Hablando de tipografía y más con Claire Coullon de Op45

Hoy tenemos el placer de conocer a la diseñadora gráfica y tipógrafa Claire Coullon. Originaria de Francia pero que ahora vive en Praga, República Checa, nos habla de su amor por la tipografía, de la gestión de su propio estudio de diseño junto con su pareja y de si el trabajo se interpone en su relación personal. También nos da una valiosa visión de su tipografía hecha a mano (manuscrita) y la importancia de compartir con la comunidad de diseño.

Rodéate de tipografía, obsesiónate con las letras donde las veas; cuantas más letras mires, más notarás las posibilidades dentro de ellas y cómo su apariencia difiere según la edad, la clasificación y la cultura.

Soy diseñadora gráfica y tipógrafa y dirijo un pequeño estudio de diseño llamado Op45. Mis principales áreas de interés se encuentran principalmente en la tipografía y la impresión, especialmente en los tipos personalizados, el diseño de logotipos y marcas, hand lettering (letras hechas a mano), la maquetación y el diseño de libros. Provengo de Francia, crecí en Europa y el Medio Oriente y actualmente vivo en Praga, República Checa. Mi pareja y yo hemos dirigido el Op45 a tiempo completo durante poco más de 3 años y antes de eso, trabajé en una agencia de diseño y comunicaciones en Bruselas, Bélgica.

Cuando no estoy trabajando, garabateo mucho (aunque no creo que eso se pueda clasificar como "alejado de la tipografía"…), me encanta moverme y viajar, leer, etc. El trabajo tiende a ocupar mucho de mi tiempo libre, que es algo que he tratado de equilibrar mejor.

Mayormente me involucré en la tipografía durante el curso de los fundamentos de arte y diseño que hice después de terminar la escuela. Para cada proyecto breve, teníamos que desarrollar esas grandes pizarras de ideas A1 y la mía a menudo tenía dibujos de letras más que cualquier otra cosa. Pasé mucho tiempo dibujando a mano los tipos de letra existentes, lo que fue una gran investigación y práctica para aprender a reconocer las complejidades de las formas de las letras, los diferentes estilos, etc. Durante ese año también empecé a interesarme en la traducción del contenido, el significado y la fonética del lenguaje en imágenes tipográficas, algo que se me ha quedado grabado desde entonces.

Durante mi licenciatura después de eso, la mayoría de mis primeros proyectos involucraron el tipo de letra dibujada a mano de alguna manera, aunque en ese momento sentía que seguramente debería estar haciendo algo más. Solía tratar de forzarme a hacer otras cosas, como un poco de ilustración, animación, etc. (con resultados generalmente muy mediocres), hasta que me di cuenta de que hacer lo que más te gusta no es hacer trampa o buscar el camino "demasiado fácil". Durante el curso de 3 años, hice sobre todo proyectos de iniciativa propia que utilizaban principalmente la tipografía, explorando así áreas como la lingüística, los sonidos de diferentes idiomas, la personificación de las letras y las palabras, la tipografía y el proceso de impresión, la combinación de tipos y fotografía, las animaciones de stop-frame, algunos de los primeros diseños tipográficos, etc. Mi proyecto final fue un libro que exploraba la forma visual de las palabras, algo de lo que aprendí mucho. Por supuesto, el trabajo que hago ahora ha cambiado mucho desde entonces, pero creo que el fondo dibujado a mano y el enfoque en el proceso ha perdurado definitivamente en mí.

Mi equipo es bastante sencillo, ya que no actualizo las cosas a menos que sea absolutamente necesario. Utilizo una computadora portátil Mac y un escáner/impresora básica para la mayor parte de mi trabajo, así como la pantalla de una computadora portátil vieja como caja de luz. No tengo una tableta y suelo trabajar primero con bocetos, vectorizándolos manualmente con la herramienta del lápiz. Utilizo Adobe CS3 (sobre todo Illustrator pero también InDesign para todo lo relacionado con la maquetación y Fireworks para trabajos ocasionales en la web) y FontLab Studio para trabajos de tipografía y a veces logotipos. Como trabajo mucho a mano, utilizo muchos cuadernos de dibujo de diferentes tamaños, pilas de papel de impresora y varios bolígrafos, lápices, una pluma y algunos pinceles.

Cuando hice mi primer sitio web de portafolio hace años, una de mis antiguas profesoras de arte de la universidad se puso en contacto mientras buscaba algo similar para mostrar sus pinturas y las de su marido. Como Darren tenía experiencia en diseño web y en las artes, trabajamos juntos para hacerles un sitio web, un poco de animación y una pieza musical corta, que luego llevó a otro proyecto gracias a su recomendación. Mientras trabajábamos en ellos, pensamos que tendría sentido tener nuestra propia página web, así que por un tiempo pasamos de un nombre a otro y de ahí en adelante. Sin embargo, desafortunadamente, ¡estamos muy atrasados en la actualización de nuestro sitio web "actual"!

Fue bastante extraño en el sentido de que no fue planeado o ni siquiera realmente pensado; simplemente sucedió. Dejé mi trabajo cuando nos mudamos al Reino Unido y aunque busqué brevemente otro puesto allí, conseguimos algunos proyectos más grandes y acabamos dirigiendo el Op45 a tiempo completo. Para mí, creo que trabajar primero en una agencia fue importante, ya que es muy diferente al entorno universitario, donde trabajé mucho en proyectos autoiniciados mucho más a menudo que en "informes de la vida real", tenía plazos más flexibles, etc.

Así que una de las principales ventajas de trabajar como diseñadora interna fue definitivamente sentirme cómoda con el lado técnico de los trabajos: escribir propuestas, presentaciones a clientes, coordinar con los impresores y desarrolladores, etc. Otra ventaja fue aprender a trabajar con empresas más grandes dentro de su estilo corporativo, lo cual es un buen ejercicio de moderación porque te  aseguraras de que tu propio estilo personal sea muy flexible y discreto. Sin embargo, tiene desventajas como: no poder elegir los proyectos, tener menos control, no siempre poder hablar directamente con un cliente durante las sesiones informativas; me mantenía un poco demasiado alejada del trabajo y se convertían en importantes beneficios de trabajar de forma independiente.

Por supuesto, todo esto depende en gran medida de la naturaleza, el estilo y el tamaño de la agencia, así como de tu propio papel individual. Siendo autónoma, también me encanta poder elegir mi propio enfoque, tener horarios completamente diferentes dependiendo de ciertos días/clientes/zonas horarias, etc. Los inconvenientes son en su mayoría solo los típicos problemas de tratar con el lado administrativo de la gestión de un negocio, asegurarte de no dejar que el trabajo abarque tu tiempo personal puede ser difícil de equilibrar, especialmente cuando lo disfrutas. Darte a conocer por un estilo de diseño puede ser un poco restrictivo, puedes terminar con menos nuevos desafíos a medida que construyes un portafolio.

Trabajar juntos no ha puesto tensión en la relación ni nos ha obligado a separarnos mientras trabajamos, nuestra relación sigue siendo la misma y el estudio siempre está relajado.

Es algo natural, los dos nos damos ideas y sugerencias con mucha facilidad y lo hemos hecho durante años. Aunque a menudo tenemos proyectos separados, a lo largo de los años hemos dependido del respeto por las opiniones del otro en todos los medios, y especialmente ayuda el hecho de recibir comentarios de alguien que te conoce tan bien como conoce el trabajo. Trabajar juntos no ha puesto tensión en la relación ni nos ha obligado a separarnos mientras trabajamos, nuestra relación sigue siendo la misma y el estudio siempre está relajado. Pasamos mucho tiempo juntos, así que no hay mucha necesidad de equilibrar el trabajo y la vida en ese sentido, los dos están felizmente entretejidos.

Normalmente empiezo de la misma manera que hago los logotipos u otros trabajos de tipografía personalizada: dibujando a grandes rasgos muchas variaciones rápidas para ver qué es lo que funciona mejor. Comúnmente, después trazo o vuelvo a trazar mejores versiones basadas en los borradores, considerando y mejorando cosas como el peso, la composición y el espaciado. Dicho esto, depende mucho de la naturaleza del proyecto y de su estilo. Para algunos proyectos personales más livianos, generalmente hago muy poca o ninguna planificación y dibujo inmediatamente a lápiz (como para las tarjetas de felicitación o los cuadernos de bocetos) o simplemente me quedo con el lápiz. Los resultados siempre tienen algunas imperfecciones naturales y una estética muy obviamente hecha a mano, pero en última instancia ese es el encanto del enfoque. Me gusta trabajar así porque me obliga a dejar de lado los detalles y aceptar que va a haber mal interletraje, pesos desiguales, etc. Es un buen contraste con el trabajo digital, en el que a menudo paso mucho tiempo refinando y haciendo pequeños ajustes. Sin embargo, no creo que prefiera una cosa a la otra, sobre todo porque suelo empezar con el dibujo a mano, tanto si se digitaliza después como si no.

Principalmente porque me gusta el proceso y el desarrollo de los proyectos, generalmente tanto como las piezas terminadas. Siempre me encanta leer artículos de "creación de" para tipografías en particular, ya que resaltan todos los detalles y características minuciosas que podrían no ser evidentes a primera vista. El montaje de mi sitio web me permite señalar estos detalles, como por ejemplo en el logo de Cuberto. Siempre hay conceptos, decisiones específicas y razonamientos detrás del trabajo visual, así que tiene sentido enfatizar eso y mostrar que no es solo una imagen bonita.

También es útil para mostrar a los clientes potenciales cómo enfoco los proyectos y darles una idea del proceso de diseño. El proyecto Bookouture, por ejemplo, demuestra realmente el beneficio potencial de explorar múltiples conceptos a medida que nos inspiramos en los mejores elementos de los tres bocetos iniciales para crear una pieza final más fuerte.

Cuando me propuse hacer el sitio web de mi portafolio de esta manera, no pensé que fuera especialmente útil para nadie, ya que no está realmente configurado en una especie de tutorial/manual, sino más bien una documentación de cada pieza en particular. Sin embargo, desde entonces he comprobado que es útil poder mostrar ejemplos de pasos específicos a otros directamente, en particular el paso del boceto a la etapa vectorial y cuánta variación existe entre el boceto más refinado y la obra digital final.

No estoy segura de si creo que es un asunto de importancia tener que dar algo a la comunidad de Diseño Gráfico; los diseñadores y artistas siempre se han inspirado en otras obras sin necesidad de que se les dé nada directamente. Pero si parte de lo que hace que trabajar en el diseño sea tan agradable para ti logra hacerlo, entonces es beneficioso para todos.

El simple hecho de mirar la tipografía es una gran manera de profundizar en ella. Rodéate de tipografía, obsesiónate con las letras donde las veas; cuantas más letras mires, más notarás las posibilidades dentro de ellas y cómo su apariencia difiere según la edad, la clasificación y la cultura. Si piensas en letras específicas o combinaciones particulares, puedes ver ejemplos en MyFonts o leer las críticas sobre tipografía en Typophile; esto puede ser realmente útil para ver las diferentes maneras en que otros han abordado la misma consideración. Más allá de la observación, también es útil leer análisis detallados sobre el trabajo tipográfico, como las críticas tipográficas en el sitio web de Typographica o las descripciones en libros como The Elements of Typographic Style de Bringhurst. El bosquejo también es excelente para la exploración, ya sea que garabatees desde cero o solo practiques con dibujos de tipos de letra y letras existentes. No es necesario que tus bocetos sean limpios o refinados, al contrario, el dibujo regular en bruto es mucho más útil para comprender cómo se construyen las formas de las letras y cómo pueden fluir y encajar entre sí.

La práctica es, por supuesto, inestimable, pero también lo es ser consciente de la teoría y de los antecedentes históricos de la tipografía: entrenarse para ser lo más agudo y discriminatorio posible, no solo rodeándose de las obras de los demás, sino aprendiendo a comprender el cómo y el por qué de los éxitos tipográficos. Creo que es esencial tener una buena comprensión de los principios básicos cuando se dibuja un tipo, independientemente de la clase de trabajo que te interese. Es importante ser consciente de las ilusiones ópticas comunes, por ejemplo: los horizontales parecerán visualmente más pesados que los verticales, los trazos curvos suelen parecer más finos que los rectos, las letras redondas o puntiagudas parecerán más pequeñas que las de bordes planos, etc. Del mismo modo, también es importante recordar que no hay que restringir las letras para que encajen en una cuadrícula/estructura inmutable o forzar caracteres que no fluyen de forma natural porque los resultados serán a menudo incómodos. En última instancia se trata de lo que se ve bien a los ojos, no estrictamente lo que dictan las medidas/directrices.

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