Spanish (Español) translation by Óscar Salas Fernández (you can also view the original English article)
Hola Óscar, gracias por sacar tiempo para charlar conmigo. Soy un gran admirador de tu trabajo, y realmente disfruté trabajar contigo en aquel tutorial el año pasado. ¿Puedes comenzar por contar a nuestros lectores un poco más sobre tu experiencia? ¿De dónde eres? ¿Cómo conseguiste tu comienzo como ilustrador?
Cuando decidí que quería llegar a ser ilustrador, hace más de 20 años, en realidad no había ningún lugar aquí en Santiago de Chile que enseñara ilustración. Así que decidí estudiar diseño gráfico, en su lugar.
Después de la escuela, tuve la oportunidad de trabajar con un ilustrador destacado en la industria de la publicidad, a quien yo admiro. Él me enseñó los conocimientos básicos para crear arte con un alto nivel de detalle e impacto. Por aquel entonces, trabajábamos con aerógrafos en ilustraciones tradicionales. Eso tuvo una gran influencia en mi trabajo posterior.
Cuando reviso tu portafolio, una de las primeras cosas de las que me doy cuenta es de cómo retratas la emoción en tu trabajo. Tus personajes son tan asombrosamente expresivos, y esto parece ser una parte esencial de tu estilo de ilustración. ¿Cómo se desarrollo tu estilo a lo largo del tiempo? ¿Has sentido siempre que era importante incluir mucha emoción en tu trabajo o esto fue algo que te llevo tiempo darte cuenta?
Siempre me gustó dibujar personajes, especialmente caras. Comencé a crear personajes muy expresivos cuando empecé a trabajar en proyectos de animación 2D, para los niños. Durante aquella época, tenía que jugar con muchos personajes diferentes, y tenía la libertad para exagerar sus expresiones. En la animación, aprendes mucho sobre las caras que pone la gente cuando experimenta emoción. Esto ayuda a dar a tus personajes carácter, por así decirlo, y eso ha influenciado mi trabajo bastante.
¿Puedes ofrecer a nuestros lectores tres consejos que les ayuden a crear personajes más expresivos?
- Mantenlo simple y evita la ambigüedad. Si estás dibujando un personaje complejo, intenta reducir la expresión a su forma más sencilla. Esto puede ayudar a hacer bocetos rápidos de las expresiones que estás intentando crear.
- Juega con las expresiones extremas. Aunque está genial ser sutil con las expresiones, no hay nada de malo en exagerar. Prueba cómo de lejos puedes llegar con una expresión.
- Los personajes comunican con todo su cuerpo. Aunque la cara es muy importante, asegúrate de que el cuerpo también está ayudando a tu personaje a expresar el tipo de emoción que estás intentando representar.
Lo segundo que observo cuando reviso tu trabajo es la increíble cantidad de detalles que incluyes en tus ilustraciones. ¿Cómo sabes cuando una de tus ilustraciones está acabada?
Bueno, el detalle es algo con lo que estoy un poco obsesionado, pero para mi, no va de decir "vale, ya hay suficientes detalles, hora de parar". Para mi, paro cuando siento que toda la ilustración tiene suficiente de "historia".
¿Cuales dirías que son las tres cosas más importantes que un artista puede hacer o aprender para ayudarle a crear obras de arte más detalladas?
No creo que el nivel de detalle sea necesariamente una buena cosa. De hecho, demasiados detalles pueden ser innecesarios, y a veces, contraproducentes. Demasiado detalle puede distraer la atención del mensaje principal, y puede debilitar la ilustración, en lugar de fortalecerla. Dicho esto, si quieres aprender cómo añadir más detalles a tu ilustración puedo recomendar los siguientes consejos:
- Desarrolla gusto por la observación: Observa la forma, el volumen, el color y las texturas de tu entorno, e incorpóralos a tus ilustraciones.
- Simplifica tu historia: Representa los detalles más importantes y omite el resto.
- Sé eficiente con tu tiempo: Prioriza el nivel de detalles que tendrán que ir en las diferentes partes de la ilustración. Crea capas de detalle para que cuando termines la ilustración, tu obra contenga un nivel consistente de detalles de arriba a abajo.
Los artistas a menudo tienen que comprometer su visión artística para satisfacer las necesidades de sus clientes. ¿Qué consejos puedes ofrecer a nuestros lectores que les ayuden a que esta interacción sea un poco más fluida?
Este es un dilema terrible que muchos artistas afrontan. La mayoría de los artistas están apasionados con su trabajo, pero todos nosotros tenemos visiones diferentes de lo que consideramos arte. En muchos modos, los ilustradores son muy similares a los chefs de los restaurantes, todos tenemos ideas diferentes sobre lo que hace una buena comida.
Algunos tipos de ilustración te dan más flexibilidad y libertad creativa para desarrollar tu propio estilo, pero no todos los estilos son viables comercialmente. En publicidad, tenemos que satisfacer varias exigencias incluyendo plazos de producción, la calidad del trabajo e incluso restricciones creativas.
Para hacer esto soportable, yo sugiero dar lo mejor de ti para mejorar la calidad del trabajo que creas. Cuanto mejor sea tu trabajo, probablemente mayor libertad tendrán para darte tus directores de arte para proponer tu ideas. Dicho esto, siempre deberías estar abierto a la idea de ser flexible con tus clientes y la visión artística para hacer el proceso más cómodo para todos.
Me di cuenta de que a menudo trabajas con un equipo de otros artistas en proyectos. ¿Cómo de diferente es trabajar con un equipo de artistas a trabajar en un proyecto tú solo? ¿Puedes ofrecer algún truco para ayudar a que este proceso sea un poco más fluido?
Trabajar con otros puede ser un reto. Normalmente sé lo que quiero hacer bastante rápido, pero encuentro que comunicar mis ideas a otros puede ser complicado. Cuando hago un trabajo con un equipo, sin embargo, he aprendido a reconocer los papeles que desempeña cada uno en el proyecto, y trato de darles tanta información como puedo. Luego, les doy algo de espacio para que hagan su trabajo. En general, creo que una comunicación adeucada y a tiempo es la mejor herramienta para ayudar a los equipos a trabajar más eficazmente.
Como artista independiente, a menudo es difícil apartarse de los proyectos en los que estás trabajando. ¿Qué haces cuando no estás trabajando? ¿Puedes ofrecer a nuestros lectores algunos consejos sobre cómo equilibrar el trabajo y la vida?
Es difícil para mi no obsesionarme con un proyecto y dejarlo en mis días libres. Trabajo desde casa, y eso lo hace incluso más difícil . No obstante nada es mejor para un proyecto que abandonarlo un rato.
Normalmente paso mi tiempo libre con mi familia, lo cual siempre es revigorizante. Me encanta hacer trabajos de carpintería, encuadernación u otros trabajos manuales. Siempre estoy pensando en hacer cosas a mano, ahora me lo estoy pasando muy bien aprendiendo cómo tejer.
Todo lo que hagas te enriquecerá, y estar obsesionado con el trabajo no es bueno. Intenta hacer algo completamente opuesto a lo que haces diariamente.
¿Estás trabajando en algún proyecto interesante en este momento que puedas compartir con nuestros lectores?
Bien, he estado trabajando con una empresa australiana que produce juguetes, y es bastante divertido. ¡En verdad lo disfruto! Y hay muchas piezas, así que espero subirlos pronto a mi portafolio.
Además, he comenzado a desarrollar algunas piezas personales, con un estilo mucho más pictórico. Estoy intentando desarrollar un estilo que se aleje de la caricatura pero que sea también más dramático. Con un tema de manifestaciones callejeras y represión policial ... pero todavía es un trabajo en proceso.
Gracias otra vez por sacar el tiempo para charlar comigo hoy. ¿Tiene algún consejo con el que te gustaría dejar a nuestros lectores?
Si quieres mejorar el nivel de tu estilo, ilutración, o pintura, debes trabajar realmente duro, especialmente con la calidad de las ideas que produces. Recuerda, hay mucha gente ahí fuera haciendo exactamente la misma cosa. Intenta hacer que tu trabajo destaque y sea único.
Óscar Ramos en internet.
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