10 Karya Seni Wanita Berpengaruh Dari Zaman ke Zaman

Ini adalah Hari Perempuan Internasional, hari yang berfokus untuk menghargai wanita dan kontribusi mereka kepada masyarakat. Apa cara yang lebih baik untuk merayakan di sini selain dengan daftar sepuluh artis wanita berpengaruh? Daftar berikut, tanpa urutan tertentu, menyoroti beberapa seniman fantastis yang melanggar batas, berdiri sebagai pengaruh besar, dan memberikan kontribusi besar bagi dunia seni sepanjang sejarah dan hari ini.

Louise Élisabeth Vigée Le Brun

Lahir di Paris, Prancis, Vigée Le Brun (1755–1842) paling dikenal sebagai pelukis potret selama periode Rococo yang sangat dekaden. Dia adalah pelukis potret pribadi Marie Antoinette, telah melukis sang ratu (dan terkadang keluarganya) lebih dari 30 kali. Warisan Vigée Le Brun sendiri mencakup ratusan lukisan dengan koleksi lebih dari 600 potret dan 200 lanskap.

Warisan artistik Vigée Le Brun bukanlah sesuatu yang baru saja diingat hari ini. Dia, tidak seperti kebanyakan wanita dalam seni pada saat itu, sangat terkenal dan terkenal. Ketika dia dan putrinya melarikan diri dari Perancis pada awal Revolusi Perancis, mereka melakukan perjalanan ke seluruh Eropa di mana bangsawan tahu dan menyambutnya, memungkinkan dia untuk terus melukis dengan gaya khasnya. Mereka berhasil sampai ke Rusia, di mana dia melukis potret indah Ratu Catherine dan putrinya.

Akhirnya Vigée Le Brun berhasil kembali ke Paris dan bersatu kembali dengan suaminya, di mana ia hidup lebih lama dari keluarganya dan terus melukis sepanjang hidupnya, seorang seniman sampai akhir. Itu karena semangat, gaya, dan kemampuan Vigée Le Brun untuk memengaruhi pengaruh di antara orang-orang di seluruh dunia sepanjang hidupnya dan di luar itu saya memasukkannya dalam daftar ini. Kariernya yang produktif sangat menginspirasi, dan berbagai individu yang ditugaskan potret darinya sangat menarik.

Mary Cassatt

Peluangnya adalah Anda terbiasa dengan beberapa wanita di daftar ini. Mary Cassatt (1844–1926), lahir di Pennsylvania, paling dikenal sebagai impresionis yang berfokus pada wanita, anak-anak, dan peran sebagai ibu sebagai subyek pekerjaannya. Jika Anda mencari di Google "Siapa wanita yang melukis bayi?", Anda mungkin menemukan karya Mary Cassatt.

Cassatt belajar melukis di Akademi Seni Rupa Pennsylvania, bertekad untuk meniti karir, dari usia 15 (atau 16, sumber berbeda) hingga 21. Pada tahun 1866 ia pindah ke Prancis, yang sangat disesalkan ayahnya, untuk melanjutkan pekerjaan dan studinya. Pada saat itu wanita tidak bisa bersekolah di sekolah seni, jadi dia mengambil pelajaran privat, tidak pernah sekalipun goyah dari tujuannya: berkarir sebagai seniman. Pada tahun 1868, karya Cassatt, A Mandoline Player, dipilih untuk Paris Salon, pameran seni resmi Académie des Beaux-Arts. Dia adalah salah satu wanita Amerika pertama yang diterima di pameran.

Sayangnya, dia harus meninggalkan Prancis pada tahun 1870 untuk menghindari terjebak dalam perang Perancis-Prusia. Melakukan hal itu berarti usahanya yang artistik terpukul, karena ayahnya masih tidak mendukung pilihan kariernya, dan bahkan menyebabkan dia mempertimbangkan untuk berhenti dari tujuannya berkat kurangnya dukungan dan inspirasi. Untungnya, ia dapat kembali ke Eropa setelah ditugaskan oleh uskup agung Pittsburgh untuk melukis salinan master pelukis Correggio di Parma, Italia.

Saat kembali ke Eropa, karyanya mengambil gaya impresionistik, dan ia berteman dengan Edgar Degas, seorang sesama seniman impresionis dan pastel terkenal. Persahabatan inilah yang menginspirasinya untuk melanjutkan dengan caranya sendiri, akhirnya berkembang menjadi gaya yang paling dikenalnya: pelukis potret perempuan dan anak-anak.

Kisahnya terpotong di sini pasti (meskipun mungkin salah satu yang terpanjang dalam daftar ini), tetapi saya ingin menggarisbawahi kegigihannya dalam mengejar cita-citanya, tidak berhenti untuk menciptakan seni dan meninggalkan kesan yang tak terhapuskan pada dunia.

Harriet Powers

Harriet Powers (1837–1910) adalah budak Afrika-Amerika yang dibebaskan yang menciptakan selimut dongeng yang indah pada abad ke-19. Harriet dilahirkan sebagai budak sekitar 30 tahun sebelum Perang Saudara Amerika.

Untuk waktu yang lama diperkirakan bahwa selimutnya, yang sebagian besar menceritakan kembali kisah-kisah Alkitab, didasarkan pada kisah-kisah yang diceritakan kepadanya. Berkat surat yang ditulis oleh Harriet yang muncul pada tahun 2009, kita sekarang tahu dia adalah seorang wanita yang melek huruf yang mengubah kisah-kisah terkenal yang dia baca sendiri menjadi mahakarya bergambar dalam tradisi pembuatan selimut.

Selimut Harriet pertama kali diperlihatkan di sebuah kapas di akhir tahun 1880-an, hanya akhirnya menjual selimut ketika ia mengalami masalah keuangan bertahun-tahun kemudian. Pembeli selimut, Jennie Smith, mencatat makna dan cerita selimut, seperti yang diceritakan kepadanya oleh Harriet, memungkinkan kita untuk lebih memahami tentang cerita rumit yang diceritakan dalam karya Harriet hari ini.

Disatukan, dijahit, dan disulam dengan tangan, selimutnya adalah karya seni yang fenomenal, menggambarkan dengan media yang cukup alternatif untuk melukis atau pensil. Saya pikir kisah Harriet penting untuk dibagikan mengingat sejarah negaranya dan pengalamannya sendiri serta keterampilan yang ia tampilkan dalam seni rakyat. Mampu terhubung dengan karya-karya seperti hari ini dan melihat seniman melanjutkan tradisi-tradisi ini membawa keterampilan seperti lingkaran penuh.

Georgia O'Keeffe

Sulit membayangkan citra Amerika Barat Daya atau bunga abstrak tanpa lukisan Georgia O'Keeffe (1887–1986). Berasal dari Wisconsin, seniman Midwestern ini belajar melukis di Institut Seni Chicago pada awal abad ke-20, di mana ia dilatih dalam tradisi mimesis, di mana seni meniru atau mewakili alam. Namun, dia tidak puas dengan pekerjaannya dalam teori ini, dan memutuskan untuk berhenti mengejar karier sebagai seorang seniman.

Tidak sampai dia belajar di bawah Arthur Wesley Dow bahwa dia terinspirasi untuk berpaling dari realisme dan bereksperimen dengan mengabstraksikan dunia di sekitarnya. Dia tercatat sebagai salah satu seniman Amerika pertama yang melepaskan diri dari realisme dengan cara ini dan menandai era baru seni Amerika: abstraksi murni.

Pada 1916, seorang temannya menunjukkan beberapa karya ini kepada Alfred Stieglitz, seorang pedagang seni dan fotografer terkenal. Dia memamerkan karyanya di galeri, 291. Ini tidak hanya memulai karirnya sebagai artis yang kita kenal sekarang, tetapi juga memulai hubungan mereka dan pernikahan akhirnya.

Pekerjaan O'Keeffe berkisar dari subjek organik, seperti close-up dan abstraksi bunga, hingga struktur buatan manusia, seperti bangunan di New York, tempat dia tinggal dan bekerja. Yang menarik, banyak dari karyanya yang berpusat pada bunga dianggap juga menggambarkan alat kelamin wanita, meskipun O'Keeffe sendiri menolak interpretasi ini.

Akhirnya, ia bosan dengan hal-hal ini dan melakukan perjalanan ke New Mexico, di mana lanskap dan ikonografi sangat menginspirasi pekerjaannya sehingga ia akhirnya pindah ke sana. Popularitas karyanya tidak pernah goyah, tidak peduli subjek apa yang dia ambil.

Disengaja atau tidak, O'Keeffe adalah seorang trendsetter; karyanya bertepatan dengan tren artistik (bunga dan modernisme Amerika sebelumnya, dan sekarang pemandangan dan adegan regional). Dia melukis tanpa bantuan ke usia 80-an, dan ketika penglihatannya gagal, dia bekerja dengan asisten, menciptakan motif yang sangat dicintai dari ingatannya.

Frida Kahlo

Frida Kahlo (1907–1954), pelukis surealis Meksiko, terkenal karena potret dirinya yang berwarna cerah dan aneh. Sebagai seorang anak ia terjangkit polio, yang menyebabkan kaki kanannya menjadi lebih tipis, sesuatu yang ia sembunyikan dalam rok panjang untuk sebagian besar hidupnya.

Pada usia 18 tahun dia mengalami kecelakaan bus, yang menyebabkan dia mengalami beberapa cedera serius, yang sebagian besar dia sembuh, tetapi memiliki efek yang bertahan lama pada tubuhnya termasuk episode nyeri seumur hidup dan masalah reproduksi, yang terakhir yang muncul sebagai umum subjek karya seninya. Pada saat kecelakaan itu, dia sedang belajar kedokteran tetapi meninggalkannya dan mulai melukis ketika dia tidak bisa bergerak selama pemulihan.

Sepanjang hidupnya, Frida melukis lebih dari 140 lukisan, 55 di antaranya adalah potret diri. Karyanya cerah dan penuh warna, sangat dipengaruhi oleh budaya Meksiko-nya. Tema umum termasuk ekspresi simbolis dari tantangan fisik dan keadaan psikologisnya. Dia dikutip mengatakan, "Saya tidak pernah melukis mimpi. Saya melukis realitas saya sendiri. ”

Realitas Kahlo termasuk perkawinan yang dilaporkan kacau dengan sesama pelukis Diego Rivera, secara terbuka mendukung komunisme, dan persahabatan dengan Pablo Picasso, Leon Trotsky, dan Marcel Duchamp. Tubuh kerjanya tumbuh dan tumbuh dari waktu ke waktu, menunjukkan perjuangannya dengan memakai kembali kawat gigi, operasi tulang belakang, dan sakit fisik dan mental kronis.

Pekerjaan Frida dipenuhi dengan emosi, hasrat, dan sering kali berbalik ke dalam, memberi dunia wawasan tentang pikiran dan keadaan dirinya. Apakah Anda setuju dengan politiknya atau tidak, cita-citanya tidak pernah tersembunyi dalam pekerjaan atau kehidupannya. Dan dengan demikian, dia tidak menyembunyikan perjuangannya dengan depresi atau rasa sakit. Dia melakukan pemikiran dan perasaan ini ke kanvas dan berbagi semua yang dia rasakan, kreatif, dengan dunia.

Caterina van Hemessen

Caterina van Hemessen adalah seorang pelukis Flemish Renaissance, yang hidup dari tahun 1528–1587 (atau sekitar itu), dan paling dikenal sebagai pelukis pertama yang membuat potret diri yang menggambarkan seorang seniman di kuda-kuda mereka. Dengan potret diri yang merupakan fitur umum dari para seniman (dan kemanusiaan, sungguh), sungguh menakjubkan untuk berpikir bahwa baru pada abad ke-16 seorang seniman menunjukkan diri mereka sedang bekerja dalam pekerjaan mereka.

Berbeda dengan artis lain dalam daftar ini, tubuh karya Van Hemessen kecil dan masa lukisnya pendek. Caterina, yang kemungkinan dilatih oleh ayahnya, pelukis Jan Sanders van Hemessen, terutama adalah pelukis potret. Tema umum yang terlihat dalam karyanya, pria kaya mengenakan pakaian mewah dengan latar belakang gelap, kemungkinan karena lukisan yang ditugaskan oleh pelanggan kaya.

Dikatakan pekerjaannya berhenti pada 1554, sekitar waktu dia menikah, kejadian umum pada waktu itu. Meskipun, mengingat dia meninggal beberapa tahun kemudian, benar-benar tidak diketahui apakah dia akan mengambil lukisan lagi di kemudian hari.

Saya telah memasukkannya dalam daftar ini untuk memengaruhi begitu banyak seniman dalam potret diri dan potret diri. Tidak setiap seniman menghasilkan karya selamanya, tetapi untuk dicatat sebagai artis yang telah memulai tren potret diri di pensil, cukup berpengaruh bagi saya.

Sofonisba Anguissola

Sofonisba Anguissola adalah seorang pelukis Renaissance Italia yang hidup 1532-1625. Pendidikan seni Sofonisba berasal dari belajar dengan Bernardino Campi dan Bernardino Gatti. Ini menjadi preseden, akhirnya, bagi perempuan untuk diterima sebagai murid dan mahasiswa seni rupa. Ayahnya menyemangati dia dan saudara-saudaranya dalam upaya artistik mereka, kemungkinan lebih dari yang akan dialami wanita lain pada waktu itu.

Ini adalah benang merah di seluruh daftar ini: dorongan yang tampaknya anakronistis perempuan untuk mencapai tujuan dan impian mereka untuk masa depan yang dipenuhi dengan menciptakan seni mengarah ke banyak keberhasilan — atau setidaknya sebanyak kesuksesan yang bisa dicapai oleh wanita dalam waktu mereka. Bagi Sofonisba, ini berarti bahwa dia tidak dapat mempelajari anatomi dan menggambar hidup sebagaimana halnya laki-laki (selama bertahun-tahun wanita tidak diizinkan mempelajari bentuk tubuh telanjang manusia).

Untuk mengatasi batasan konyol ini, Sofonisba melukis potret informal anggota keluarga sendiri. Salah satu karyanya, Lucia, Minerva dan Europa Anguissola Playing Chess, memperlihatkan kepada saudara perempuannya pakaian formal dengan ekspresi informal. Pada saat itu, potret Italia kaku dan formal. Dia menciptakan ekspresi alami dan mengantarkan pada konsep melukis orang sebagaimana mereka bukan seperti yang mereka inginkan (versi ideal). Selain itu, permainan catur populer, tetapi biasanya hanya dilihat sebagai sesuatu untuk anak laki-laki atau laki-laki karena penggunaan logika dan strategi.

Pada akhir 1550-an, Sofonisba sudah dikenal, dan dia diundang ke Spanyol untuk menjadi pelukis istana Raja Philip II. Dia memiliki kediaman di pengadilan selama 14 tahun, melukis potret dan melayani sebagai mentor artistik untuk Ratu Elisabeth dari Spanyol dan putrinya. Belakangan ia menikah, tinggal di Palermo, kehilangan suaminya, pindah ke Genoa, dan menikah lagi. Dia menjadi pelukis potret utama di Genoa sampai dia pindah kembali ke Palermo di akhir hidupnya.

Potret diri terakhirnya terdaftar sebagai telah dilukis pada tahun 1620. Di masa senja dia menjadi pelindung seni yang hebat, tidak lagi bisa melihat dengan baik dan berkontribusi karena katarak dan penglihatan yang buruk. Sofonisba naik di atas batas-batas yang ditempatkan pada jenis kelaminnya oleh masyarakat, melukis jauh sampai usia tuanya, dan membangun dirinya, berkali-kali, sebagai kekuatan artistik yang harus diperhitungkan lama setelah banyak orang sezamannya pergi.

Artemisia Gentileschi

Artemisia Gentileschi adalah seorang pelukis Barok Italia, yang hidup dari tahun 1593–1653 (atau sekitar itu). Dia dianggap sebagai salah satu wanita terhebat di bidang seni selama masa hidupnya, berfokus pada ide-ide progresif tentang wanita yang tidak terlihat di depan umum pada saat itu.

Gentileschi diperkenalkan pada seni berkat ayahnya, pelukis Orazio Gentileschi, dan sangat dipengaruhi oleh pelukis Italia Caravaggio. Namun, pekerjaannya, tidak seperti ayahnya, sangat naturalistik daripada ideal, dan mendapatkan pengakuan besar untuk itu.

Lukisan terkenal sebelumnya oleh Gentileschi adalah Susanna and the Elders. Kisah potongan berasal dari Kitab Daniel, menggambarkan seorang wanita bernama Susanna yang dituduh palsu oleh sepasang tetua menyeramkan. Dalam cerita itu, Susanna menolak untuk diperas, ditangkap, dan hampir dihukum mati sebelum Daniel menyelamatkannya, menanyai para tetua dan menunjukkan mereka sebagai pembohong.

Karya ini terkenal karena lukisan Artemisia berfokus pada emosi Susanna, yang menunjukkan voyeurisme sebagai pengalaman traumatis. Pada saat itu, beberapa seniman menggambarkan kisah ini dengan cara ini; beberapa seniman fokus pada pengalaman seorang wanita.

Pada tahun 1612, sebuah gugatan diajukan terhadap Agostino Tassi, seorang seniman yang dipelajari Artemisia, karena telah memperkosanya. Tassi memanipulasi Artemisia setelah pemerkosaan, menjanjikan pernikahan untuk mengembalikan gagasan budaya mereka tentang "kebajikan". Persidangan ini dipublikasikan dan mengungkap niat sebenarnya Tassi untuk membunuh Artemisia dan mencuri lukisan-lukisan Orazio. Tassi hanya dijatuhi hukuman penjara satu tahun dan tidak pernah benar-benar menjalani hukuman.

Peristiwa ini selamanya mengubah karya Artemisia Gentileschi: pemerkosaannya, keputusan pengadilan, kurangnya bantuan dari wanita dalam hidupnya, dan pengalaman persidangan itu sendiri. Karyanya kemudian berfokus pada citra solidaritas antara wanita, wanita yang kuat, dan penggambaran grafis yang berfungsi sebagai katarsis untuknya. Banyak lukisannya tentang wanita kuat dianggap menyerupai Artemisia sendiri.

Dia melukis sepanjang hidupnya dan sangat dihormati. Pekerjaannya setelah kematiannya, bagaimanapun, telah salah diartikan, sering dikaitkan dengan ayahnya. Namun, berkat para sarjana seni, penghargaan atas karya dan warisannya telah dipulihkan.

Saya telah memasukkannya ke dalam daftar ini tidak hanya karena pengaruhnya dan ketenarannya selama masa hidupnya, telah menjadi seniman yang berprestasi luar biasa, tetapi untuk fokus yang tampaknya ketinggalan zaman pada wanita yang kuat dan pengalamannya sendiri sebagai seorang wanita selama abad ke-17.

Marianne North

Marianne North (1830-1890) adalah seorang ahli biologi dan seniman botani yang melukis terutama selama era Victoria. Marianne berkeliling dunia bersama ayahnya, mempelajari tanaman dan mengecat hampir semua yang dia bisa. Ketika ayahnya meninggal pada tahun 1870, dia memutuskan untuk melanjutkan perjalanan dunia sendirian, berjalan dengan susah payah melalui hutan, tidur di tanah, dan akhirnya mengunjungi setiap benua yang dia bisa, mengumpulkan ratusan lukisan dunia alami.

Lukisan-lukisannya tampaknya lebih hidup daripada rekan-rekan mereka di kehidupan nyata, sangat berbeda dengan seniman botani lainnya. Gayanya cepat dan cenderung impresionistis, memungkinkan dia untuk menyelesaikan lukisan dengan cepat dan cenderung mengarah pada sifatnya yang produktif.

Jumlah tanaman dan organisme yang ia dokumentasikan dalam lukisannya membawa nilai lebih dari sebelumnya dalam kegunaannya dalam biologi. Tanpa kemudahan fotografi, karyanya berfungsi, dan masih berfungsi, sebagai sumber daya penting untuk mempelajari dunia alami. Berbagai tanaman telah dinamai untuk menghormatinya, termasuk seluruh genus tanaman bernama Northia.

Saya telah memasukkan Marianne dalam daftar ini tidak hanya karena keahlian dan sifatnya yang suka berpetualang, berkeliling dunia sendirian dan mengikuti hasratnya, tetapi juga atas kontribusinya pada sains dan pemahaman kita tentang dunia alami.

Beatrix Potter

Beatrix Potter (1866–1943) adalah seorang naturalis, konservasionis, ilustrator, dan penulis yang sangat terkenal. Sangat mungkin bahwa Anda telah membaca beberapa karyanya sebagai seorang anak, seperti The Tale of Peter Rabbit. Lahir di Inggris dari keluarga kaya, Beatrix memiliki minat terhadap dunia alami pada usia muda.

Karya awal miliknya berfokus pada mikologi dan ilustrasi ilmiah. Selama waktu ini, ia mempelajari berbagai spesimen jamur hidup. Banyak gambar dan lukisan jamurnya diberikan kepada Museum dan Perpustakaan Armitt dan menjadi sumber bagi para ahli mikologi hingga hari ini.

Dipengaruhi oleh dongeng, Beatrix beralih ke bercerita dengan gambar-gambar indah dan lukisan hewan. Pada tahun 1901, setelah tidak dapat menemukan penerbit untuk buku tiruannya yang menceritakan kisah kelinci, ia menerbitkan sendiri dengan biaya sendiri. Berkat bantuan teman keluarga, bukunya, The Tale of Peter Rabbit, diterbitkan oleh Frederick Warne & Co pada tahun 1902.

Dia menciptakan 23 buku yang menampilkan kisah-kisah hewan kecil selama 20 tahun. Cukup bijak, Beatrix menciptakan dan mematenkan boneka Peter Rabbit pada tahun 1903, yang pertama dari banyak barang dagangan berdasarkan buku dan ilustrasinya. Produk-produk ini dilisensikan oleh penerbitnya, yang memungkinkan pemasukan bagi dirinya sendiri di luar cakupan buku dan juga dorongan tambahan bagi penerbitnya.

Beatrix pindah ke pedesaan, terus menulis dan mengilustrasikan, dan menjadi petani domba. Dihormati di komunitasnya, ia dinominasikan sebagai Presiden Asosiasi Herdwick Sheepbreeders, wanita pertama yang melakukannya, tetapi meninggal pada tahun yang sama sebelum memegang jabatan.

Saya memilih Beatrix untuk daftar ini tidak hanya karena semangat dan hasratnya sebagai seorang seniman, tetapi juga untuk ketajaman bisnisnya, dengan cerdas melindungi pekerjaannya, dirinya sendiri, dan menciptakan kesan abadi pada generasi yang akan datang dengan cerita dan ilustrasinya.

Kesimpulan

Daftar ini terlalu pendek dan tidak lengkap, karena hanya 10 wanita yang fantastis dalam seni. Ada begitu banyak wanita brilian dan menarik yang telah menciptakan karya seni di berbagai media sepanjang sejarah. Saya mohon Anda untuk membaca tentang kehidupan seniman sejarah dan kontemporer dalam berbagai disiplin ilmu. Anda bisa mulai dengan artikel tentang wanita dalam fotografi:

• Perempuan dalam Fotografi: Cerita yang Masih Ditulis

Siapa saja wanita favorit Anda di dunia seni? Beri tahu kami apa yang membuat pilihan Anda memengaruhi Anda dan dunia seni dan desain. Bagikan dengan kami di bagian komentar di bawah!