Unlimited WordPress themes, graphics, videos & courses! Unlimited asset downloads! From $16.50/m
Advertisement
  1. Design & Illustration
  2. Drawing Theory
Design

10 Trucos del modelado 3D que puedes utilizar en pintura digital

Spanish (Español) translation by Pat5 (you can also view the original English article)

Final product image
What You'll Be Creating

El mayor problema de la pintura digital es que está considerada como una actividad un tanto espontánea—no hay que pensar, simplemente partes de una idea e intentas representarla con todos los recursos disponibles. Cuando el resultado se aleja mucho de lo que esperabas, piensas que eres alguien sin talento y pierdes la motivación. Esta visión del proceso creativo es un serio obstáculo para tu educación artística—lo único que sabes es que no sabes pintar, ¡pero no existe ningún tutorial para eso! Esto también se aplica a artistas "con talento". Piensan que son buenos, quieren mejorar, pero no saben qué es lo que falla en su arte. Sin embargo, el problema es muy simple — se trata de considerar el proceso creativo en conjunto.

Mientras sigas poniendo el piloto automático, no tendrás control sobre el resultado. Confías en que te llevará adonde quieres llegar, pero no puedes tenerlo por seguro — ¡porque el piloto automático tiene la misma experiencia que tú! Al mismo tiempo, no eres capaz de identificar qué está haciendo mal tu piloto automático, porque lo único que ves es el resultado. Una pintura fallida es como un coche roto—no es el coche entero lo que está roto, probablemente sea solo una parte, tal vez fácil de arreglar. Pero si no sabes nada sobre su mecánica, pensarás que todo el coche está mal. Cuando ves la pintura como un todo, no eres capaz de aprender—¡ni siquiera sabes que hay algo que aprender! Pero hay otros que son mejores que tú, así que será cosa del talento, el software de pintura, la tableta gráfica, años haciendo garabatos, el paquete de pinceles...

Photoshop favorece el piloto automático en la pintura porque es muy intuitivo—todo lo que necesitas para empezar a pintar es crear un archivo nuevo y tomar el pincel digital. Todo está a tu libre disposición. Puedes empezar por el line art, o puedes ir directo y pintar todo desde cero. Si el resultado queda bien, paras de pintar; si no, vas cambiando cosas hasta conseguirlo.

Este proceso es prácticamente imposible en software de modelado 3D como 3DS Max o Blender. Estos programas apagan tu piloto automático y te obligan a dividir el proceso en partes individuales, porque así es como están construidos—no puedes crear una pieza completa con una sola herramienta. Normalmente, ni siquiera puedes "construir un muñeco de palo" sin echar un vistazo, por lo menos, a un tutorial. ¿Por qué no aprendemos del método de trabajo del modelado 3D para mejorar el proceso creativo y aplicarlo para progresar artísticamente?

En este artículo te enseñaré diez pasos que puedes incluir en tu proceso para hacerlo más ordenado y limpio. Y lo más importante, ¡te permitirán abandonar el piloto automático y dejar todo el control en tus manos!

1. Colocar la cámara

En una escena 3D, todo es visible al mismo tiempo, y puedes observarla libremente desde cualquier ángulo. Sin embargo, la imagen final se ve a través de la cámara—y la posición de la cámara no es aleatoria. El artista debe colocarla de tal manera que presente la escena de la manera más efectiva. La cámara define la perspectiva—el punto de vista y todo lo que esto conlleva.

Establecer la perspectiva debería ser tu primer paso. Probablemente hayas tenido un escalofrío al leer esto, ya que perspectiva es la palabra de moda para la mayoría de artistas—digo "perspectiva, y tú piensas "¡matemáticas!". Puedes estar tranquilo, la perspectiva no trata de eso. Cuando pintas una escena, es una imagen vista por un observador virtual. La posición de sus ojos crea la escena. Una mosca es muy pequeña cuando el observador está muy lejos y enorme cuando el observador está prácticamente tocándola con los ojos. Dependiendo de su posición, se verá la parte superior o inferior de una mesa. Un bloque 3D puede convertirse en un cilindro o incluso en una pirámide—¡es el observador el que convierte una figura 2D en una forma en 3D solo con moverse! Lo que ellos ven es lo que existe, lo que no ven—no existe. La imagen de la escena está vista a través de sus ojos—sin ellos no habría nada. No estás pintando un dragón—¡estás pintando un dragón visto a través de los ojos de alguien!

perspective in painting
¡Oh, Dios mío, la pata de ese monstruo es enorme!
perspective in painting 2
... o puede que no tanto

Cuando pintas en piloto automático, estás ignorando al observador. Incluso si ya has escuchado algo parecido a esto, a lo mejor simplemente asumes que cualquier persona que mira la imagen es el observador. Error—son los observadores de la imagen, pero no de la escena. Para empezar a utilizar la perspectiva como una cámara, evita los tutoriales arquitectónicos y céntrate en la finalidad de la perspectiva.

2. No te bases en una sola referencia

Cuando quieres modelar un animal realista en 3D, una sola referencia, incluso la más bonita, no te permitirá hacerlo. Necesitas ver todos los lados del animal, preferiblemente las vistas superior, frontal y de perfil, pero puede que necesites otras para ver algunos detalles. Después de haberlo modelado, el artista sabe todo sobre el cuerpo del animal y, si también tiene habilidad con el dibujo, ahora sería capaz de dibujarlo en cualquier pose—¡sin ninguna referencia!

En la pintura en 2D puedes arreglártelas con una sola referencia. Si quieres dibujar un león corriendo, buscas en Google "león corriendo" y ahí está, ¡la forma perfecta que tienes que recrear! Y si quieres hacerlo sin ninguna referencia y probar con un tutorial sobre cómo dibujar un león, probablemente también acabes con una sola pose. De hecho, ahora serás capaz de dibujarlo sin ninguna referencia, pero solo en esa pose. "Sé dibujar un león corriendo/león de perfil/león sentado" no es lo mismo que "sé dibujar leones".

Necesitas dejar de pensar en esquemas. Los esquemas no existen, puedes esbozarlos sobre un objeto, pero no son un atributo constante del objeto. Antes de dibujar otra obra maestra, primero haz estudios del objeto. Busca varias referencias de leones, esbózalas traduciéndolas a formas simples y busca características comunes. Observa cómo cambian en perspectiva y trata de comprender qué necesita el objeto en todas ellas. De esta manera no solo serás capaz de crear tu propia pose para esta pieza en particular, ¡sino también para cualquier trabajo en el futuro!

painting without references
Tus estudios no tienen que ser ni cuidados ni requerir mucho tiempo. Sin embargo, asegúrate de que sabes cómo dibujar algo antes de empezar a trabajar con arte serio.

3. Empieza con bloques simples

Cuando empiezas con un modelo 3D, necesitas encontrar un bloque sencillo que se parezca a la idea que tienes en tu cabeza y luego darle forma. No existe otra manera de empezar. Cuando empiezas con algo simple y vas añadiendo los detalles de manera gradual, tienes el control completo sobre la escena todo el tiempo. Pintar en piloto automático suele ser mucho más caótico. Tienes la idea en tu cabeza e intentas pintar todos los detalles al mismo tiempo. Si lo haces así, estás en el mejor camino para perder el verdadero significado—la idea principal—de la pintura. Si estás poniendo mucho esfuerzo en una pintura y sigue quedando mal, este podría ser el motivo.

Hay dos cosas que considerar sobre los "bloques simples":

La base de los detalles—el tema

Si alguien dice "humano", ¿qué es lo que ves en tu mente? ¿El color de los ojos, el grosor de los pómulos, cada pelo, o más bien una criatura con dos piernas, dos brazos y una cabeza? Cada objeto tiene un conjunto de características esenciales, y después un conjunto de características opcionales. Empieza con las características esenciales y reserva los detalles para después. Cuidado: si después de definir la forma simple no estás contento con el resultado, no te engañes a ti mismo con "se verá mejor cuando añada los colores, y todos los detalles, y una buena iluminación". Es la base lo que crea la primera impresión—los detalles son simplemente una buena adición y nunca componen la pintura por sí mismos. Una pose aburrida o proporciones incorrectas son todo lo que la gente ve, incluso cuando el artista se ha pasado dos horas dibujando todas las escamas una por una. No malgastes tu tiempo—prepara una buena base antes de ponerte con los detalles.

painting base
El tema es "dragón volador". La forma real de las alas, la cabeza, las escamas o las garras no tiene mucho que hacer aquí.

La composición y el verdadero significado

Cuando empiezas a partir de los detalles, la escena se convierte en una colección de detalles, no en un conjunto. Está bien cuando estás pintando un personaje, pero cuando hay más cosas necesitas crear alguna especie de vínculo entre los elementos.

Los buenos speedpaintings son tan impresionantes porque contienen la esencia de la escena sin elementos redundantes. En realidad, no los miras como si fueran una pintura normal, detallada—más bien los sientes, percibes su significado sin tener que buscar información en cada uno de los detalles.

Las pinturas tienen capas de significado. La más importante es la de luz y sombra—es crucial para revelar la forma. El resto es tan solo una bonita adición, la guinda del pastel. Sin embargo, casi todos los artistas aspirantes van directos al color y los detalles, intentando desesperadamente distraer la atención del observador de los errores de la base de su pintura. Tristemente, una tarta sin sabor cubierta de cerezas no impresionará a nadie.

Empieza con algo sencillo y ve avanzando poco a poco. Los detalles deberían ser lo último que añades, y solo cuando todo lo demás haya quedado bien. Un buen método para controlarte es empezar con un pincel grande y hacerlo un poco más pequeño con cada paso.

how to speed paint
Intenta capturar el tema principal y añade los detalles cuando ya esté definido

4. Observa el objeto fuera de su entorno

Al principio solo había una forma. Es independiente de la visión, se puede sentir con el tacto y el oído. En 3D, la forma es revelada por la oclusión ambiental—un método para mostrar qué áreas son fácilmente alcanzadas por la luz ambiental y cuáles no.

Antes de ponerte con las complejas propiedades del color, párate a pensar sobre la forma misma. Si tienes el line art, úsalo para pintar las cavidades—las áreas a las que la luz le resulta difícil acceder. Esto es lo que necesitas—no los contornos del line art, sino la forma. Cuando pintes en oclusión ambiental, no pienses en la luz en ningún momento. Puede ser agua, tinte, o un láser mortal intentando alcanzar las cavidades y fracasando.

La oclusión ambiental en la pintura no es "un truco para hacer que la pintura parezca tener una renderización 3D"—su principal función es definir la forma sin alterar ningún aspecto de la visión (excepto la perspectiva). Puede que el aspecto de renderización 3D sea un efecto secundario, pero en realidad lo importante es la base de la pintura. Cuando quieres pintar tu idea, ¡puede que todos los aspectos complicados de la pintura la destrocen! Echa el freno, déjalo todo para más tarde y crea solo la forma. Puede que en esta etapa no sepas muy bien qué es lo que quieres dibujar, así que ahórrate confusiones y céntrate en la base.

ambient occlusion painting
La oclusión ambiental no se basa en la apariencia, sino en la forma

Hay una cosa más. Los escultores tradicionales suelen utilizar la oclusión ambiental en sus obras, aunque en teoría debería ocurrir de manera natural. Sin embargo, usar un pigmento oscuro en los surcos hace que la escultura sea independiente de una buena iluminación—incluso con una luz mala, no se verá plana. ¡Podemos aprender de esto!

5. Conoce lo que hay fuera de la escena

Una característica de un buen libro es que el mundo no parece haber sido creado solo para la historia—creemos que podría existir sin los personajes sobre los que estamos leyendo. Lo mismo pasa con cada escena que pintas. Cuando usamos el piloto automático, tendemos a empezar con el personaje y luego el fondo se ajusta a él. Eso no hace que la pieza sea creíble. Está bien si quieres una pintura solo del personaje, pero esto no funcionará en las escenas.

En 3D, el área que captura la cámara es solo una parte de la escena. Tal vez haya árboles que crean sombras sobre la escena, o puede que haya una fuente de luz secundaria escondida en alguna parte fuera del marco. Todo esto completa la escena—¡el mundo no acaba fuera del marco!

painting open frame
1 - escena visible; 2 - entorno invisible, pero existente

Además del beneficio obvio de la credibilidad, hay algo más. Todo lo que hay en el mundo influye en la escena. Los niños tienden a dibujar el sol en la esquina de sus dibujos porque no pueden entender la idea de un mundo fuera del marco. Puedes inundar de luz la escena sin poner la fuente de luz dentro del marco, y lo mismo para todos los objetos que la reflejan. Si estás pintando una escena en una cueva, una luz azul podría indicar un agujero en una de las paredes o incluso una entrada situada justo en la posición del observador. Todo lo que afecta al personaje dentro del marco puede dejarse fuera sin hacer que pierda su poder.

6. Determina la iluminación

Una iluminación adecuada es esencial en el modelado 3D. Un artista de 3D aprende automáticamente que sin luz no hay ni forma ni color, mientras que la mayoría de artistas principiantes no están familiarizados con este conocimiento básico. Eso es porque no se necesita en la pintura—simplemente tomas un color que existe de por sí, sin importar si hay o no alguna fuente de luz. Esa también es la razón principal por la que la pintura, especialmente digital, es tan difícil de aprender. La simple acción de mover tu lápiz gráfico sobre la tableta (o hacer click y deslizar el ratón) no tiene nada que ver con la enorme cantidad de teoría que hay detrás del mundo realista. El primer error que comete la mayoría de principiantes es buscar tutoriales sobre "cómo pintar de manera digital" en vez de algo más del estilo de "cómo vemos".

Si todavía no estás asustado, te contaré algo más chocante: con cada color que pones en tu pintura, incluyes información sobre la fuente de luz. ¡Cada uno de los puntos de color dice algo sobre la fuente de luz que lo provoca! Si no tienes ni idea de cómo funciona, ¡lo más probable es que mezcles una docena de fuentes de luz antes de haber considerado la principal!

Ahora, tranquilízate. Probablemente esto es lo que hayas estado haciendo hasta ahora, pero estás leyendo este artículo para cambiarlo, ¿no? En primer lugar, separa la iluminación de los colores. Imagínate que no hay colores, que todo es blanco cuando se ilumina por completo y negro cuando está oscuro. Toma tu dibujo pintado con oclusión ambiental y ajústalo a la iluminación pintando tonos de gris. Evita el blanco y el negro—tienen demasiada potencia y están hechos para cosas más avanzadas.

Una cosa más: experimenta con la iluminación. Cuando no tienes que pensar en los colores, puedes decidir tranquilamente qué dirección será la más beneficiosa para tu composición, y cuántas fuentes de luz necesitarás para sacarle el mayor provecho. Ten en cuenta el consejo anterior sobre el mundo fuera de la escena—tu fuente de luz puede estar muy lejos, o en el lugar del observador. Puede estar por todas partes, proyectando sombras de objetos que la cámara no ve y, de este modo, introduciéndolos en parte en la escena. ¡Puedes crear un bosque sin pintar un solo árbol!

painting lighting frame
Incluir las sombras de los objetos fuera de la escena creará la ilusión de un mundo abierto

7. Crea mapas

La parte anterior era una introducción del tema más importante en el modela de 3D realista—la creación de mapas de textura. Si has leído mis artículos sobre la luz y la sombra, y los fundamentos del color, sabrás cuántos factores intervienen en la ilusión del color y la forma. Cuando pintas en piloto automático, estás intentando mezclar luz, sombra, reflexión difusa, reflexión especular, dispersión subsuperficial, materiales, texturas, oclusión ambiental, emisión de luz y mucho más, todo al mismo tiempo, mientras juegas con la luminosidad, el brillo, el tono y la saturación para conseguir el mejor efecto. ¿Y todavía te preguntas por qué pintar es tan difícil?

Insisto, mi trabajo no es asustarte y desmotivarte de pintar. Al contrario, quiero mostrarte el camino para aprender sin tener que depender de tu talento o la falta del mismo. El talento es un buen concepto solo si lo posees—de lo contrario, estás condenado para siempre. Deja de soñar con el talento porque es como soñar con ganar la lotería—no importa lo que hagas, no puedes controlarlo. Creer en el talento te cierra todas las puertas y es una excusa—perdón por ser tan dura—para tu propia pereza. Puedes aprender a pintar, y una vez lo has dividido en partes más pequeñas, te das cuenta de qué es lo que tienes que aprender exactamente. De repente, "no sé dibujar porque no tengo talento" se convierte en algo más realista, "no sé dibujar [todavía] porque es algo muy difícil de aprender".

Volviendo a la creación de mapas. Todas las cosas que componen la vista de un objeto se puede separar a conveniencia, y eso es lo que hacen los programas 3D. Puedes tomar un pincel y simplemente pintar sobre el objeto, pero es poco probable que obtengas un efecto decente. En lugar de eso, los artistas 3D utilizan varios mapas, todos colocados unos sobre otros. No se cubren, sino que se complementan unos a otros. En Photoshop puedes simularlo utilizando una capa individual para cada mapa y jugar con los Modos de fusión. Puedes crear tantos mapas como quieras, basándote en mapas 3D reales o en tus propias ideas. Te mostraré el set básico que puedes utilizar en Photoshop. Esta no es la única manera de hacerlo, y no deberías tratarlo de esta manera. Es mejor que encuentres tu propio camino—yo solo te estoy mostrando la dirección (el archivo está disponible para descarga, para que puedas jugar con él):

Oclusión ambiental

Este es el mapa del que ya he hablado. Cuando empiezas con un line art, las líneas oscuras indican tanto los surcos como las protuberancias. Son muy subjetivas y no tienen nada que ver con pintar. La oclusión ambiental, sin embargo, te permite definir las formas sin recurrir a los contornos—y al igual que el line art, es independiente de la luz y otras cosas complicadas. Además, es una buena máscara para otros mapas.

ambient occlusion photoshop painting blending
El mapa de oclusión ambiental no requiere ningún Modo de fusión especial

Iluminación

Define la fuente de iluminación e ilumina la escena como si todo fuera gris 50% por defecto. Esto solo iluminación para las formas—¡olvídate por completo de los colores en esta parte!

 lighting photoshop painting blending
Utiliza el modo Multiplicación para las sombras y el modo Luz Suave/Pantalla para las luces, o simplemente pinta sobre el mapa de oclusión ambiental en el modo Normal.

Luminosidad

Como hemos aprendido en mi artículo sobre el sombreado del color, la luminosidad es el brillo relativo de los colores. Por ejemplo, el azul claro 100% se percibe como más oscuro que un verde claro 50%. Por tanto, poner un mapa de color justo sobre el mapa de iluminación tendría como resultado unos colores desaturados y gastados.

El mapa de luminosidad debe considerar la saturación, y no el brillo, del color. Los colores saturados son más oscuros que los desaturados. Por tanto, aquí tienes dos cosas que necesitas tener en cuenta cuando planifiques el mapa de luminosidad:

  • lo oscuro que es el color (continúa leyendo el artículo para saber más sobre esto);
  • lo saturado que es el color.
luminance photoshop painting blending
Pinta la luminosidad en modo Normal...
 luminance photoshop painting blending 2
...luego cambia al modo Multiplicar

Reflexión difusa

El color de la fuente de luz afecta en gran medida al color final de los objetos. En pintura tradicional, todo debe estar calculado, pero en Photoshop todo lo que necesitamos son los Modos de fusión.

El ajuste típico es una fuente de iluminación naranja-amarilla (como el sol) en un lado y azul (cielo) en el otro. Empecemos con el sol. Selecciona un color y pinta sólidamente en las áreas que alcance el sol.

 lighting photoshop painting blending
No te preocupes ahora del sombreado, es más bien un todo o nada

Ahora puedes usar el modo Pantalla para revelar el sombreado. Juega con la opacidad a tu gusto.

lighting photoshop painting blending
El modo Pantalla con opacidad baja queda bastante bien aquí

El otro lado no estará tan fuertemente iluminado, pero el cielo le dará un tono azul. La reflexión difusa trasera, como yo lo llamo, no es luz-trasera o luz reflejada común—utilízala para colorear las sombras.

lighting photoshop painting blending
El azul sólido debería funcionar bien
lighting photoshop painting blending
El modo Color revela el sombreado

Si quieres que el contraste sea más fuerte, puedes añadir otras capas de relfexión difusa, esta vez aplicando un sombreado suave.

lighting photoshop painting blending
¡No utilices colores sólidos aquí!
lighting photoshop painting blending
Superponer y Sobreexponer funcionan bien aquí

Colores locales

Esto es lo que tenemos por ahora—los mapas de iluminación, luminosidad y reflexión difusa. Vamos a añadir los colores, justo debajo del mapa de reflexión difusa.

lighting photoshop painting blending
La escena está preparada para el coloreado

Pinta colores sólidos de nuevo. Es genial poder olvidarse del sombreado, ¿verdad?

 flat colors photoshop painting blending 2
¡La esencia de los colores locales!
 flat colors photoshop painting blending
¿Imaginabas que el modo Color sería el mejor para esto? No obstante, a veces el modo Multiplicar se ajusta mejor para oscurecer los colores.

La ilustración de abajo muestra lo importante que es utilizar varios mapas cuando utilizas Modos de fusión.

color photoshop painting blending
1 - mapa de color sin luminosidad; 2 - mapa de color, mapa de luminosidad, pero sin mapa de reflexión difusa; 3 - mapas de luminosidad, color y reflexión difusa

Reflexión especular

La reflexión especular está definitivamente sobreutilizada en pintura digital—es demasiado fácil y efectiva. ¡Un simple punto de blanco y todo el material parece relucir! Sin embargo, la especularidad es mucho más que un punto blanco (el reflejo de la fuente de luz). Las superficies especulares reflejan todo en función de sus propiedades. He hecho que el cubo más grande sea 100% especular, mientras que el otro es 100% mate.

specular reflection photoshop painting blending
Las superficies especulares son espejos, normalmente no tan perfectos como el de arriba.

Para crear algo que no sea tan especular, utiliza el modo Multiplicar y reduce la Opacidad.

specular reflection photoshop painting blending
El modo Multiplicar utiliza las reglas de mezcla de colores substractivas

Para hacer que un objeto sea brillante y rugoso al mismo tiempo, utiliza un pincel difuso para hacer más borroso el reflejo.

specular reflection photoshop painting blending
Disimula los bordes definidos para conseguir un reflejo más suave
specular reflection photoshop painting blending
Ahora el reflejo no es tan agudo

El caso de abajo es una capa especular roja. Si tu objeto tiene una capa transparente y reluciente (como el agua), puedes utilizar el modo Pantalla o incluso el Normal con Opacidad baja.

specular reflection photoshop painting blending
Aquí puedes utilizar el modo Pantalla o Normal

¿Qué pasa con la luz reflejada? ¡También es reflexión especular! Piénsalo.

8. Considera la atmósfera y la profundidad del campo

Por definición, la escena 3D tiene profundidad, pero después de renderizarla obtiene una apariencia clásica en 2D. Sin embargo, todavía puedes notar mucha profundidad—por algún extraño motivo, sigue pareciendo 3D. ¿Cómo se consigue esto, y se puede utilizar este truco en pintura?

Perspectiva aérea

El aire es invisible para nosotros, por lo que tendemos a ignorarlo. Sin embargo, en programas 3D es un factor importante que altera la apariencia de la escena. Las características de la atmósfera cambian las propiedades de la luz y, por tanto, los colores de la escena. Utilizar la perspectiva aérea es una buena manera de crear profundidad en tu dibujo 2D. Puedes leer más sobre esto en mi artículo sobre el sombreado con color.

aerial perspective painting
1—Puede que A sea tan grande como B, pero está alejado y parece más pequeño; 2— El A pequeño está más cerca de nosotros que el B grande, alejado.

Profundidad de campo

Simplificando—hay dos tipos principales de profundidad de campo, superficial y profunda. El enfoque superficial significa que un área está renderizada con nitidez, mientras que el resto está borroso. El enfoque profundo consiste en renderizar todo lo máximo posible. Muy bien, esta es la teoría, ¿pero qué tiene que ver con la distancia y la profundidad?

La profundidad de campo (DOF) es un área en tu campo de visión. Todo lo que se encuentre dentro de ella se ve con claridad y en detalle. La profundidad de campo corta tiene un enfoque superficial y la profundidad de campo larga el enfoque profundo. Una profundidad de campo superficial indica que al menos uno de los objeto está cerca de tus ojos—por eso las imágenes de objetos grandes sacadas con un enfoque superficial simulado parecen modelos.

depth of field painting shallow focus
1—enfoque superficial sobre A distanciado; 2—enfoque superficial sobre B cercano. El área verde muestra la profundidad de campo
depth of field painting deep focus
Tanto A (alejado) como B (cercano) están renderizados con nitidez—los dos se encuentran dentro de la profundidad de campo de enfoque profundo (rectángulo verde)

Para acordarte mejor, échate en el suelo apoyando una de tus mejillas (también puedes hacerlo sobre el escritorio, si no tienes suficiente espacio). Cierra el ojo que quede más alto. Mira el área que hay justo delante de ti con el otro ojo y enfoca un poco más lejos. ¡Verás cómo la profundidad de campo cambia con tus propios ojos! (si llevas gafas de graduación alta, puede que hasta notes el momento en el que la profundidad de campo se niega a seguir deslizándose).

Este truco se emplea extensamente en el arte y en el cine. Es muy fácil simularlo en programas 3D, pero como artista 2D debes preocuparte de conseguirlo por ti mismo.

9. Utiliza modificadores

Los modificadores en el modelado 3D son una especie de cambiadores que afectan al objeto de manera no destructivo, lo cual significa que puedes modificar o eliminar un cambio en cualquier momento sin afectar el estado anterior. En pintura digital usamos filtros y ajustamos la imagen con herramientas de Photoshop, pero si algo va mal y no llevamos suficiente cuidado, puede que perdamos nuestro resultado anterior. Aquí es donde entran en juego las capas de ajuste, los filtros inteligentes y las máscaras de capa.

Yo también peco de esto—pulso Control-M para jugar un poco con el contraste, porque "es solo un momento, veo si queda bien y luego lo quito...". Es un mal hábito, y es mucho mejor hacer el cambio con modificadores. De esta manera puedes comparar la diferencia rápidamente incluso al día siguiente, cuando has tomado un poco de distancia con el dibujo y puedes juzgar con más claridad. Además, la simple oportunidad de ajustar el valor del modificador en lugar de hacer y deshacer constantemente es una gran ventaja aquí.

photoshop non destructive smart filter adjustement
Puede que tu piloto automático no tenga opciones como estas, ¡pero eso no quiere decir que no debas usarlas en Photoshop!

Utilizar una máscara de capa en lugar de la herramienta Borrar también es un gran avance en tu proceso de trabajo. Puede que estés muy seguro del cambio en ese momento, y que te arrepientes un minuto después, así que en vez de guardar 500 historiales, utiliza métodos no destructivos siempre que sea posible. ¡Como si pagaras por usarlos!

10. Configura la renderización

En el modelado 3D, esta parte es muy importante. Define la calidad y realismo de la imagen final. En pintura, la renderización es lo que hacemos desde el principio, así que la preparación de esta sería la primera fase, la creación de un documento nuevo.

¿Acaso existe una fase más subestimada? Es como tomar una hoja de papel—¿qué puede ir mal? En realidad, muchas cosas. Si la resolución es demasiado pequeña, no podrás incluir los detalles pequeños (podrían ser del tamaño de un solo pixel). Si es demasiado grande, puede que tu ordenador se "atragante" y las pinceladas vayan con retraso. La proporción de los lados afectará a la localización de los puntos importantes (busca sobre la proporción áurea para aprender más sobre este tema) y, de ese modo, a la composición deseada. Puedes cambiar el tamaño a la imagen más tarde, por supuesto, pero cada modificación en la escala conlleva una pérdida de calidad de lo que ya has pintado.

photoshop file dimensions
Muy bien, es hora de trabajar en el ojo...

A veces no sabes exactamente qué es lo que quieres pintar y es necesario empezar en piloto automático. Sin embargo, cuando el tema principal empiece a revelarse, retoma el control y planifica el resto. Fíjate en qué tipo de composición te sugiere tu boceto y ajusta la imagen para las proporciones idóneas.

Conclusión

¿Significa esto que deberías tratar Photoshop como un programa 3D? ¡Para nada! La cuestión es que debes sentarte en el asiento del conductor y tomar el control completo del proceso creativo, al igual que harías en Blender, 3ds Max o Maya. Puede que resulte incómodo al principio porque es rígido y estricto, pero es igual que aprender a caminar—tu piloto automático aprenderá contigo y, después de un tiempo, ¡podrás volver a usarlo otra vez!

Hay otra lección más que puedes sacar de esto—conviértete en un artista 3D por un tiempo. Grandes artistas como Stjepan "Nebezial" Šejić o Landy "Jiyu-Kaze" Andria no ocultan que han aprendido muchísimo jugando con el modelado 3D. La pintura se basa en la realidad, y el software 3D es una especie de máquina de simulación de la realidad. No son perfectos, claro, pero dividen la realidad en trozos fáciles de digerir—¿preferirías hacerlo todo tú mismo otra vez?

Blender es gratuito y también poco intuitivo, así que no podrás utilizar tu piloto automático creativo ahí. ¡Y hay muchísimos tutoriales! Estoy totalmente convencida de que un modelo completo y texturizado hecho por ti desde cero (basándote en tutoriales, por supuesto) cambiará tu perspectiva sobre la pintura para siempre. En este artículo te he enseñado lo que he aprendido durante mi breve aventura con Blender. ¿Quién sabe lo que aprenderás tú?

photoshop wip painting ambient occlusion layer
Advertisement
Advertisement
Advertisement
Advertisement
Looking for something to help kick start your next project?
Envato Market has a range of items for sale to help get you started.