharat Mata ("Mãe Índia") é uma pintura que mostra uma mulher com quatro braços, similar às representações de deidades hindus.

 Ganesh-janani by Abanindranath Tagore
"Ganesh-Janani" por Abanindranath Tagore.

Esse estilo de arte foi promovido como um estilo nacional de arte, ganhando popularidade mundial e trazendo a arte indiana e artistas às galerias da Europa. Mesmo nesses dias, a escola de arte Bengal é um legado corrente de artistas e calígrafos.

Amrita Sher-Gil

Amrita Sher-Gil (1913-1941) foi uma pintora húngara-indiana que é considerada uma das mais importantes pintoras femininas da Índia do século 20. Seu trabalho, iniciado quando ainda garota na Hungria, floresceu quando ela foi à Índia em 1934 aos 21 anos. O foco de suas obras focavam na pobreza da Índia, representando seu mundo e vida em pintura.

Hungarian Gypsy Girl 1932
Garota Cigana Húngara, 1932

Ela capturava a realidade da Índia, mostrando figuras emaciadas com expressões temperamentais e passivas. Ela focava em trabalhadores de fazendas, enfermeiras e outras pessoas comuns do sul da Índia. Seu estilo foi inspirado pelo modernismo europeu, mas capturou a independência em ascensão da Índia como país e cultura.

Brides Toilet 1937
Bride's Toilet, 1937

Não foi até sua morte que seu trabalho ganhou popularidade na Índia e na Europa. Ela também é considerada a artista indiana mais cara, tendo pinturas vendidas por ₹6,9 crores em 2006 (aproximadamente 1,5 milhões de dólares americanos hoje). Seu trabalho inspirou e continua inspirando artistas indianos contemporâneos.

Tarsila do Amaral

Tarsila do Amaral (1886-1973) foi uma artista modernista brasileira, cujo trabalho combina ideias brasileiras com a estética avant-garde. Tarsila nasceu para o privilégio, mas diferente de outras mulheres privilegiadas no Brasil na época, ela teve uma família que a apoiava na educação e em atividades artísticas. Ela estudou em Paris onde foi influenciada pelo cubismo e por Fernand Leger.

Abaporu 1928
Abaporu (1928)

Ela foi parte do Grupo dos Cinco, que organizou a Semana de Arte Moderna em 1922 em São Paulo.  Os artistas participantes do evento desafiaram o estabelecimento de arte conservadora com sua estética moderna. Esse evento e os artistas envolvidos foram fundamentais no movimento de arte moderna no Brasil e na promoção da cultura brasileira para o mundo através da arte.

Em 1923, Tarsila retornou a Paris e infundiu sua cultura no cubismo e estilos modernos similares. Graças às viagens de volta ao Brasil, seu trabalho assumiu um tema brasileiro, criando paisagens e pessoas do Brasil em ideais cubistas e modernos.

Morro da favela 1945
Morro da Favela (1945)

Oswald de Andrade, um poeta e membro do Grupo dos Cinco escreveu poesia que ela ilustrou. Seu trabalho chamou por artistas para exportar a cultura brasileira para o mundo, especialmente Europa, cuja influência teve grande impacto no Brasil. Eles buscavam influenciar o mundo com a cultura brasileira e graças às numerosas pinturas, Tarsila foi amplamente bem-sucedida.

Carnaval em Madureira 1924
Carnaval em Madureira (1924)

Tarsila deixou para trás um legado de 230 pinturas que ajudaram a trazer o modernismo para a América Latina e compartilhar o Brasil com o mundo. Seu trabalho e intenções influenciaram e continuam influenciando artistas em compartilhar os conceitos e temas indígenas brasileiros na arte. 

Wen Zhengming

Wen Zhengming (1470-1559) foi um pintor chinês, calígrafo, poeta e considerado um dos mestres (entre quatro) de pintura Ming. O trabalho de Wen frequentemente foca em coisas simples, como árvores e temas de isolação e solidão. Ele também focava na celebração da vida e da sociedade da elite, uma vez que estes eram seus patronos. Ele foi ensinado e influenciado por Shen Zhou, fundador da escola Wu.

One of eight album leaves depicting the Humble Administrators Garden painted in 1551
Uma de oito folhas de um álbum representando o Jardim do Administrador Humilde, pintado em 1551 

Wen produziu sob um número de estilos, tornando-se prolífico tanto em pintura quanto em poesia. Suas pinturas eram procuradas por colecionadores até o ponto da falsificação de seus trabalhos se tornar comum durante o período Ming.

Painting combining calligraphy and nature
Pintura combinando caligrafia e natureza.

Wen tornou-se uma figura líder no período Ming, influenciando artistas nos próximos anos. Ele se tornou líder da escola Wu em seu próprio direito, atraindo muitos estudantes e influenciando seus próprios filhos a seguirem seus passos.

Kamal ud-Din Behzad

Kamal ud-Din Behzad (c. 1450 - c. 1535) foi um pintor persa conhecido por criar pinturas em miniaturas e por iluminar manuscritos. Os manuscritos de Behzad eram criados em seu próprio estilo, que utilizava composições geométricas comuns para os persas que os preparou para serem mais abertos a permitirem ação e movimento em suas peças. Ele também era habilidoso em guiar os observadores ao longo da composição em um estilo orgânico, criando expressões naturais e figuras dentro de seu trabalho.

The construction of castle Khavarnaq Arabic in al-Hira c 1494-1495 CE
A construção do castelo Khavarnaq (árabe: الخورنق) em al-Hira, c. 1494-1495 E.C.

A obra de Behzad era naturalmente lúdica e expressiva, o que era comum no trabalho persa no momento. Ele introduziu o naturalismo aos persas, utilizando gestos realistas e expressões em suas figuras, que focava mais no indivíduo dentro de uma composição, em vez de encher o espaço com designs e padrões.

Yusef and Zuleykha
Yusef Zuleykha

Ele é considerado um dos grandes pintores de miniaturas persas e seu trabalho e estética os influenciou, e até mesmo a arte indiana no anos seguintes.

Conclusão

Essa lista é de longe muito curta e incompleta, apenas consistindo de dez artistas ao redor do mundo e ao longo da história. Veja nosso artigo anterior sobre história da arte que destaca dez fantásticas mulheres na arte:

Quem são alguns de suas favoritas influências artísticas? Quem deixou uma marca indelével no mundo? Sobre quem você aprendeu hoje que não estava ciente antes? Compartilhe conosco na seção de comentários abaixo!

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