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10 Einflussreichsten Menschen der Farbe über Kunstgeschichte

Read Time: 11 mins
This post is part of a series called A Beginner's Guide to Art History.
10 Influential Women of Art Throughout History

German (Deutsch) translation by Federicco Ancie (you can also view the original English article)

In Fortsetzung unserer kunstgeschichtlichen Tutorials habe ich einige fantastische Personen in der Kunst gesammelt. Wenn einflussreiche Künstler diskutiert werden, denken alle an die oft üblichen Verdächtigen (Da Vinci, Monet usw.). Während wir einige bekannte Gesichter besprechen, hoffe ich, dass in dieser Liste andere Künstler erscheinen, mit denen Sie möglicherweise nicht so vertraut sind, und sie können einige neue Türen für Kunstbewegungen und -stile öffnen.

Die folgende Liste zeigt in keiner bestimmten Reihenfolge einige fantastische Künstler, die die Welt unauslöschlich geprägt und im Laufe der Geschichte und heute einen großen Beitrag zur Welt der Kunst geleistet haben.

Diego Rivera

Vielleicht bin ich ein gebürtiger Metro-Detroiter und liebe den Rivera Court am Detroit Institute of Arts, der Rivera so weit oben auf dieser Liste platziert. Bei der Betrachtung dieser Liste dachte ich sofort an Riveras Darstellungen von Detroit und seine Art, den Raum in großen Wandgemälden zu nutzen. Ich bin mir jedoch weit voraus.

Detroit Industry South Wall 1932-1933Detroit Industry South Wall 1932-1933Detroit Industry South Wall 1932-1933
Detroit Industry, South Wall (1932-1933)

Diego Rivera (1886–1957) war ein mexikanischer Maler, der für seine Wandbilder und sozialen Kommentare bekannt war. Mit 21 Jahren studierte Rivera Kunst in Europa, nachdem er vom Gouverneur von Veracruz gesponsert worden war. Er wurde vom Kubismus und ähnlichen modernen Kunstbewegungen der damaligen Zeit beeinflusst. 1921, im Alter von 35 Jahren, kehrte er nach Mexiko zurück. Zu dieser Zeit begann er große Wandbilder zu schaffen. Sein erstes Kunstwerk wurde von der mexikanischen Regierung gesponsert und an der National Preparatory School in Mexiko-Stadt, Mexiko, gegründet.

The Arsenal 1928The Arsenal 1928The Arsenal 1928
Das Arsenal (1928)

Riveras Arbeit war lebendig und wurde immer mehr von seinem Heimatland beeinflusst. Er befasste sich mit sozialen Themen in Mexiko wie der Revolution von 1910, linken politischen Überzeugungen und anti-religiöser Haltung. Seine Arbeit war größtenteils illustrativ und erzählte auf kühne und detaillierte Weise Geschichten in jedem Raum seiner Fresken, die in der Gesellschaft oft die Federn zerzaust haben und bis heute umstritten sind.

The Day of the Dead 1924The Day of the Dead 1924The Day of the Dead 1924
Der Tag der Toten (1924)

Rivera war fünfmal verheiratet, zweimal mit Frida Kahlo, die ich in einem früheren kunsthistorischen Artikel vorgestellt habe. Riveras Wandgemälde und Gemälde befinden sich in mehreren Ländern, von denen einige die ursprüngliche Heimat des Stücks umfassen, wie beispielsweise die 27 Fresken, die sich am Detroit Institute of Arts befinden.

R. C. Gorman

Rudolph Carl Gorman (1931–2005) war ein in Chinle, Arizona, geborener Navajo-Maler. Gorman wurde als "Picasso der südwestlichen Kunst" oder "Picasso der indianischen Kunst" gefeiert. Er zeichnete wie viele Kinder schon in jungen Jahren. Er wurde ermutigt, sein Interesse an Kunst zu entwickeln, was schließlich zu einem Stipendium des Navajo Tribal Council an das Mexico City College führte.

Navajo ReturnNavajo ReturnNavajo Return
Navajo Rückkehr

Seine Leidenschaft für den Einfluss seiner Kultur auf die Kunst führte 1965 zu einer Einzelausstellung in der Manchester Gallery in New Mexico. Aufgrund seines Erfolgs eröffnete er die R.C. Gorman Navajo Galerie in Taos, New Mexico, wo er jahrelang im Studio und in der Residenz blieb.

Gormans Arbeit wurde von Künstlern wie Diego Rivera und David Siqueiros beeinflusst. Er schob seine Arbeit in den Bereich des abstrakten Realismus und spielte mit abstrakten Formen, um seinen eigenen Stil zu kreieren. Viele seiner Bilder konzentrieren sich auf Navajo-Frauen, ihre Rollen innerhalb der Navajo-Nation und ihre Beziehung zu Frauen auf der ganzen Welt.

La chileraLa chileraLa chilera
La Chilera

Anfangs arbeitete Gorman mit Öl, Acryl oder Pastell. Im Laufe der Zeit wandte er sich Lithografien (insbesondere bei der Herstellung von Drucken seiner eigenen Arbeiten) und Keramik zu. Gorman war zu Lebzeiten unglaublich erfolgreich darin, ein großes Werk zu schaffen und seine Gemälde und Drucke aus seiner Galerie zu verkaufen.

Utamaro

Kitagawa Utamaro (1753–1806) wurde in Japan geboren und gilt als einer der besten Ukiyo-e-Künstler der Geschichte. Seine Arbeit besteht hauptsächlich aus Frauenporträts (Bijin-Ga) und Naturstudien, die zu Holzschnitten verarbeitet wurden. Die Ukiyo-e-Kunst befasst sich typischerweise mit den Themen schöne Frauen, Kubuki, Sumo, Volksmärchen, Natur und Erotik. Das Genre wurde nicht als ernsthafte Kunst angesehen und richtete sich an ein Publikum von einfachen Leuten.

Takashima Ohisa using two mirrors to observe her coiffure night of the Asakusa Marketing FestivalTakashima Ohisa using two mirrors to observe her coiffure night of the Asakusa Marketing FestivalTakashima Ohisa using two mirrors to observe her coiffure night of the Asakusa Marketing Festival
Takashima Ohisa beobachtet mit zwei Spiegeln ihre Frisurennacht des Asakusa Marketing Festivals

Utamaros Leben war nicht gut dokumentiert. Es ist bekannt, dass er von Toriyama Sekein unterrichtet wurde, einem Künstler, der an der Kano-Malschule ausgebildet wurde, aber später seinen eigenen Fokus auf die Ukiyo-e-Arbeit verlagerte. Unter dem Namen Kitagawa Toyoaki illustrierte Utamaro populäre Literatur und Kabuki-Schauspieler.

In den frühen 1780er Jahren änderte er seinen Namen in Utamaro und arbeitete schließlich ausschließlich an Frauenporträts. Seine Modelle stammten größtenteils aus dem Vergnügungsviertel. Mit diesen Stücken wurde er berühmt für sein Thema und idealisierte Stilisierungen der weiblichen Form.

Ase o fuku onna Woman Wiping Sweat Ukiyo-e 1798Ase o fuku onna Woman Wiping Sweat Ukiyo-e 1798Ase o fuku onna Woman Wiping Sweat Ukiyo-e 1798
Ase o fuku onna (Frau, die Schweiß abwischt), Ukiyo-e, 1798

1804 geriet Utamaro in Schwierigkeiten mit Zensurgesetzen, weil er einen verbotenen historischen Roman darstellte. Er wurde verurteilt, entweder 50 Tage lang mit Handschellen gefesselt oder inhaftiert zu sein (Konten unterscheiden sich). Es heißt, dass die Tortur für ihn verheerend war und zu seiner Depression führte, von der er sich zwei Jahre später vor seinem Tod nie erholte.

Utamaro war produktiv. Während seiner Karriere produzierte er über 2.000 Drucke und schuf viele Gemälde, illustrierte Bücher und mehr. Seine Arbeit war während seiner Lebenszeit und darüber hinaus bekannt und beliebt. Wenn Sie an Bijinga- oder Ukiyo-e-Kunst denken oder hören, ist es Utamaros Werk, das sich von den anderen abhebt und weiterhin zu den größten seiner Zeit zählt.

Jean-Michel Basquiat

Jean-Michel Basquiat (1960–1988) war ein amerikanischer Künstler, dessen kurzes Leben vor einer Überdosis Heroin im Alter von 27 Jahren hell brannte. Seine Arbeit befasste sich mit sozialen Themen wie Machtstrukturen, Rassismus und Klassismus. 1976 begann er, Graffiti unter dem Namen SAMO zu sprühen, und setzte dies bis Ende der 70er Jahre fort.

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Scull (1981)

1980, als er in einer Gruppengalerie gezeigt wurde, erregte seine Arbeit Aufmerksamkeit. Bald verkaufte er Gemälde für bis zu 50.000 Dollar pro Stück. Basquiat war Teil der neo-expressionistischen Bewegung, die oft erkennbare Objekte oder Ideen auf emotionale Weise darstellte. Mitte der 80er Jahre arbeitete er mit Andy Warhol an einer Reihe von gemeinsamen Arbeiten zusammen, bei denen hauptsächlich Warhol-Siebdruckelemente und Basquiat lackierte Komponenten hinzufügten.

Poison Oasis 1981Poison Oasis 1981Poison Oasis 1981
Poison Oasis (1981)

Basquiats persönliche Arbeit enthielt oft Wörter und graffitiartige Texturen. Er ging auf Themen ein, die von seinem afro-karibischen Erbe beeinflusst waren, darunter ein mehrteiliges Gemälde, das Geschichten über den ägyptischen und atlantischen Sklavenhandel erzählte. Viele seiner Stücke sind lückenhaft oder voller Kritzeleien. Helle Farben und grob gezeichnete Bilder bedeckten Leinwände, Skizzenbuchseiten und mehr.

Black Tar and Feathers 1982Black Tar and Feathers 1982Black Tar and Feathers 1982
Schwarzer Teer und Federn (1982)

Seine Arbeit inspirierte so viele dazu, emotionale, gekritzelte und nachdenkliche Arbeiten zu schaffen. Dank Künstlern wie Basquiat gelangten städtisch inspirierte Arbeiten in Kunstgalerien und in die ernstere Kunstwelt.

Robert S. Duncanson

Robert S. Duncanson (1821–1872) war ein afroamerikanischer Maler der Hudson River School, einer Kunstbewegung, die sich auf Landschaften konzentriert und von Romantik beeinflusst ist. Er war nicht offiziell ausgebildet, sondern verbesserte seine Fähigkeiten durch das Kopieren von Abzügen und Beobachtungen. In den 1840er Jahren debütierte er auf einer Ausstellung in Cincinnati, Ohio. Duncansons Familie durfte nicht an der Veranstaltung teilnehmen, da sie Afroamerikaner war und die Segregation auf ihrem Höhepunkt war. In den 1840er Jahren konzentrierte sich Duncanson auf die Porträtmalerei.

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Landschaft mit Regenbogen, 1859

Erst als er seinen Fokus auf Landschaften verlagerte, begann seine Arbeit. Charles Avery, ein Abolitionist, gab ein Gemälde von Duncanson in Auftrag. Dies führte zu einem Netzwerk von Gönnern, die gegen die Sklaverei waren und die Künste unterstützten. Sie haben seine Karriere aufrechterhalten. Seine Landschaftsstücke waren mehr als nur Wiedergaben des physischen Raums. Sie trugen auch die gesellschaftspolitischen Botschaften des Tages.

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Ellens Insel, Loch Katrine (1871)

Duncanson verbannte sich während des Bürgerkriegs nach Kanada. Er war auch nach seiner Abreise nach Großbritannien stark von der kanadischen Landschaft beeinflusst und kehrte später nach Cincinnati, Ohio, zurück. Er war einer der ersten amerikanischen Maler, der sich in Kanada niederließ und sich auf seine Landschaft konzentrierte. Seine Arbeit fügte subtile Berührungen aus seinen eigenen Erfahrungen als schwarzer Mann in Antebellum America hinzu, ohne dass seine Arbeit in einer Zeit, in der dies eine Karrierebeschränkung gewesen wäre, streng als „Afroamerikaner“ eingestuft wurde.

Abanindranath Tagore

Abanindranath Tagore (1871–1951) war ein indischer Künstler, Schriftsteller und Gründer der bengalischen Kunstschule. Er gilt als der erste indische Künstler, der weltweit Anerkennung findet. Er studierte an der Calcutta School of Art bei den europäischen Malern O. Ghilardi und Charles Palmer.

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Bharat Mata (um 1905)

Tagore betrachtete westliche Kunst als „materialistisch“ und konzentrierte sich stattdessen auf indische künstlerische Traditionen. Die Mogulkunst war ein wichtiger früher Einfluss auf seine Arbeit sowie auf die japanische Kunst und Kalligraphie, die in seinen Aquarellstücken zu sehen sind. Tagore entwickelte diesen „indischen Malstil“, wie er auch genannt wurde, und kombinierte moderne Bilder mit spirituellen Qualitäten. Bharat Mata („Mutter Indien“) war ein solches Gemälde, das eine Frau mit vier Armen zeigt, ähnlich wie Darstellungen hinduistischer Gottheiten.

 Ganesh-janani by Abanindranath Tagore Ganesh-janani by Abanindranath Tagore Ganesh-janani by Abanindranath Tagore
"Ganesh-janani" von Abanindranath Tagore.

Dieser Kunststil wurde als nationaler Kunststil gefördert, gewann weltweit an Popularität und brachte indische Kunst und Künstler in die Galerien Europas. Bis heute ist die bengalische Kunstschule ein fortwährendes Erbe von Künstlern und Kalligrafen.

Amrita Sher-Gil

Amrita Sher-Gil (1913–1941) war eine indisch-ungarische Malerin, die als eine der wichtigsten Malerinnen Indiens des 20. Jahrhunderts gilt. Ihre als Mädchen in Ungarn begonnene Arbeit blühte auf, als sie 1934 im Alter von 21 Jahren nach Indien ging. Der Fokus ihrer Kunstwerke lag auf den Armen Indiens und zeigte ihre Welt und ihr Leben in Farbe.

Hungarian Gypsy Girl 1932Hungarian Gypsy Girl 1932Hungarian Gypsy Girl 1932
Ungarisches Zigeunermädchen, 1932

Sie hielt die Realität Indiens fest und zeigte abgemagerte Figuren mit passiven, launischen Ausdrücken. Sie konzentrierte sich auf Landarbeiter, Krankenschwestern und andere gewöhnliche Menschen in Südindien. Ihr Stil wurde von der europäischen Moderne inspiriert, eroberte aber die wachsende Unabhängigkeit Indiens als Land und Kultur.

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Brauttoilette, 1937

Erst nach ihrem Tod wurde ihre Arbeit in Indien und Europa populär. Sie gilt auch als die teuerste indische Künstlerin, nachdem sie 2006 ein Gemälde für 6,9 Millionen Pfund verkauft hatte (damals etwa 1,5 Millionen US-Dollar). Ihre Arbeit inspirierte und inspiriert weiterhin zeitgenössische indische Künstler.

Tarsila do Amaral

Tarsila do Amaral (1886–1973) war ein brasilianischer Künstler der Moderne, dessen Werk brasilianische Ideen mit avantgardistischer Ästhetik verband. Tarsila wurde aus Privilegien geboren, aber im Gegensatz zu anderen privilegierten Frauen in Brasilien hatte sie zu dieser Zeit eine Familie, die ihre Ausbildung und ihre künstlerischen Aktivitäten unterstützte. Sie studierte Kunst in Paris, wo sie vom Kubismus und Fernand Leger beeinflusst wurde.

Abaporu 1928Abaporu 1928Abaporu 1928
Abaporu (1928)

Sie war Teil des Grudo dos Cinco („Gruppe der Fünf“), der 1922 in São Paulo die Semana de Arte Moderna („Woche der modernen Kunst“) organisierte. Die an der Veranstaltung teilnehmenden Künstler forderten das konservative Kunstinstitut mit ihrer modernen Ästhetik heraus. Diese Veranstaltung und die beteiligten Künstler waren ausschlaggebend für Brasiliens moderne Kunstbewegung und die Förderung der brasilianischen Kultur durch Kunst in der Welt.

1923 kehrte Tarsila nach Paris zurück und brachte ihre Kultur in den Kubismus und ähnlich moderne Stile ein. Dank ihrer Heimreise nach Brasilien nahm ihre Arbeit brasilianische Themen auf und machte Landschaften und Menschen in Brasilien zu modernen, kubistischen Idealen.

Morro da favela 1945Morro da favela 1945Morro da favela 1945
Morro da Favela (1945)

Oswald de Andrade, ein Dichter und Mitglied der Grupo dos Cinco, schrieb Gedichte, die sie illustrierte. Seine Arbeit forderte Künstler auf, die brasilianische Kultur in die Welt zu exportieren, insbesondere nach Europa, dessen Einfluss einen großen Einfluss auf Brasilien hatte. Sie versuchten, die Welt mit brasilianischer Kultur zu beeinflussen, und dank zahlreicher Gemälde war Tarsila weitgehend erfolgreich.

Carnaval em Madureira 1924Carnaval em Madureira 1924Carnaval em Madureira 1924
Carnaval em Madureira (1924)

Tarsila hinterlässt ein Erbe von 230 Gemälden, die dazu beigetragen haben, die Moderne nach Lateinamerika zu bringen und Brasilien mit der Welt zu teilen. Ihre Arbeit und Absichten beeinflussten und beeinflussen Künstler weiterhin darin, indigene brasilianische Konzepte und Themen in der Kunst zu teilen.

Wen Zhengming

Wen Zhengming (1470–1559) war ein chinesischer Maler, Kalligraph und Dichter und gilt als einer der Meister (einer von vier) der Ming-Malerei. Wens Arbeit konzentrierte sich oft auf einfache Dinge wie einen Baum und das Thema Isolation und Einsamkeit. Er konzentrierte sich auch darauf, das Leben und die Gesellschaft der Elite zu feiern, da sie seine Gönner waren. Er wurde vom Gründer der Wu-Schule, Shen Zhou, unterrichtet und beeinflusst.

One of eight album leaves depicting the Humble Administrators Garden painted in 1551One of eight album leaves depicting the Humble Administrators Garden painted in 1551One of eight album leaves depicting the Humble Administrators Garden painted in 1551
Eines von acht Albumblättern, die den 1551 gemalten Humble Administrator's Garden darstellen

Wen produzierte Arbeiten unter verschiedenen Stilen und wurde sowohl in der Malerei as auch in der Poesie produktiv. Seine Gemälde wurden von Sammlern bis zu Fälschungen seiner Werke gesucht, die in der späten Ming-Zeit üblich waren.

Painting combining calligraphy and naturePainting combining calligraphy and naturePainting combining calligraphy and nature
Malerei, die Kalligraphie und Natur verbindet.

Wen wurde zu einer führenden Figur der Ming-Zeit und beeinflusste die Künstler über Jahre hinweg. Er wurde selbst ein Leiter der Wu-Schule, zog viele Schüler an und beeinflusste seine eigenen Söhne, in seine Fußstapfen zu treten.

Kamal ud-Din Behzad

Kamal ud-Din Behzad (ca. 1450 - ca. 1535) war ein persischer Maler, der für die Erstellung von Miniaturgemälden und illuminierten Manuskripten bekannt war. Behzads Manuskripte wurden in seinem eigenen Stil erstellt, der geometrische Kompositionen, die der persischen Kunst gemeinsam sind, aufnahm und sie geräumiger öffnete, um Action und Bewegung in seine Stücke zu ermöglichen. Er war auch in der Lage, den Betrachter auf organische Weise durch die Komposition zu führen und natürliche Ausdrucksformen und Figuren in seiner Arbeit zu schaffen.

The construction of castle Khavarnaq Arabic in al-Hira c 1494-1495 CEThe construction of castle Khavarnaq Arabic in al-Hira c 1494-1495 CEThe construction of castle Khavarnaq Arabic in al-Hira c 1494-1495 CE
Der Bau der Burg Khavarnaq (arabisch الخورنق) in al-Hira, c. 1494-1495 C.E.

Behzads Arbeit war natürlich spielerisch und ausdrucksstark, was zu dieser Zeit für die persische Arbeit ungewöhnlich war. Er führte den Naturalismus in die persische Arbeit ein, indem er realistische Gesten und Ausdrücke in seinen Figuren verwendete und sich mehr auf das Individuum innerhalb einer Komposition konzentrierte, als den Raum mit Design und Mustern zu füllen.

Yusef and ZuleykhaYusef and ZuleykhaYusef and Zuleykha
Yusef und Zuleykha

Er gilt als einer der größten Maler persischer Miniaturen, und seine Arbeit und Ästhetik beeinflussten in den kommenden Jahren die persische und sogar indische Kunst.

Abschluss

Diese Liste ist viel zu kurz und unvollständig und besteht nur aus zehn Künstlern aus der ganzen Welt und der gesamten Geschichte. Lesen Sie unseren vorherigen Artikel zur Kunstgeschichte mit zehn fantastischen Frauen in der Kunst:

Wer sind einige deiner liebsten künstlerischen Einflüsse? Wer hat die Welt unauslöschlich geprägt? Wen haben Sie heute kennengelernt, den Sie vorher nicht kannten? Teilen Sie mit uns im Kommentarbereich unten!

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