Spanish (Español) translation by Elías Nicolás (you can also view the original English article)
Continuando con nuestras características de historia del arte, he recopilado algunas personas fantásticas de color en el arte. Muy a menudo, cuando se habla de artistas influyentes, son los sospechosos habituales (Da Vinci, Monet, etc.) una y otra vez. Si
bien discutiremos algunas caras familiares, espero que esta lista
llegue a otros artistas con los que quizás no esté tan familiarizado y
le abra nuevas puertas a los movimientos y estilos de arte para
explorar.
La siguiente lista, sin ningún orden en particular, destaca algunos artistas fantásticos que han dejado una huella indeleble en el mundo y han contribuido enormemente al mundo del arte a lo largo de la historia y en la actualidad.
Diego Rivera
Tal vez sea mi ser un Metro-Detroiter nativo y el amor por el Rivera Court en el Detroit Institute of Arts lo que coloca a Rivera tan arriba en esta lista. Al considerar esta lista, inmediatamente pensé en las representaciones de Rivera sobre Detroit y su forma de utilizar el espacio en grandes murales. Sin embargo, estoy adelantandome.
Diego Rivera (1886-1957) fue un pintor mexicano conocido por sus murales y comentarios sociales dentro de ellos. A los 21 años, Rivera estudió arte en Europa, después de haber sido patrocinado por el gobernador de Veracruz para hacerlo. Fue influenciado por el cubismo y movimientos de arte moderno similares del día. En 1921, a la edad de 35 años, regresó a México. Es en este momento que comenzó a crear grandes murales. El primero fue patrocinado por el gobierno mexicano y creado en la Escuela Nacional Preparatoria en la Ciudad de México, México.
El trabajo de Rivera fue vibrante e influenciado cada vez más por su país de origen. Abordó temas sociales dentro de México, como la Revolución de 1910, las creencias políticas de izquierda y la postura antirreligiosa. Su trabajo fue en gran parte ilustrativo, contando historias dentro de cada espacio de sus frescos de una manera audaz y detallada que a menudo arruinaba plumas en la sociedad y aún hoy sigue siendo controvertido.
Rivera se casó cinco veces, dos veces con Frida Kahlo, a quien describí en un artículo anterior de la historia del arte. Los murales y las pinturas de Rivera se pueden encontrar en varios países, algunos de los cuales incluyen el hogar original de la pieza, como los 27 frescos que residen en el Institute of Arts de Detroit.
R. C. Gorman
Rudolph Carl Gorman (1931-2005) fue un pintor navajo nacido en Chinle, Arizona. Gorman ha sido aclamado como "el Picasso del arte del sudoeste" o "el Picasso del arte indio americano". Él, como muchos niños, dibujó desde temprana edad. Se le animó a desarrollar su interés en el arte, lo que eventualmente lo condujo a una beca para el Colegio de la Ciudad de México del Consejo Tribal Navajo.
Su pasión por la influencia de su cultura en el arte lo llevó a exhibir una galería en solitario en 1965 en la Galería de Manchester en Nuevo México. Debido a su éxito, abrió la Galería R. C. Gorman Navajo en Taos, Nuevo México, donde permaneció en el estudio y la residencia durante los años venideros.
El trabajo de Gorman fue influenciado por artistas como Diego Rivera y David Siqueiros. Introdujo su trabajo en el reino del realismo abstracto, jugando con formas abstractas para crear su propio estilo. Muchas de sus pinturas se centran en las mujeres Navajo, sus roles dentro de la Nación Navajo, y cómo se relacionan con las mujeres de todo el mundo.
Inicialmente, Gorman trabajó con óleo, acrílico o pastel. Con el paso del tiempo, pasó a las litografías (especialmente para hacer impresiones de su propio trabajo) y cerámicas. Gorman fue increíblemente exitoso durante su vida al crear un gran cuerpo de trabajo y vender sus pinturas y grabados de su galería.
Utamaro
Kitagawa Utamaro (1753-1806) nació en Japón y es recordado como uno de los mejores artistas de ukiyo-e de la historia. Su trabajo consiste principalmente en retratos de mujeres (bijin-ga) y estudios de la naturaleza que se muestran en grabados en madera. El arte Ukiyo-e generalmente aborda temas de mujeres hermosas, kubuki, sumo, cuentos populares, naturaleza y erótica. El género no se considera arte serio, está dirigido a un público de personas comunes.
La vida de Utamaro no estaba bien documentada. Se sabe que Toriyama Sekein, un artista que se había formado en la escuela de pintura Kano, le enseñó, pero cambió su enfoque al trabajo ukiyo-e más tarde en la vida. Bajo el nombre de Kitagawa Toyoaki, Utamaro ilustró la literatura popular y los actores kabuki.
A principios de la década de 1780 cambió su nombre a Utamaro y eventualmente trabajó únicamente en retratos de mujeres. Sus modelos eran en gran parte del distrito de placer. Es con estas piezas que se hizo famoso por su tema y estilizaciones idealizadas de la forma femenina.
En 1804, Utamaro tuvo problemas con las leyes de censura por representar una novela histórica prohibida. Fue sentenciado a ser esposado o encarcelado por 50 días (las cuentas son diferentes). Se dice que la prueba fue devastadora para él y lo llevó a su depresión, de la cual nunca se recuperó antes de su muerte dos años después.
Utamaro fue prolífico. Él produjo más de 2,000 copias durante su carrera y creó muchas pinturas, libros ilustrados y más. Su trabajo fue muy conocido y amado durante su vida y más allá. Cuando piensas o escuchas de bijinga o ukiyo-e art, es el trabajo de Utamaro el que se eleva por encima del resto y continúa estando entre los mejores de su edad.
Jean-Michel Basquiat
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) fue un artista estadounidense cuya corta vida brilló intensamente antes de una sobredosis de heroína a la edad de 27 años. Su trabajo abordó cuestiones sociales, incluidas las estructuras de poder, el racismo y el clasismo. En 1976 comenzó a pintar con graffiti bajo el nombre de SAMO, y continuó haciéndolo a finales de los 70.
En 1980, cuando apareció en un show de galería de grupo, su trabajo llamó la atención. Pronto estaba vendiendo pinturas por hasta $ 50,000 por pieza. Basquiat era parte del movimiento neoexpresionista, que a menudo representaba objetos o ideas reconocibles de manera emocional. A mediados de los años 80, se asoció con Andy Warhol en una serie de piezas colaborativas que en gran parte involucraban elementos de serigrafía de Warhol y Basquiat añadiendo componentes pintados.
El trabajo personal de Basquiat a menudo incorpora palabras y texturas parecidas a graffiti. Abordó temas influenciados por su herencia afro-caribeña, incluida una pintura de múltiples paneles que contaba historias de esclavos egipcios y atlánticos. Muchas de sus piezas son incompletas o están llenas de garabatos. Los colores brillantes y las imágenes dibujadas crudamente cubren lienzos, páginas de cuadernos de bocetos y más.
Su trabajo inspiró a muchos a crear un trabajo emocional, garabateado y reflexivo. Gracias a artistas como Basquiat, el trabajo de inspiración urbana entró en las galerías de arte y en el mundo artístico más serio.
Robert S. Duncanson
Robert S. Duncanson (1821-1872) fue un pintor afroamericano asociado con la Escuela del Río Hudson, un movimiento de arte centrado en paisajes e influenciado por el romanticismo. No estaba entrenado formalmente, pero perfeccionó su habilidad copiando impresiones y observación. En la década de 1840, debutó en una exposición en Cincinnati, Ohio. A la familia de Duncanson no se le permitió asistir al evento porque eran afroamericanos y la segregación estaba en su apogeo. Durante la década de 1840, Duncanson se centró en el retrato.
No fue hasta que cambió su enfoque a los paisajes que su trabajo despegó. Charles Avery, un abolicionista, encargó una pintura de Duncanson. Esto condujo a una red de patrocinadores antiesclavistas y partidarios de las artes; ellos sostuvieron su carrera. Sus piezas de paisaje eran más que simples representaciones de espacio físico. Llevaban los mensajes sociopolíticos del día también.
Duncanson se exilió a Canadá durante la Guerra Civil. Se vio fuertemente influenciado por el paisaje canadiense, incluso después de que se fue al Reino Unido y luego regresó a Cincinnati, Ohio. Fue uno de los primeros pintores estadounidenses en establecerse en Canadá y centrarse en su paisaje. Su trabajo agregó toques sutiles de sus propias experiencias como hombre negro en Antebellum America sin que su trabajo se categorizara estrictamente como "afroamericano" en un momento en que eso hubiera limitado su carrera.
Abanindranath Tagore
Abanindranath Tagore (1871-1951) fue un artista indio, escritor y fundador del movimiento de la escuela de arte de Bengala. Es conocido como el primer artista indio en obtener reconocimiento mundial. Estudió en la Escuela de Arte de Calcuta con los pintores europeos O. Ghilardi y Charles Palmer.
Tagore consideraba que el arte occidental era "materialista" y se centraba en las tradiciones artísticas de la India. El arte de Mughal fue una gran influencia temprana en su trabajo, así como en el arte y la caligrafía japoneses, que se pueden ver en sus piezas de acuarela. Tagore desarrolló este "estilo indio de pintura", como también era conocido, combinando imágenes modernas con cualidades espirituales. Bharat Mata ("Madre India") fue una de esas pinturas que muestra a una mujer con cuatro brazos similar a las representaciones de deidades hindúes.
Este estilo de arte fue promovido como el estilo de arte nacional, ganando popularidad en todo el mundo y atrayendo artistas y artistas indios a las galerías de Europa. Incluso hasta el día de hoy, la escuela de arte de Bengala es un legado continuo de artistas y calígrafos.
Amrita Sher-Gil
Amrita Sher-Gil (1913-1941) fue una pintora india-húngara que es considerada una de las pintores femeninas más importantes de la India del siglo XX. Su trabajo, comenzado como una niña en Hungría, floreció cuando ella fue a la India en 1934 a la edad de 21 años. Su obra de arte se centró en los pobres de la India, que representa su mundo y vive en la pintura.
Ella capturó la realidad de la India, mostrando figuras demacradas con expresiones pasivas y malhumoradas. Se centró en los trabajadores agrícolas, enfermeras y otras personas comunes en el sur de la India. Su estilo se inspiró en el modernismo europeo, pero capturó la creciente independencia de la India como país y cultura.
No fue hasta su muerte que su trabajo ganó popularidad en India y Europa. También es considerada como la artista india más cara, ya que se vendió una pintura por ₹ 6.9 crores en 2006 (aproximadamente $ 1.5 millones de dólares en ese momento). Su trabajo inspiró y continúa inspirando a artistas contemporáneos de la India.
Tarsila do Amaral
Tarsila do Amaral (1886-1973) fue una artista modernista brasileña cuyo trabajo combinó las ideas brasileñas con la estética de vanguardia. Tarsila nació para privilegiar, pero a diferencia de otras mujeres privilegiadas en Brasil en ese momento, tenía una familia que apoyaba su educación y actividades artísticas. Estudió arte en París, donde recibió la influencia del cubismo y Fernand Leger.
Ella fue parte del Grudo dos Cinco ("Grupo de los Cinco") que organizó la Semana de Arte Moderno ("Semana del Arte Moderno") en 1922 en São Paulo. Los artistas que participaron en el evento desafiaron al establecimiento de arte conservador con su estética moderna. Este evento y los artistas involucrados fueron fundamentales en el movimiento de arte moderno de Brasil y la promoción de la cultura brasileña en el mundo a través del arte.
En 1923, Tarsila regresó a París e infundió su cultura en el cubismo y estilos similarmente modernos. Gracias a los viajes a su país natal en Brasil, su trabajo se centró en el tema brasileño, convirtiendo los paisajes y la gente de Brasil en ideales cubistas modernos.
Oswald de Andrade, poeta y miembro del Grupo dos Cinco, escribió poesía que ilustró. Su trabajo exigía que los artistas exportaran la cultura brasileña al mundo, especialmente a Europa, cuya influencia tuvo un gran impacto en Brasil. Trataron de influir en el mundo con la cultura brasileña, y gracias a numerosas pinturas, Tarsila tuvo mucho éxito.
Tarsila deja atrás un legado de 230 pinturas que ayudaron a traer el modernismo a América Latina y a compartir Brasil con el mundo. Su trabajo e intenciones influyeron y continúan influenciando a los artistas en el intercambio de conceptos y temas brasileños indígenas en el arte.
Wen Zhengming
Wen Zhengming (1470-1559) fue un pintor, calígrafo y poeta chino, y es considerado como uno de los maestros (uno de cuatro) de la pintura Ming. El trabajo de Wen a menudo se centraba en cosas simples, como un árbol, y el tema del aislamiento y la soledad. También se centró en celebrar las vidas y la sociedad de la élite ya que eran sus patrocinadores. Fue enseñado e influenciado por el fundador de la escuela Wu, Shen Zhou.
Wen produjo obras bajo una serie de estilos, llegando a ser prolífico tanto en pintura como en poesía. Sus pinturas fueron buscadas por los coleccionistas hasta el punto de falsificaciones de su trabajo que era común durante el último período de Ming.
Wen se convirtió en una figura destacada del período Ming, influyendo en los artistas durante los años venideros. Se convirtió en líder de la escuela Wu por derecho propio, atrayendo a muchos estudiantes e influenciando a sus propios hijos para que siguieran sus pasos.
Kamal ud-Din Behzad
Kamal ud-Din Behzad (c.1450 - C. 1535) fue un pintor persa conocido por crear pinturas en miniatura y manuscritos iluminados. Los manuscritos de Behzad fueron creados en su propio estilo, que tomaba composiciones geométricas comunes al arte persa y las abría para que fueran más espaciosas y permitieran la acción y el movimiento en sus piezas. También fue hábil para guiar a los espectadores en torno a la composición de una manera orgánica, creando expresiones y figuras naturales en su trabajo.
El trabajo de Behzad fue por naturaleza lúdico y expresivo, lo cual era poco común para el trabajo persa en ese momento. Introdujo el naturalismo en el trabajo persa, utilizando gestos y expresiones realistas en sus figuras y centrándose más en el individuo dentro de una composición que en llenar el espacio con diseños y patrones.
Es considerado uno de los más grandes pintores de las miniaturas persas, y su obra y su estética influyeron en el arte persa e incluso indio en los años venideros.
Conclusion
Esta lista es demasiado corta e incompleta, y solo consta de diez artistas de todo el mundo y de la historia. Echa un vistazo a nuestro artículo de historia de arte anterior con diez mujeres fantásticas en el arte:
¿Quiénes son algunas de tus influencias artísticas favoritas? ¿Quién hizo una marca indeleble en el mundo? ¿De quién aprendiste hoy de lo que no sabías antes? ¡Comparte con nosotros en la sección de comentarios a continuación!
