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El secreto para una pintura realista: Cómo dominar la luminosidad

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Spanish (Español) translation by Pat5 (you can also view the original English article)

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Cuando los artistas principiantes comienzan su aventura con la pintura digital, o la pintura en general, todo lo que ven son colores. Así como dibujar se trata de líneas, pintar se trata de poner colores por todas partes y hacer que se vean consistentes en conjunto. El problema es que el color es un asunto mucho más complejo que la línea.

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¡Éstos tienen los mismos colores! ¿Cuál es la diferencia entre ambos? No es el contraste, como podrías pensar, y no se corrige tan fácil. Si quieres saber cómo deshacerte de este aspecto apagado en tus colores, primero tienes que recurrir al blanco y negro. ¡Sígueme para que hagas un descubrimiento que cambiará tu perspectiva artística!

Luminosidad vs. brillo

Cuando aprendes sobre pintura, una de las primeras lecciones es acerca de la luminosidad (también se le llama valor)—negro, blanco y todos los grises de por medio. Llegas a la conclusión de que éstos son para pinturas blanco y negro, y te vas directo a los colores que aparentan ser mucho más interesantes.

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Un gradiente de luminosidad y nueve valores separados.

Aprendes que cada Matiz (Hue) puede crearse con tres componentes: Rojo (Red), Verde (Green) y Azul (Blue), y que cada uno de ellos puede tener un cierto Brillo (Brightness) y Saturación (Saturation). ¡Justo como el panel de Color de Photoshop!

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Claro, empiezas con el negro, pero lejos de eso no hay más utilidad para los grises en el color. ¡No hay barra de "Luminosidad" (Value) para ninguno de los matices! Pero podemos usar Brillo, ¿verdad? ¡Incluso algunos programas le llaman Luminosidad!

Hagamos un pequeño experimento. He pintado tres esferas: roja, verde y azul. Las he sombreado disminuyendo el brillo (Brightness) en cada sección—desde 100% en la parte superior hasta 50% en la sombra.

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Así es como el tono de rojo cambia en la esfera; y pasa exactamente lo mismo en las otras esferas. Nota que el brillo (Brightness) es el único elemento que cambia. ¿Ésta es nuestra Luminosidad también?

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Para ver los valores en la imagen, podemos crear una Nueva Capa encima, rellenarla de negro, luego cambiar el Modo de Fusión a Saturación.

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Pero... ¿qué pasó? ¡La esfera roja se ve más obscura que la verde, y la esfera azul se ve casi negra! ¿Cómo es posible si  usamos exactamente el mismo Brillo para todas las esferas? El modo Saturación solo quita, bueno, la saturación—no el brillo. ¿Entonces cómo lo perdimos?

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Si pusiste atención a la lección sobre los tres componentes que hacen a todos los colores, deberías suponer la respuesta. El 100% blanco está hecho de Rojo (Red), Verde (Green) y Azul (Blue) al 100% de brillo. Obviamente, gris al 100% de brillo (blanco) es más brillante que el rojo, verde o azul al 100% de brillo. La única solución es que hay dos tipos de brillo, ambos incluidos en la misma barra.

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¿Cómo puede un brillo al 100% ser más brillante que otro brillo al 100%?

¿Por qué? Tan sólo fíjate en la representación RGB del blanco y del rojo. Gris al 100% de brillo (blanco) se hace con 255R, 255G y 255B, mientras que rojo al 100% de brillo es de 255R solamente. ¡Es imposible para 255R tener el mismo brillo que 255R, 255G, 255B combinados!

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Claro, puedes añadir más G y B al rojo para hacerlo más brillante, pero adivina qué pasa entonces.

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La Saturación es la medida de la pureza del color. Cuanto menor sea la Saturación, más apagado será el color.  Si sólo usas 255R, la Saturación será del 100%—porque es tan puro como puede ser. Su Brillo es también del 100%—porque es tan R como puede ser.

Cuando desaturas algo colorido, como le hicimos con las esferas, su Saturación se reajusta—los colores se convierten en gris. 255R (rojo al 100% de brillo) no puede hacer gris al 100% de brillo, porque entonces sería blanco—y el blanco necesita 255 de cada componente para ser creado. Entonces cuando desaturas el rojo al 100%, su brillo se reduce por los faltantes verde y azul al 100%—dos tercios de su brillo entero.

De cualquier forma, no obtenemos como resultado un rojo al 33% de brillo. Es porque Photoshop incluye aquí una regla más—nuestros ojos no son sensibles a cada color por igual. Resumido, el Verde (Green) aparenta ser el más brillante para nuestros ojos (59% de blanco), le sigue el Rojo (Red) (30% de blanco), y el azul (Blue) aparenta ser el más obscuro (11% de blanco).  ¿Tiene sentido ahora?

Cuando desaturamos las esferas, el rojo al 100% de brillo se redujo a 59% (el brillo faltante del verde al 100% de brillo) y a 11% (el brillo faltante de del azul al 100% de brillo). El rojo al 90% de brillo se redujo a 53% (brillo del faltante verde al 90% de brillo) y 10% (brillo del faltante azul al 90% de brillo). ¡Y así sucesivamente!

Si sumas todos los brillos de las esferas desaturadas, nuestros valores originales regresan magicamente:

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Pero... ¿son matemáticas, cierto? ¡Los artistas no cuentan mientras crean! Aún así, todos estos números fueron necesarios para explicar como el Brillo (Brightness) se vuelve más brillante cuando se reduce la Saturación (Saturación). Brillo al 100% no puede ponerse más brillante— es la luminosidad la que aumenta.

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Entonces, Brillo = luminosidad sólo para grises. Por cada color (y con color me refiero a algo con Saturación y y Brillo mayor a 0) la luminosidad está basada en ambos, Brillo y Saturación—con la Saturación sumándose a la luminosidad cuando decrementa.

¿Por qué es tan importante?

No puede haber una pintura realista sin los valores (luminosidad) correctos. Incluso cuando experimentas con el color, debes saber las reglas que estás rompiendo para hacer creíble el estilo. Cuando no sabes nada sobre la luminosidad, sólo usas los colores como los ves en la paleta—haciéndolos más Brillantes en la luz y menos Brillantes en la sombra. ¡Luego algo muy malo pasa cuando tratas de hacer el amarillo tan obscuro como el azul en la sombra!

La verdad es que el color compone sólo una pequeña fracción de una imagen. Una imagen con los valores correctos sobresale por sí misma en la escala de grises, y siempre le ganará a una imagen colorida pero con defectuosa luminosidad. ¡Puedes tener una pobre base de datos visual, podrás no saber nada de anatomía, pero si dominas la luminosidad, tus imágenes serán más atractivas que tus más refinados bocetos!

Los artistas principiantes seguido empiezan su pintura en escala de grises y añaden los colores después, porque así se pueden concentrar confiadamente en la luz y la sombra. Éste es un gran método—pero únicamente cuando entiendes que luz y luminosidad no son lo mismo.

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Ninguno de los colores se abrillanta igual entre la luz (A) y la sombra (B). ¡El amarillo en la sombra es más brillante que el azul en la luz! Cuando tratas de forzar la igualdad entre ellos al sombrear todos los materiales de la misma manera y añadiendo los colores posteriormente, el efecto dista de realista.

Es por eso que no tenemos una barra de "Luminosidad" (Value) justo a un lado (y no en vez de) Brillo La intuición nos dice que algo en la luz siempre será más brillante que algo en la obscuridad, pero es muy simple probar lo contrario— simplemente pon una tarjeta blanca en la sombra y una tarjeta negra en la luz. Aquí es donde el valor es de ayuda—define el brillo de un objeto en condiciones de iluminación "neutrales". Esto significa que algunos colores simplemente son más claros, no porque estén más iluminados que otros.

El problema es que nuestros ojos no saben diferenciar el valor del brillo. Solo notamos distintos tonos de gris, no importa de dónde vengan. Además, ¡un mismo objeto puede parecer claro u oscuro en función del tono del fondo! Así que realmente no se trata de qué tonos utilices—se trata de cómo funcionan en conjunto.

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Incluso cuando sabes que son el mismo, tus ojos te dicen otra cosa.

Cómo Aprender a Sacar el Máximo Provecho a los Valores.

Incluso cuando sabes cómo funcionan los valores y cómo aplicar las reglas en tus pinturas, eso no significa que sepas qué valores usar para un efecto interesante. Probablemente veas una foto o una ilustración con una iluminación muy buena de vez en cuando—¿por qué no aprender de ellas?

Cuando pintamos a partir de una referencia, tendemos a empezar con un boceto, y luego añadimos los detalles, uno por uno. Puede que el efecto quede bien, pero en realidad, ¡no nos enseña nada sobre cómo lo ha planeado el autor! ¿Sabían dónde poner los valores adecuados desde el principio? ¿Cómo sabían que iban a funcionar bien en conjunto? Sin mencionar que no tienes ni idea de por dónde empezó el autor, así que empiezas por un detalle aleatorio—y puedes estar seguro de que así no es como se suelen empezar las pinturas.

Para utilizar una referencia para aprender un uso interesante de los valores, necesitamos empezar a partir de una abstracción y luego ir a los detalles—justo como haríamos con nuestra propia pintura. ¡Permíteme que te lo demuestre!

Paso 1

Consigue una imagen con una iluminación interesante y/o colores vívidos, algo que te gustaría emular en tus obras. Yo he encontrado la mía aquí, pero no tienes por qué limitarte a fotos de stock. Siempre y cuando no lo publiques en ningún sitio, puedes incluso estudiar la Mona Lisa—¡haz que los antiguos maestros sean tus profesores!

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Paso 2

Desatura los colores como hemos hecho en el experimento anterior—este es el mejor método para conseguir una escala de grises sin alterar los valores.

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Paso 3

Crea una Capa Nueva y rellénala de blanco. Reduce su Opacidad para ver la imagen de abajo solo parcialmente. Después crea otra Capa Nueva y calca la imagen. Sí, has oído bien—¡calcar no es siempre algo malo! Aquí estamos aprendiendo a usar valores, así que sería una pérdida de tiempo practicar copiando líneas.

Sin embargo, si tu objetivo es aprender a pintar sin utilizar el line art, sáltate este paso. ¡No encontrarás una lección mejor que esta!

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¿No es un poco espeluznante? Eso es poque en la realidad las líneas son creadas por los valores, y no existen sin ellos.

Paso 4

Selecciona (Control-A) el dibujo, y luego crea un Archivo Nuevo (Control-N)—se copiará la resolución. Vuelve al original y copia el line art, y luego pégalo en el archivo nuevo.

Ve a Ventana > Organizar > 2-up Vertical. Las dos ventanas se colocarán una al lado de la otra, que es la mejor disposición para trabajar con una sola referencia. A partir de ahora, me refereriré a la ventana con la referencia como original, y a la otra como estudio.

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Paso 5

Ve al original. Haz click en la capa con la imagen y ve a Filtro > Convertir para Filtros Inteligentes. De esta manera podrás cambiar la configuración del filtro varias veces después de haber aplicado el filtro.

Ve a Filtro > Galería de Filtros y selecciona el filtro Cuarteado de la lista de Artístico. Cambia el Número de Niveles al mínimo, y dale la mínima Simplicidad de Bordes, y la máxima Definición de Bordes.

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El efecto debería ser parecido a esto:

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Paso 6

Vuelve al estudio y crea una Capa Nueva debajo del line art. Ahora empieza la parte más importante. Sin la Herramienta Cuentagotas, reproduce las sombras del original. Para esto puedes utilizar tu pincel favorito, o incluso puedes bloquear las sombras con la Herramienta de Lazo—lo que usarías en una pintura normal. Si quieres utilizar el mismo pincel que yo, en este tutorial muestro cómo lo he creado.

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En esta etapa deberías estar viendo la obra entera todo el tiempo—¡nada de hacer zoom!

Lo primero que estás aprendiendo aquí es a copiar sombras con la vista. Cuando utilizas la Herramienta Cuentagotas, te quita toda la parte de pensar—es como si estuvieras copiando y pegando partes de una imagen. ¡Te convierte en una máquina! Si quieres sacar una lección de esto, reproduce las sombras que ves solo con tu mente. De esta manera comprenderás qué sombras usar en el futuro, sin ninguna referencia que mirar.

Otra cosa que estás aprendiendo es cómo empezar una pintura. ¿Puedes ver dónde está la fuente de luz? Fíjate en que la piel refleja más luz que la camiseta y el pelo—esto no se debe a su brillo, sino a su valor. ¿Alguna vez has prestado atención al color de un material en esta fase? Bueno, ¡a partir de ahora deberías hacerlo!

Cuando pintamos en escala de grises, solemos empezar definiendo la luz y la sombra, poniéndolas uniformemente por todas partes. ¿Pero para qué pintar una luz potente para algo que no refleja prácticamente nada de ella (como el negro)? Puede que resulte incómodo planear ese tipo de cosas en una etapa tan temprana, pero esto va a influir en el resto de fases—si las ignoras ahora, prepárate para hacer un montón de correciones más tarde.

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Puede que sea una etapa inicial, ¡pero eso no significa que todos los objetos tengan que reflejar la luz como si fueran un único material!

Paso 7

Ve al original y haz doble click en el nombre del filtro de la capa. Cambia el Número de Niveles a 3 y vuelve al estudio.

Fíjate en cómo las sombras que ya habías colocado cambian cuando añades las nuevas. Esta es una lección importante—todas las sombras deben funcionar en conjunto, no de manera individual. Cuando introduces una nueva, necesitas asegurarte de que encaja con las demás, y, si es necesario, ajustarlas.

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Paso 8

Cambia el Número de Niveles a 4 y repite. Sigue ajustando—como estamos añadiendo tonos más claros a la piel, también estamos oscureciendo la camiseta para crear tres valores diferentes: uno para la camiseta, uno para el pelo, y uno para la piel.

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Puede que ahora tengas una pregunta importante: "¿Cómo sé qué valores utilizar para colores que todavía no he pintado?" Cuando todavía no estamos seguros de cómo se va a ver todo después de añadir la capa final de "color", tendemos a ir más deprisa con la escala de grises—¡porque queremos ver lo que estamos pintando lo antes posible! Después añadimos la última capa mágica y... algo no funciona.

La respuesta es simple: no es el color lo que importa en la imagen—es su valor. Podrías planificar el esquema de colores más extravagante, y funcionaría igual de bien si usas los valores adecuados en primer lugar. ¿Y cuáles son los "valores adecuados"? ¡Aquellos que ya funcionan bien en conjunto en escala de grises!

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Fíjate en que he usado los colores complementarios con mayor contraste para los dos últimos conjuntos, ¡y aun así funcionan muy bien juntos!

Cuando estés trabajando en escala de grises, no te precipites para ver cómo se verá tu pintura en color. Si no se ve bien en escala de grises, ¡los colores no servirán de nada! Si quieres engañar a tu mente, imagínate que no hay ninguna capa de color, que la escala de grises es tu objetivo final, y pinta con valores hasta que queden bien por su cuenta. ¡Haz que los colores sean opcionales!

Paso 9

Cambia el Número de Niveles a 5. Ahora deberíamos tener suficientes detalles para poder esconder el line art. Cambia la Opacidad a 20% en ambos archivos, y esta vez crea una Capa Nueva encima del estudio. Vamos a pintarla hasta que desaparezca, o al menos hasta que se pueda deshacer sin ningún problema.

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Paso 10

Fíjate en que el filtro a veces pierde detalles que antes tenía. Eso es porque, en un momento dado, es mejor ir directo a por el máximo número de Niveles y terminar con los detalles. ¡El line art debería sobrar aquí!

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Paso 11

Cuando pienses que todos los detalles están definidos, quita el filtro de la imagen original. Usa tu técnica de fusión favorita para deshacerte de los bordes pronunciados (yo he usado la Herramienta Pincel Mezclador). ¿No se ve mucho mejor ahora que con el line art calcado?

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Paso 12

Vamos a hacer un experimento. Quita la capa de desaturación y copia la imagen original en color. Pégala sobre el estudio en escala de grises y cambia su Modo Fusión a Color. Sorprendentemente, el modo que antes solía apagar tus colores, ¡ahora ha sido como magia! Si alguna vez te has preguntado por qué el modo Color funciona de una manera tan horrible, ahora tienes la respuesta—necesita una base adecuada, y eres tú quien la construye.

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Paso 13

Si quieres hacer que este ejercicio sea más valioso, utiliza un line art diferente para tu estudio y pon los mismos valores sobre el mismo, paso a paso. De esta manera aprenderás mejor cómo utilizarlos por tu cuenta en el futuro.

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¿Y Ahora Qué?

¡Espero que te haya parecido una lección interesante! Antes de marcharte, llévate unos cuantos consejos adicionales:

  • Un estudio, no importa lo bonito y refinado que sea, no es arte. Lo pintas para aprender algo, no para impresionar a otros. No publiques tus estudios online, y no trabajes con esa intención—cambiará tu foco al lado equivocado y no aprenderás nada.
  • Cuando estudies, céntrate solo en el tema que estás aprendiendo. No seas duro contigo mismo por errores en la anatomía o proporciones incorrectas—entrecierra los ojos, observa si los valores son correctos, ¡y continúa!
  • Los detalles no son solo "objetos pequeños" en el dibujo—el número de tonos también cuenta. Empieza con un número limitado, y ve añadiéndolos moderadamente según vayas avanzando. Cuantos más haya, más detallados deberían ser los objetos.
  • Reserva el blanco y el negro para ocasiones especiales. Son muy potentes cuando hay poco de ellos en la imagen—pero cuando hay demasiado, se ven débiles, sin nada más potente con lo que equilibrarlos.
  • No empieces con un plan perfecto—define dónde hay algo oscuro, dónde están las partes brillantes (sin importar la iluminación), y luego ajusta los tonos a este plan general. Esa primera etapa debería verse más o menos como la versión final con los ojos entrecerrados.
  • Cuando estés aprendiendo del mundo real, intenta ver valores, no colores. Hazlo justo después de terminar un estudio de valores y verás lo fácil que le resulta a tu mente después de ese ejercicio.
  • Cuando te vuelvas bueno en estos estudios, ve al siguiente paso—no uses ningún filtro, pero sigue pintando todos los niveles uno por uno como si estuvieran ahí.
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En realidad, no es la iluminación lo que le da ese efecto natural—¡son los valores!
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